Goya y su obra de José de Toro-Zambrano y Ureta

El retrato de José de Toro-Zambrano y Ureta (Chile, 1727 - Madrid, 1796) fue la primera obra pintado por Goya para el Banco de San Carlos (luego Banco de España), que siguió a las resoluciones de su Junta de gobierno del 22 de diciembre de 1784 y del 30 del mismo mes y año.

Entre 1785 y 1788 el Banco de San Carlos (actual Banco de España), que había sido creado por Francisco Cabarrús en 1782 bajo el gobierno del conde de Floridablanca, encargó a Goya la realización de seis retratos oficiales. En la elección de Goya como pintor influyó Juan Agustín Ceán Bermúdez, por entonces primer oficial de la secretaría de la entidad.

La figura aparece recortada sobre fondo neutro siendo la cabeza la zona iluminada. De medio cuerpo y casi de frente, lleva peluca blanca, va vestido con casaca roja, chaleco del mismo color con botones dorados, camisa blanca con chorreras en el cuello y las mangas sobresalen por debajo de la casaca. La mano derecha descansa en el chaleco y la izquierda se apoya sobre lo que puede una ventana.

El primer restaurador del Museo Nacional del Prado, Amutio, hizo desaparecer una cruz de Carlos III que llevaba el retratado y repintada posteriormente a la ejecución del cuadro por Goya.

José de Toro-Zambrano fue uno de los tres primeros directores de la institución, nombrado en 1783 por su excelente trayectoria comercial y sus brillantes estrategias en la materia, sobre todo en las relaciones con América. Su actividad en el Banco de San Carlos determinó en 1784 su nombramiento como ministro honorario del Consejo Real de la Junta de Comercio y Moneda. El rey le concedió en noviembre de 1785 la Gran Cruz de la Real y Distinguida Orden de Carlos III; se sabe que Zambrano se había hecho una espectacular con más de trescientos brillantes y treinta y cuatro zafiros, todo montado en oro, que no luce aún en el retrato de Goya pero que pudo añadir más tarde, según muestran las primeras fotos del cuadro.

Goya siguió en el retrato de Zambrano hecho al óleo en 1785, la sencillez, claridad, precisión y estudio de la personalidad y del carácter del personaje. La sobriedad no es, sin embargo, un obstáculo para convertir el retrato en una obra de arte magnífica y nueva.

La técnica de Goya al óleo sobre lienzo, capta los aspectos externos de Zambrano, el color de su tez, la finura y elegancia de sus manos, el color profundo de su casaca, pero también la frialdad de sus ojos azules, el gesto seco y tenso de la boca o la firmeza de su puño sobre el antepecho que revela su carácter acostumbrado a imponer su opinión y a conseguir sus deseos.

Fernand Léger, cubista cilíndrico

Fernand Léger (1881-1955) fue uno de los artistas franceses más influyentes de la primera mitad del siglo XX, reconocido por su papel clave en el desarrollo del cubismo y por su personal interpretación de la modernidad

Léger nació en Argentan (Francia) y, tras una formación inicial en arquitectura, se trasladó a París, donde se integró en los círculos vanguardistas y estudió con maestros como Jean-Léon Gérôme y Gabriel Ferrier. 

Pronto se sintió atraído por el cubismo pictórico, exponiendo junto a Braque y Picasso, aunque desarrolló un enfoque propio: su cubismo se caracteriza por el uso de formas cilíndricas y tubulares, colores primarios vibrantes y una marcada tridimensionalidad, alejándose de la descomposición plana de otros cubistas.

La obra que vemos arriba la pintó en el año 1914 al óleo sobre lienzo y la tituló "Naturaleza muerta con lámpara".

Uno de los rasgos más distintivos de Fernand Léger fue su fascinación por la vida moderna, la máquina  que parecía adueñarse de todo en aquellos años de inicio del siglo XX y de la ciudad que crecía y ofrecía muchas opciones de crecimiento cultural y personal. 

Sus obras incorporan motivos industriales y mecánicos, como engranajes, andamios y figuras robotizadas, reflejando el impacto de la industrialización y el dinamismo urbano.

Tras su experiencia en la Primera Guerra Mundial, esta iconografía se intensificó, dando lugar a su llamado “Periodo Mecánico” al que se unieron diversos artistas y no todos pintores.

Sus innovaciones y aportes artísticos los podemos definir como:

Contraste de formas: Léger desarrolló una teoría artística basada en la yuxtaposición de formas orgánicas y mecánicas, explorando la tensión entre naturaleza y tecnología.

Color y volumen: Utilizó colores puros y delimitados, y una estructura compositiva que resalta el volumen y la monumentalidad de las figuras protagonistas de cada obra.

Arte multidisciplinar: Además de la pintura, incursionó en la escultura, el cine, la cerámica, el diseño escenográfico y las vidrieras, colaborando con cineastas y arquitectos como Le Corbusier.

Compromiso social: Su obra refleja inquietudes sociales y políticas, defendiendo una visión humanista de la modernidad y participando activamente en debates culturales y educativos. 

Fernand Léger fue maestro de numerosos artistas internacionales y su influencia se extendió al constructivismo o hacia el futurismo, el art déco y el pop art. 

Tras la Segunda Guerra Mundial, se afilió al Partido Comunista y realizó importantes encargos públicos, como murales y vidrieras para edificios y templos. 

