Alberto Durero y su El Jinete - Der Reuther

Alberto Durero (Albrecht Dürer) llamó a este grabado como "El Jinete - Der Reuther" en su diario de viajes por los Países Bajos a principios de la década de 1520, pero los esfuerzos para identificar la escena representada aquí como una alegoría religiosa o moralizante han continuado desde la segunda mitad del siglo XVI. 

Hoy en día se entiende comúnmente como una representación de un caballero cristiano que atraviesa un paisaje peligroso poblado por la figura de la muerte en decadencia, que sostiene un reloj de arena, y un animal demoníaco que representa al demonio y que aparece en la zona trasera del caballo del jinete. 

Esta obra es también conocida con el nombre de "Caballero, Muerte y Diablo", firmada en el año 1513, y finalmente es un grabado impreso, algo menor a un A4 y grabado en Viena.

Arte Religioso moderno, en Toulouse, Francia

Esta obra religiosa pero moderna o contemporánea se encuentra en el convento de los Jacobinos en la ciudad francesa de Toulouse. Es una obra de Arcabas en homenaje a Bernanos, realizado en el año 1962.

Arcabas es el seudónimo de Jean-Marie Pirot, fallecido en el año 2018, un artista francés de Arte religioso, considerado uno de los maestros actuales del Arte Sacro Contemporáneo.

Su obra abarcaba diferentes técnicas: escultura, grabado, tapices, mosaico, vidrieras, ebanistería o forja, pero sobre todo pintura. También ha creado vestuarios y decorados para obras de teatro.

Paul Klee y sus Nubes sobre Bor

El cuadro titulado Clouds over Bor o Nubes sobre Bor es una obra muy conocida y de las más reproducidas del artista suizo alemán expresionista Paul Klee, realizada en 1940, es decir en el último año de su vida. 

Curiosamente podría parece una obra de sus inicios y en cambio es una de sus últimas obras, donde vuelve a una representación más sencilla de lo que quiere plasmar, en este caso un paisaje con nubes de la ciudad de Bor.

Para Paul Klee había cinco temas que eran los que marcaban todo su obra, con independencia de escuelas o tendencias, aunque siempre intentaba construir una mezcla de poesía visual donde incluía notas musicales o palabras, posiblemente para asemejarse a sueños o reflexiones.

Color

Ritmo

Naturaleza

Construcción

Movimiento

Amarillos oxidados, que resisten el tiempo

Son amarillos oxidados, que resisten el paso del tiempo. 

No son simples colores tostados puestos al sol, sino amarillos que se caen, podridos por dentro. 

Arrastrados hacia fuera.

Siguen amenazando a quien pasa.

Esa puerta, toda ella, pintada de amarillo Kodak debía ser un encanto osado. 

Pero la realidad otra vez más se ha vuelto a imponer. 

No sirve de nada disimular.

Una puerta vieja tiene que parecer una puerta vieja.

Centro Cultural africano al aire libre

Es espacio en un parque público de Sudáfrica, un escenario donde se celebran misas para el barrio, y un espacio público que también se emplea como Centro Cultural y Musical al aire libre. 

Vuelven esos ojos que nos miran a todos, a tener una importancia en el arte africano. 

Color, formas, miradas, personas.

Nota.: Imágenes de Luis Iribarren

Virgen de una iglesia de Albi (Francia)

Hoy os dejo una simple imagen de una Virgen encontrada en mis paseos por las calles del mundo. Una bella obra en donde la mano del niño que sale tras el cuello de su madre produce una ternura casi exquisita. 

Está en una iglesia de la ciudad de Albi en Francia. 

Me gustó el gesto de la madre y el niño, la representación de un cariño y amor, muy bien reflejado. Muchas veces en el arte buscamos simplemente trasmitir ideas, sensaciones, gestos. 

La mano del niño es toda una intención de alimentación, de incluso dependencia. Y los ojos cerrados de la figura femenina una resignación clara.

El Bosco y El carro de heno. Detalles

Jheronimus van Aken, el Bosco, con su tríptico "El carro de heno" nos enseña una sociedad que intenta utilizar el placer como la única manera de vivir, y lo utiliza en todos sus tamaños y estados, incluidos el de matar, explicando con imágenes que el placer no conduce más que al caos, a la destrucción. La obra está en el Museo del Prado de Madrid.

Esta obra nos quiere enseñar el camino al Infierno, si abusamos de los placeres de todo tipo. Si nos somos capaces de controlarnos, nunca seremos capaces de controlar a los demás. Es un tríptico dedicado al Pecado en todas sus vertientes, desde la expulsión de Adán y Eva del Paraíso.