Su museo principal se encuentra en Biot, Francia. En suma, Fernand Léger es recordado como el “pintor de las máquinas”, un innovador que supo unir arte y tecnología, y cuya obra celebra la energía, el color y el ritmo de la vida moderna

Gallery Goodman con frases de luz y sombras

Un lamento, un dolor. Un dolor, una revolución.

La Gallery Goodman nos presentó en el Reina Sofía de Madrid este montaje de neones titulado "Sonidos de agua" en el año 2023, mezclando frases con espacios y sonidos que inundaban el paseo de observación. Grises, luces, sombras y reflexiones.

Goodman Gallery es una de las galerías de arte contemporáneo internacional más distinguidas y más antiguas del mundo. Establecida en Johannesburgo en 1966, la galería trabaja con artistas que son contemporáneos, influyentes y se esfuerzan por cambiar de perspectiva y generar una transformación social. Fundada durante la era del apartheid, Goodman Gallery ofrecía un espacio no discriminatorio cuando los museos servían a la agenda del gobierno autocrático.

Un dibujo de una niña siria

Este dibujo es de una niña siria, hoy refugiada en la ciudad de Gaziantep en Turquía. Es un dibujo infantil realizado en un taller del programa "ColoFull Syria" que llevan a cabo desde la ONG Solinfo con personas turcas que atiende a estos niños.

Está realizado en el año 2014, ya hace un tiempo. Hoy la niña ya no es una niña sino una joven, que yo no sé en donde se encuentra, pero sí sé los sufrimientos que lleva incrustado dentro de ella.

Es Arte Infantil, al que solo le quiero añadir levemente un pequeño detalle. El rojo de las ventanas podría se fuego. La casa su vivienda. Se llama Ayah.

El maravilloso paisaje de las ciudades dormitorio

Podría ser cualquier ciudad del sur de Europa, es una mañana de Belgrado en Serbia. 

Es un barrio de los llamados dormitorios, que sacan sus trapos nocturnos a orear, a limpiarse de brujas nocturnas, de malas vibraciones de la noche oscura. 

Es sobre todo una estampa que de ser horrorosa se ha ido convirtiendo en típica y estética, incluso maravillosamente artística en sus formas y distribuciones aleatorias. 

Cada día es un paisaje diferente.

Lleno de colores distintos, cambiantes.

El caos tiene sus reglas de informalidad. En Valencia también

El caos tiene sus reglas; no es fácil lograrlo con pocos elementos y lo sabe él mismo. 

Si intentas crear caos con una o dos formas horrorosas es complicado lograrlo pues resulta insuficiente. 

Pero a veces se puede. 

Un poco de dejadez, de polvo de viejo, de abandono disfrazado de tiempo muerto. 

Si le añades el absurdo, lo curioso, lo inútil e incapaz de servir para algo, puedes lograr un pequeño museo al caos local. 

Esta terraza valenciana es un ejemplo de ello. 

No sabemos qué piensan los muñecos, qué piensa la dueña de estos elementos (sí, es dueña), pero sabemos que eso es el caos. 

Su propio caos que ella no considera caos.

Puede que incluso un maravilloso caos desorientado e informal.

Bien, podrímos estar de acuerdo. Todo es una mierda

Bien, podríamos estar de acuerdo. 

Todo es una mierda, lo asumimos. 

Y a partir de esto ¿qué debemos hacer? 

¿Para qué sirve asumir que todo es una mierda? 

¿Para cabrearnos más? 

¿Y si no hiciéramos caso a nada y nos comportáramos como si nada de todo esto estuviera sucediendo?

¿Qué parte de todo esto es culpa nuestra?

¿Qué hemos hecho hoy por mejorar algo de lo que nos rodea y que así deje de ser esa mierda que nos creemos?

Pelusa blanca, dispuesta a volar para esparcirse

Una simple pelusa blanca es en realidad de lo más etéreo que existe en el mundo. 

Nace y crece hasta convertirse en esa bola blanca que vemos,  dispuesta para volar en cuanto el viento sople con ganas. 

Su única misión es precisamente volar, que las semillas caigan lo más lejos posible de la planta madre. 

Son semillas diminutas, sin peso, pero son vida nueva, con arquitecturas naturales que sorprende como todo lo natural. 

Bellezas en forma de pequeños paraguas dispuestos a volar en busca de nuevas tierras.

El aire traslada la vida entre los campos.

Una gran duda entre un balcón y una Virgen de Bruselas

Bruselas es una ciudad católica no practicante. El número de personas que acuden a las iglesias es mínimo, pero siguen quedando en la ciudad, en toda Bélgica, muestras de su gran pasado religioso. 

Este balcón de Bruselas, hermoso por sí sólo, con la gran Virgen que tiene encima se convierte en un lugar místico para salir y saludar, casi teatralmente. 

Aunque nunca sabrás si te miran a ti por estar en el balcón saludando, o si desde abajo miran a la Virgen para pedirle algún milagro.

Antonio Saura y Francisco de Goya. Amigos entre ellos

Los aragoneses Antonio Saura y Francisco de Goya tienen mucho guiños artísticos entre sí. Efectivamente nunca pudo Goya hacérselos a Saura, lo que no evita que curiosamente se hayan encontrado formas que se abren en caminos artísticos que traspasan a ambos aragoneses imprescindibles. 

Fueron amigos sin conocerse, lo cual debe ser otro sueño más entre ambos. 

Esta obra de Antonio Saura, del año 1984, se titula “Retrato imaginario de Goya”, donde se busca mostrarnos un Goya observador, preparado para mirar todo y retratar aquello que él sabe trasciende los tiempos, al reflejar sueños o violencias, costumbres o modos, personas o miradas de estas que son el espejo de su personalidad.

De conocerse, no sabremos nunca qué punto de vista habría utilizado Goya para retratar a A. Saura, pero cabe imaginarse que sería en un grabado en blanco y negro, con trazos rápidos y miradas críticas.

Eugenio Recuenco y su Proyecto Fotográfico 365º

El fotógrafo madrileño Eugenio Recuenco crea una serie impresionante que tituló "Proyecto 365º" y que dentro de una vanguardista estética, conceptual y sustancialmente fotográfica al menos como resultado final, intentó mostrar los asuntos mundiales, desde las artes de la Edad Media hasta las redes sociales, así como los asuntos políticos actuales.

Eugenio Recuenco imagina eventos mundiales en sus propios pequeños microcosmos, con escenarios, a veces sutiles y a menudo elaborados, y que construye de manera cinematográfica.

Decoración, moda, estética, teatro, publicidad, para terminar en fotografía. Simplemente y de forma tremendamente compleja, Eugenio Recuenco analiza sutilmente la realidad dentro sus obras y pone un espejo frente a la sociedad para levantar sonrisas dentro del dolor, y una falsa percepción llena de poder visual y teatral.

Nunca sabes si están viendo una cuadro, una escena teatral, una fotografía o un sueño real que nos han creado a la medida del momento.

Judas besa a Jesús. Fresco de Giotto di Bondone

El italiano Giotto di Bondone, pintor y arquitecto, a principios del siglo XIV era reconocido públicamente como "el maestro más soberano de la pintura de su tiempo, que dibujaba todas sus figuras y sus posturas de acuerdo con la naturaleza" y de su "talento y excelencia".

Alrededor del año 1305, Giotto ejecutó su obra más influyente, los frescos interiores de la Capilla Scrovegni en la ciudad de Padua que en 2021 fueron declarados Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO

Vemos arriba un detalle de esos frescos de Giotto en la capilla de los Scroverianos, pintados entre 1303 y 1306, que muestra El beso de Judas a Jesús. Esta capilla de los agustinos llamada también "Capilla de la Arena" que marcaron el inicio de una revolución en la pintura mural e influyeron en la técnica, el estilo y el contenido de los frescos durante todo un siglo.

En realidad no pintó esta enorme obra él solo pues era totalmente imposible, sino ayudado por unos 40 artistas que realizaban los trabajos más de batalla, para se calcula en un año el tiempo necesario para poder tener terminada la capilla que iba a ser un oratorio encargado a Giotto por el rico banquero de Padua, Enrico Scrovegni para después convertirse en la iglesia en donde serían enterrados.

Hablamos de una Capilla en Padua, decorada por Giotto entre 1302 y 1305, que contiene aproximadamente 1.000 metros cuadrados de pintura al fresco en su interior y que abarca tanto las paredes como la bóveda de la capilla, cubriendo escenas del Antiguo y Nuevo Testamento, así como el famoso Juicio Universal en la contra fachada. Una de las obras en fresco más grandes que se conservan.

En el detalle de arriba vemos a Judas Iscariote entregando y traicionando a Jesús y maestro por treinta monedas, con la señal para hacerlo que tradicionalmente se afirma, de darle un beso delante de las tropas romanas para que supieran distinguir quien era el señalado.

Giotto consigue en este espectacular fresco transmitir el efecto de tumulto y confusión que produjo la traición. Entre multitudes con palos y antorchas al más puro estilo de las películas bélicas actuales, se sitúan los dos personajes, en el centro justo de la composición. Jesús petrificado, pero sereno, y Judas envolviéndolo con su manto para darle el beso de la traición.

Vemos también un malhumorado San Pedro (otro con aureola), que le corta la oreja a Malco con un cuchillo, uno de los criados del Sumo Sacerdote (dicen que Jesucristo se la volverá a poner después) y al fondo ya aparecen las tinieblas que describe la Biblia en este episodio de violencia y que Giotto representa con el azul lapislázuli, el pigmento de moda en aquellos siglos.

Giotto está considerado como el primer gran artista moderno, incluso mucho antes del renacimiento, como demuestra en esta escena tan maravillosamente realizada, donde el sentido tridimensional y la presencia física de los personajes son completamente inéditos para la época. Un adelantado a su tiempo que asentó las bases de la que sería la nueva pintura.

Noctámbulos o Nighthawks de Edward Hopper

Voy a comentar algo de la obra Noctámbulos o Nighthawks, del artista Edward Hopper pintada en el año 1942 al óleo sobre un lienzo de metro y medio de anchura. Una de esas obras realizadas por un pintor norteamericano y que por no existir muchos artistas de esa nacionalidad, se hizo muy famosa desde el principio, además de por su indudable calidad psicológica aunque él lo desmintiera.

En realidad es una obra nocturna de soledad, de tristeza, en donde vemos a cuatro personas que posiblemente están en el New York de los años 40, antes de que los EEUU entraran a saco en la Gran Guerra, tristes, callados, sin mirarse los unos a los otros, absortos en una cristalera como si estuvieran encerrados en una pecera a la vista de los espectadores, que por cierto, no existen.