Hay un versículo de Isaías 40, 6, que dice: Toda carne es heno y toda gloria es como las flores del campo. Todo es efímero y perecedero de las cosas terrenales, todo se acaba menos la vida eterna, el heno se seca muy pronto, las flores se marchitan enseguida.

Como es lógico todo el conjunto es un predicamento religioso, y aquí hablamos de Arte. Y esta maravillosa obra es un catálogo de personas, vestidos, oficios, acciones de una sociedad que nos muestra su funcionamiento si alejamos el punto de vista religioso o de vicio que se puede observar.

Pintada a principios del siglo XVI, sobre 1512, es maravillosa de contemplar pues parece una película de época, una historia que se lee perfectamente, desde la izquierda con el Paraíso a la derecha con el Infierno, pasando por la tabla central en donde vemos la sociedad de aquel siglo.

Pero a la vez muestra claramente una lucha de clases, pues si vemos detenidamente a los personajes, incluidos un Papa, veremos las diferentes acciones de los Poderos y de la clase baja en poder o economía. Como también los placeres son diferentes, como sus comportamientos son distintos.

Sergio Prego llena los vacíos en el Museo de Bellas Artes de Bilbao

El artista vasco Sergio Prego, afincado en New York, presenta en el Museo de Bellas Artes de Bilbao una gran exposición que no puede dejar indiferente a nadie. Por el reconocido artista y por sus obras tan potentes que pueden gustar o puedes odiarlas nada más entrar a verlas.

Son esculturas que juegan con los espacios, con los vacíos para llenarlos y le viene muy bien a este momento del museo bilbaíno que está en obras y vacío de sus obras habituales. han optado por mostrar obras de Arte Contemporáneo, que digan cosas, que hablen, o que lo intenten al menos.

Estas obras sin el propio continente, sin las habitaciones en donde se encuentran expuestas no dirían casi nada. Son parte de esos vacíos, juegan en continuidad con todas las salas, para configurar una enorme obra de arte. Yo personalmente creo ver una sola obra, ni catorce.

Y sin duda impresiona el conjunto, si lo miramos además, desde el punto de vista de integrarse sus obras con las paredes, los techos los suelos, formando un todo, un conjunto que va hablando lentamente mientras pasas de una sala a la otra.

¿Y a los que no les gusta? Pues bien, es lógico también. El Arte está para eso, para provocar, para romper ideas, para llenar vacíos o para vaciar contenidos. A mi me ha sorprendido gratamente.

La feria ARCO es un mercadillo de Arte

La Feria ARCO es un mercadillo, un espacio enorme en donde las Galerías de Arte ofrecen sus productos. Es Arte, pero podrían ser filetes de vaca vieja o alfombras persas. Pero no, es Arte.

Esto hay que tenerlo en cuenta para entender el fondo de la idea. Se trata de vender, de comprar, de invertir, de explorar mercados e ideas, de crecer o hundirse.

Todos los años hay obra reconocida y muy cara, hay obra barata para iniciarse, y hay obra escandalosa para salir en los papeles. Ingredientes de una gran sopa en donde algunos destacan, abren ventanas y caminos, y otros hacen de liebres.

Sobre todo ARCO sirve para conocerse, para ver tendencia, para observar los cambios y ver qué se cae y qué emerge como novedad.

La pintura no ha muerto, o al menos no ha muerto la pared como soporte de Arte, creo que seguimos apostando por mezclas de pequeños tamaños que hacen un gran tamaño, y nadie es capaz de comprar en los mercadillos aquello que ocupa mucho espacio, mucho volumen.

Los brochazos de Goya con mucho detalle

Había hablado entes de los brochazos de Goya en muchas de sus obras, pero en concreto en El Aquelarre, y lo hice en esta entrada hablando de unos niños y en esta otra hablando de la luna. 

De la misma obra, El Aquelarre, pintada en el año 1798, el primer Aquelarre pues luego vendría otro con el mismo título en las Pinturas Negras, muestro unos rostros de personajes de la obra.

Volvemos a ver brochazos sin casi detalle si los vemos de cerca, pero maravillosos si vemos la obra a una distancia suficiente. Es una obra pequeña. 

Esa capacidad de dibujar a trazos gruesos no fue bien entendida por sus familiares pintores y le costó algunos disgustos. 

Pero Goya pintaba pensando en el espectador, en las distancia a las que se iban a ver sus obras.