Los únicos que miramos la pecera, perdón, la cafetería, somos nosotros. Ya los japoneses había atacado Pearl Harbor, y esa tristeza de la obra, esa incertidumbre y silencio, puede que tenga bastante que decirnos del momento que el mundo ya vive.

Todo la escena es fría, incluso los amarillos son fríos, los rojos están manchados de la luz verdusca del ambiente. Los únicos pequeños toques cálidos son los rostros de alguna de las personas. O el vestido de la mujer.

Que por cierto, dicen que el propio Edward Hopper es el que está de espaldas, y la mujer que vemos con otro hombre pero sin mirarse parece ser su esposa, retratada con el único toque de color vivo.

Puede ser verano por las ropas, pero a su vez parece ser una hora tardía pues nadie está en la calle, es el vacío más absoluto excepto por el detalle de que la cafetería tiene una gran cristalera que deja ver todo su interior.

Si miramos mejor esta obra podemos observar que no hay puertas, no existe forma de entrar o salir, o al menos no la vemos. Ni el propio camarero parece poder salir o entrar. hay que imaginarse que es capaz de moverse de allí, por las zonas que no vemos.

La obra se encuentra en el Instituto de Arte de Chicago en los EEUU.

¿Y tienen los hombres que seguir llevando el sombrero dentro del bar?

¿Y los tres clientes están tomando lo mismo, pues las tazas son idénticas?

¿Qué lleva en la mano la mujer y que mira con tanta atención?

Santiago Ramón y Cajal artista pintor

El científico y Premio Nobel español Santiago Ramón y Cajal, además de ser médico e investigador, fue un pionero de la fotografía en España y artista dibujante y pintor, una faceta menos conocida. Sobre todo la de pintor de paisajes, pues sí son muy conocidos sus apuntes dibujados de partes del cuerpo humano, para sus clases de medicina.

Esta obra paisajística la pinto en el año 1878 y nos muestra el Fuerte de Santa Elena en Biescas (Huesca), un cuadro de la colección privada de Ángel Cañadas Bernal.

Este fuerte iniciado en el siglo XVI como un lugar de defensa militar fue casi destruido en la Guerra de la Independencia y reconstruido en el año 1884  1889, es decir, este cuadro fue pintado cuando el Fuerte de Santa Elena eran restos de un lugar estratégico.

La escultura de David Shrigley, un artista visual británico y provocador

David John Shrigley es un artista visual británico que pasó de ser un mal dibujante para convertirse en un gran provocador, un artista que con pocos elementos plantea dudas y dramas, nos obliga a replantearnos la vida o a soñar con la nada y con el todo.

En su nuevo libro “¿Qué demonios estás haciendo?”, David Shrigley nos plantea sus dibujos más sencillos pero también más tiernos o duros, depende de cómo los veamos. 

Arriba os dejo una faceta suya menos conocida. La escultura en metal. En los últimos años además de escribir libros, o crear música sin dejar de montar exposiciones, sigue adentrado en el mundo surrealista al completo.

Las señoritas de Avignon o Las señoritas de Avinyó

Pablo Picasso pinta esta obra titulada "Las señoritas d'Avignon" en el año 1907 tras unos meses preparando la obra (13 meses) que iba a resultar en muchos aspectos una obra rompedora con aquellos tiempos artísticos y con todo lo establecido.

Picasso nos muestra en esta obra a cinco prostitutas barcelonesas y lo hace de un modo inédito hasta entonces: lo realiza, lo pinta por primera vez al estilo cubista, con lo que con posterioridad hemos llamado Cubismo. 

No son mujeres de la ciudad de Avignon (Francia), sino de Barcelona, de la calle Avinyó en donde se concentraban en aquellos años bastantes locales nocturnos en donde había prostitutas. De hecho al principio se llamó "El Burdel Filosófico".

No existía todavía el cubismo como una corriente artística reconocida y de alguna manera esta obra es la que da inicio a esa manera de plasmar las ideas, provocando un cambio con el realismo que había, para mostrar aquello que eran ideas realista que se convertían en conceptos, formas de expresión en donde quería introducir nuevos lenguajes expresivos en las figuras que pintaba.

Esta obra no siempre tuvo cinco mujeres, sino que comenzó con un estudiante en la posición más a la izquierda y un marinero sentado, que finalmente Picasso suprimió convirtiéndolo todo en una obra solo con figuras femeninas.

Picasso quiso mezclar en ese Cubismo que no había nacido todavía, el estilismo desfigurado de El Greco, algo de esas figuras tribales de las máscaras africanas e incluso formas que le venían de ciertas esculturas ibéricas de la antigüedad o de las formas de representación de las personas en el mundo egipcio.

En este caso en concreto, además Picasso quiso hacer una obra grande, con casi 2,5 metros de lado, para dejar claro que no era una representación a tamaño real, realista, sino totalmente imaginada. 

Picasso hizo un gran trabajo preliminar de estudio, que al menos constaba de un boceto en óleo, una acuarela y una gran cantidad de dibujos que fueron debidamente estudiados y analizados en un catálogo.

La obra se puede ver en el MoMA de New York y es una de sus obras estrella, y al que agradecemos nos permita reproducir esta obra con carácter Educativo. Abajo podemos ver una sección de la misma obra y un boceto de Picasso para esos rostros.

El Surrealismo y sus diferencias con el Dadaísmo

El Surrealismo sigue siendo una corriente artística y literaria que aunque surgió en la década de 1920 sigue viva con cambios contemporáneos pues forma parte de la expresión artística interior de los creadores.

Liderada en sus inicios por el poeta francés André Breton, quien lo definió como "automatismo psíquico puro" se fue transformando más en una corriente pictórica pero sin dejar de ser a su vez una expresión que abarcaba el Cine, la Poesía o la Literatura.

Los artistas buscan expresar el funcionamiento del pensamiento sin la intervención de la lógica o la moral, dejando que el subconsciente y los sueños guíen la creación. 

Hoy el Surrealismo posiblemente por su propia edad como movimiento artística ha ido evolucionando hacia otros movimientos artísticos que beben de sus inicios, pues es simplemente un modo de expresión que busca en el interior, con la menos influencia del artista y sus mochilas vitales.

Características principales del Surrealismo

Exploración del subconsciente: Inspirados en un principio por las teorías de Sigmund Freud, los surrealistas consideraban en un principio los sueños y el inconsciente como fuentes clave para revelar emociones, deseos reprimidos y pensamientos profundos.

Imágenes oníricas y absurdas: Las obras surrealistas suelen presentar escenas que parecen sacadas de un sueño, con elementos extraños o imposibles, como los relojes derretidos de Salvador Dalí en "La persistencia de la memoria".

Automatismo: Los artistas emplean técnicas como el dibujo automático o la escritura automática para permitir que el subconsciente fluya sin restricciones racionales. 

Juxtaposiciones inesperadas: Objetos comunes se combinan de formas sorprendentes o desconcertantes, como en "El hijo del hombre" de René Magritte, donde un hombre tiene su rostro cubierto por una manzana flotante.

Metamorfosis: Las transformaciones de objetos y figuras son frecuentes, creando una sensación de cambio constante y fluidez. Nada es constante, todo puede imaginarse de otra forma, en otra situación que no parece la habitual.

Objetivos del movimiento

El Surrealismo buscaba en sus inicios desafiar las normas tradicionales de arte y sociedad, proponiendo una nueva forma de entender la realidad a través de lo irracional y lo fantástico. 

Los surrealistas querían revolucionar la experiencia humana, equilibrando el mundo racional con el poder de los sueños y lo inesperado. Hy en día la abstracción se mezcla a veces con el surrealismo, creando modelos artísticos de complicada adscripción artística.

Aunque el Surrealismo comenzó como un movimiento artístico y literario, el Surrealismo influyó en múltiples disciplinas como el cine, la fotografía y la escultura. Hoy en día lo hace más levemente en la literatura y el cine, pero en cambio en la fotografía ha encontrado un modelo de expresión fabuloso.

Artistas destacados en sus inicios incluyen a Salvador Dalí, René Magritte, Joan Miró, Max Ernst y Frida Kahlo. Su enfoque en lo inconsciente sigue siendo relevante en el arte contemporáneo. 

Y si nos centramos en la fotografía y el uso del surrealismo que se adscribe a ella, podemos decir que en la actualidad, varios fotógrafos y artistas visuales continúan explorando el Surrealismo a través de técnicas modernas como la fotografía digital, el collage y la manipulación de imágenes. 

Algunos de los nombres más destacados que se podrían considerar surrealistas son:

Seb Janiak

Este fotógrafo combina fotografía y manipulación digital para crear composiciones cargadas de simbolismo celestial y metafísico. Sus obras fusionan realidad e imaginación, transportando al espectador a dimensiones oníricas y otras realidades.

Michael Vincent Manalo

Conocido por sus escenas distópicas y surrealistas, Manalo utiliza la fotografía y la edición para construir mundos que parecen sacados de sueños o pesadillas. Sus obras suelen tener un aire melancólico y misterioso.

Viviane Sassen

Fotógrafa holandesa que emplea sombras, colores vibrantes y composiciones desorientadoras para crear imágenes que parecen salidas del subconsciente. Su trabajo explora temas como la identidad y el espacio, utilizando técnicas surrealistas como el fotomontaje.

Alexandra Gallagher

Artista multidisciplinaria británica que combina fotografía, collage y pintura para explorar temas como el feminismo, la identidad y los sueños. Su obra está impregnada de simbolismo y busca generar una conexión emocional e intelectual con el espectador.

Julie Curtiss

Aunque principalmente pintora, Curtiss también utiliza elementos surrealistas en su obra visual, explorando temas relacionados con los arquetipos femeninos mediante composiciones fragmentadas y ambiguas. Su estilo mezcla humor, oscuridad y lo inesperado.

Chema Madoz

Es uno de los fotógrafos españoles más reconocidos en el ámbito del Surrealismo. Su estilo se caracteriza por transformar objetos cotidianos en metáforas visuales sorprendentes, invitando al espectador a reflexionar sobre la realidad. Obras como El libro y El espejo son ejemplos de su habilidad para crear imágenes poéticas y simbólicas.

Jorge Rueda

Considerado el padre del Surrealismo fotográfico español, Rueda fue conocido por su uso del fotomontaje y su actitud provocadora. Su obra combina humor agrio, ironía y denuncia, desafiando los estándares establecidos en la fotografía tradicional.

Miguel Vallinas

Aunque no tan ampliamente reconocido como Madoz o Rueda, Vallinas ha expuesto su obra surrealista contemporánea en galerías como la Tamara Kreisler de Madrid. Su trabajo se inspira en maestros del Surrealismo como Dalí y Miró, explorando el instante preciso en que la realidad y la imaginación se entrelazan.

Técnicas comunes en el Surrealismo fotográfico actual

Manipulación digital: Uso de herramientas modernas como Photoshop para crear escenas imposibles o alterar la realidad.

Collage: Integración de elementos dispares en una misma composición para generar contrastes sorprendentes.

Simbolismo: Incorporación de objetos cotidianos en contextos inesperados para provocar una reacción emocional o intelectual.

Estos fotógrafos actuales mantienen vivo el espíritu del Surrealismo al reinterpretar sus principios clásicos con las herramientas y sensibilidades del siglo XXI.

El Surrealismo es una invitación a explorar lo desconocido, a romper con lo lógico y a dejarse llevar por la imaginación. Podría describirse como un arte que convierte los sueños en imágenes y las ideas más extrañas en belleza visual. Y ahora me atrevo a acercarme ligeramente al Dadaísmo como un movimiento artístico que se mueve ligeramente en paralelo al Surrealismo.

El Surrealismo y el Dadaísmo son movimientos artísticos y literarios de vanguardia que surgieron en el siglo XX, pero tienen diferencias fundamentales en su origen, enfoque y objetivos. A continuación, se presentan las principales diferencias entre ambos:

El Surrealismo se centra en la exploración del subconsciente y los sueños para crear arte que trascienda lo racional.

El Dadaísmo es una protesta contra las normas establecidas, utilizando el absurdo como herramienta para subvertir el arte tradicional.

Ambos movimientos comparten su carácter revolucionario en cuanto a expresiones claras y diferentes, pero mientras el Surrealismo busca construir nuevas formas de expresión desde lo irracional, el Dadaísmo se enfoca en destruir las convenciones existentes, las formas de entender el momento actual.

Encorchado de la Virgen de Guadalupe en México

La imagen religiosa más famosa de México como nación es la Virgen de Guadalupe, y esta que vemos arriba es una nuestra de arte colonial español, está realizada con fragmentos incrustados de concha que la convierten en un ejemplo diferente de imágenes religiosas españolas.

Inspirado por las artes decorativas de Asia, esta técnica especial fue inventado en México y es conocida como enconchado.

Durante todo el período colonial hubo una afluencia significativa de productos asiáticos a México a través de los legendarios galeones de Manila que conectaban desde el Este hacia el Oeste.

Las embajadas de Japón de 1610 y 1614 a México y otros países cercanos también contribuyeron a la moda de los objetos de inspiración asiática. La obra mide 95 x 124 centímetros y se realizó en el año 1698.

Este cuadro de la Virgen de Guadalupe fue realizado por Miguel González y representa a la Virgen colocada encima de un águila posada sobre un nopal, el legendario escudo de armas de la Ciudad de México y está rodeada por cuatro medallones que representan sus tres apariciones al indio Juan Diego en 1531, y el momento en que Juan Diego dio a conocer su imagen impresa en la túnica, antes del obispo Juan de Zumárraga.

El marco de la obra combina motivos florales con los símbolos de la letanía de la Virgen. Un excelente trabajo de marquetería no con madera sino con conchas.

La salida de la habitación verde no estaba nada clara

Escapaba. Huía con su bolsa hacia ningún lugar, buscando un espacio más tranquilo.

Necesitaba unos espacios con más luz, con menos sombras.

Pero las puertas estaban rotas, eran inadecuadas para escapar por ellas.

Tenía excesivas dudas.

Nunca quiso volverse para ver qué dejaba atrás.

Ya no la volvimos a ver más, pues finalmente logró salir.

James Ensor y su obra La entrada de Cristo a Bruselas

James Ensor fue un artista belga (familia inglesa) que en sus inicios se convirtió en un excelente grabador surrealista para terminar su carrera artística olvidándose del grabado y dedicándose solo como pintor.

Entre 1886 y 1905 Ensor fue un prolífico grabador que ejecutó 134 grabados. Dejó escrito: "Le temo a la fragilidad de la pintura. Quiero sobrevivir y pienso en planchas de cobre macizo, en tintas inalterables de impresión precisa y estoy adoptando el aguafuerte como medio de expresión".

Muchos de esos grabados (aguafuertes sobre todo) los coloreó a mano varios años más tarde, volviendolos obras únicas. La serie de los "Siete pecados capitales" es un ejemplo. Muchos de esos grabados los usó como base o boceto para pinturas posteriores.

Su cuadro más conocido es "La entrada de Cristo a Bruselas" pintado en el año 1888, considerado una de las primeras obras del expresionismo. Actualmente esta obra se conserve en el Museo Getty de Los Ángeles en EEUU.

Arriba vemos un grabado y abajo su cuadro más famoso.

El cuadro mejor de la Historia del Arte

Esta es posiblemente la obra de Arte más espléndida de la Historia del Arte pictórico mundial. Pero la vemos cerrada. Lo importante está detrás de esas puertas de madera.

Para muchas personas que conozcan algo de Arte les resultará fácil adivinar de qué obra estoy hablando. Efectivamente es… un tríptico que está en el Museo del Prado.

No queda claro si el autor la comenzó a pintar en el siglo XV o en el XVI. De momento hay dudas según autores. No sabemos bien si es una obra de un pintor joven o de un pintor ya más maduro.

Es fabulosa. Quien la observa lo nota enseguida. No es posible estar unos segundos delante de ella, se requiere algo más de tiempo. Si se puede, pues a veces hay tanta gente a su alrededor que resulta complicado pararse.

No es una adivinanza, es una invitación a conocerla de cerca, a disfrutarla en Madrid. Maravillosa.

Los suelos de La Seo de Zaragoza

Hablábamos ayer del Retablo de la Catedral La Seo de Zaragoza. Ahora os muestro un detalle que a veces pasa desapercibido, por lo que sin duda la visita hay que hacer la visita con al menos una audio guía.

El suelo interior de La Seo de Zaragoza recrea en el mismo lo que hay en los techos, imaginando que es un suelo tan brillante y pulido (que lo es) que se reflejan los techos y sus figuras y formas.

Cuando se construyó se podría haber optado por lo fácil, un suelo de mármol más o menos liso, pero se trabajó tanto el edificio, para dotarlo de una calidad artística excepcional, que se copiaron en el suelo todos los elementos del techo. Como si fuera una marquetería de mármol.

Retablo mayor de La Seo de Zaragoza

Hablemos del retablo mayor de La Seo de Zaragoza, una joya única y que no siempre se visita cuando se viene a Zaragoza. Es una de las estancias más importantes de la ciudad, pero por diversos motivos es poco visitada, entre los que se encuentra el de tener que pagar entrada, no muy cara.

El retablo mayor de la Catedral del Salvador de Zaragoza se encuentra en la Capilla Mayor o Presbiterio de la Seo. Fue tallado entre 1434 y 1480 en dos fases, la primera a cargo de Pere Johan (de cuya obra se conservan sotabanco y banco, un tarraconense que hizo muchas obras para la Corona de Aragón y para Zaragoza) y, a partir de 1467, por Hans de Suabia (un alemán también llamado Hans Peter Danzer), que se ocupó de las escenas centrales.

También trabajaron en los pináculos Francisco Gomar (un holandés calvinista) y en el remate de las figuras del guardapolvo y acabando el retablo, el aragonés Gil Morlanes el Viejo (de Daroca y que también hizo la portada de Santa Engracia).

Se la considera al retablo una de las obras más logradas del arte gótico europeo y la joya más preciada de la catedral. Sus dimensiones son 16 × 10 metros. Se recomienda realizar la visita con guía pues muchos detalles se escapan a la mirada rápida, bien sea guía personal o audio guía.

Los niños en el Arte siempre tiene la razón

Hoy os traigo un dibujo infantil, tiene como mínimo 35 años, pero no sé quien lo hizo. Soy yo, sí. Lo hizo uno de mis dos hijos pero ellos no lo recuerdan. 

No solo de Goya vive el ser humano. Los niños son siempre unos genios a la hora de entender lo que ven. Y ya sabemos que con los años no mejoran, que pierden por transformación parte de sus habilidades artísticas. 

Algunos las recuperan en la edad adulta y se convierten en genios, como Miró o Miquel Barceló. Pero son los menos.

Hablamos de piedras, Literatura y Arte

Hay ilustraciones que no deben perderse, que debemos repartir, republicar, dar a conocer por su belleza, por lo que suponen de romper con lo establecido.

Arriba vemos la doble página del libro infantil y juvenil 'Piedra a piedra', del ilustrador y artista aragonés Isidro Ferrer, editado por Abuenpaso.

Otra vez es imposible comentar nada. Es de una belleza tan simple, tan maravillosa, tan suave hablando de piedras, que con verla, mirarla, ya es suficiente.

La Tate devuelve Eneas y su familia huyen de Troya de Henry Gibbs

El cuadro "Eneas y su familia huyen de Troya en llamas" de Henry Gibbs pintado en 1654 con 25 años de edad y propiedad de la Tate londinense por compra, será devuelto a un coleccionista de arte, belga y judío, Samuel Hartveld, al que saquearon los nazis en la II Guerra Mundial en la ciudad de Amberes.

Este cuadro fue comprado por la Tate en 1994 a una Galería de Bruselas sin saber que era una obra saqueada por los alemanes. Representa la historia mitológica de Eneas, el héroe troyano que escapa con su familia del asedio griego a Troya.

El País y Miquel Barceló. Mano a mano

Hablar de Miquel Barceló es (intentar) hacerlo del mejor exponente actual de arte español internacional. Da igual si vive en Francia, Australia o Mallorca. Es un trabajador del Arte y por eso es un Genio del Arte Actual.

Esta imagen que vemos es la que ha realizado en 2025 para los Premios Ortega y Gasset que entrega el diario El País todos los años. 

La ha titulado "Mondongo" y es una obra que intenta englobar un exceso de item que nos van machacando a todos. Veamos una pregunta que le hace El País a Barceló en la presentación de su obra:

P. Entre lo moderno y lo arcaico, ¿dónde colocamos a Barceló?

R. Es que lo arcaico es lo más moderno. Muchas veces he tenido la sensación de que hacía una carrera fulgurante hacia atrás. Es una elección, también una intuición. Las cosas más radicalmente modernas son cosas que están ahí antes de que seamos capaces de decirlas. Me interesa poco lo que se puede decir. Si se puede decir no hace falta pintarlo.

Bandera de Sangre, México en la Tate Modern

La mexicana Teresa Margolles es una artista conceptual, fotógrafa, camarógrafa y artista de performance en México. Como artista, investiga las causas y consecuencias sociales de la muerte, de las violencias, de las guerras declaradas o no.

Esta pieza denominada "Bandera" tiene una apariencia aparentemente inocente. En su superficie, es solo una bandera sucia colgando flácidamente de un poste. Sin embargo, esta es otra obra de arte que es de naturaleza altamente política.

La suciedad de la bandera proviene de la sangre encontrada en cadáveres de varios lugares al aire libre, a lo largo de la frontera norte de México, de las propias morgues, de donde recoge la sangre que transforma en experiencias sensoriales que provocan una sensación de memoria en la audiencia.

Nos habla directamente de la angustia emocional prolongada y las consecuencias sociales que ocurren como producto de la muerte por asesinato. Mientras trabaja en torno al tema del cuerpo, su trabajo se extiende a las familias de las víctimas, los cuerpos vivos restantes que atestiguan la muerte de un ser querido.

En el caso de la Ciudad de México, observa que la mayoría de las víctimas pertenecen a las clases pobres. "Mirando a los muertos, ves la sociedad". Esta bandera se pudo ver en la Tate Modern de Londres en el año 2009.

Le petit bar du camp. Otto Wols

Esta obra de un tamaño similar a un A4 es una acuarela y tinta sobre papel realizada por el artista alemán Vente Otto Wols (Otto Wols) que desde la abstracción surrealista hizo un gran trabajo inconcluso pues murió muy joven. Casi siempre realizó unas obras en formatos pequeños con tinta china y acuarela.

En 1935 se niega a hacer el servicio militar lo que le vale tres meses de cárcel. Su primera exposición personal se organiza en 1936. En 1937 es cuando toma el seudónimo de Wols. Al año siguiente el artista decide hacer de su vida una obra de arte total, relacionando el arte, la ciencia, la filosofía con la vida que lleva.

Es amigo de Jean-Paul Sartre, de Jean Paulhan, de Merleau-Ponty y durante la II guerra mundial, por ser emigrado alemán en Francia le internan en un campo civil entre septiembre 1939 y la Navidad de 1940. De allí sale aniquilado y se hunde en una depresión de la cual no saldría ya nunca.

La obra que vemos la tituló: El pequeño bar del Campo (Le petit bar du camp) pintada en 1940, y refleja el bar del campo de concentración en el que estaba internado en aquel año de 1940.

Goya y una niña de Zaragoza en la guerra

Si Goya fue el último gran maestro antiguo o el primer genio moderno es un dilema espurio: no se situó en la frontera entre dos épocas; él mismo era la frontera. Antaño fue celebrado por sus despreocupadas decoraciones de los palacios reales y sus grandiosos retratos. Pero Goya cambió y fue mucho más.

El Goya más admirado en la actualidad es el que abrió la modernidad social y, por primera vez, liberó los demonios internos del alma humana y los horrores de la guerra. No sabemos bien si Goya fue el último gran maestro antiguo o el primer genio de la edad moderna en la pintura, pues él mismo era la frontera.

La obra que vemos, La Aguadora, lleva la marca de ambas maneras de ser de Goya. A primera vista, parece un simple cuadro rústico de género: una joven zaragozana, encantadora, lleva agua y comida a alguien.

Pero cuando se pintó este cuadro, España ya había sido saqueada por las tropas de Napoleón. Es guerra lo que vemos aquí: el agua es necesaria para los héroes anónimos de Zaragoza, que detuvieron a los invasores prácticamente con sus manos desnudas. No es el sufrimiento lo que domina pero Goya utiliza la figura de la niña para poner en valor mucho más que los disparos o los heridos, nos habla de la Intendencia, ese trabajo heroico, obstinado y cotidiano de un pueblo que busca cambiar el mundo.

Goya, Aragón y José de Cistué y Coll

El Gobierno de Aragón adquirió en año este 2025 un retrato de cuerpo entero de José de Cistué y Coll pintado por Francisco de Goya, que formó parte del patrimonio de la antigua Universidad Sertoriana. Ha estado en Huesca y ahora se muestra en la Colección Goya que está en el Palacio de la Aljafería con la obra de Goya propiedad del Gobierno de Aragón, aunque es previsible y lógico que vuelva a Huesca.

Es un óleo sobre lienzo pintado por Francisco de Goya y Lucientes en 1788, con unas dimensiones de 210 x 140 centímetros, mostrando a tamaño real a José de Cistué y Coll, segundo barón de la Menglana nacido en Estadilla (Huesca), en el año 1725 y que estudió Filosofía en la Universidad de Zaragoza, y Jurisprudencia civil y canónica en la Universidad Sertoriana de Huesca.

Allí en Huesca pasó catorce años como colegial en el Colegio Mayor de San Vicente Mártir, del que fue rector, recibió los grados de bachiller en Leyes (1745) y Cánones (1746) y ocupó diversas cátedras. Desarrolló su carrera de magistrado en América y en 1787 fue nombrado fiscal del Consejo y Cámara de Indias en Madrid, cargo que ocupó hasta su jubilación en 1802. 

En América fue Fiscal de Quito y de Guatemala, alcalde del Crimen de México (los Alcaldes del Crimen eran letrados que integraban las salas del crimen), oidor de México, fiscal del Consejo de Indias (Perú) y cámara del Consejo de Indias. Noble de Aragón desde el 15 de febrero de 1767 y señor de las casas solariegas de Estadilla, Fonz y Monzón