Apalean los del pueblo del rebuzno a Don Quijote y a Sancho por haber rebuznado este

El pintor Francisco de Goya y el impresor Joaquín Ibarra, ambos aragoneses, estuvieron a punto de unir sus caminos artísticos en una obra excepcional, la edición de El Quijote impulsada en 1780 desde la Real Academia Española, en donde Francisco de Goya debería haber sacado un grabado suyo, realizado pero nunca impreso en aquella edición de Don Quijote.

Aquella nueva impresión del Quijote intentaba competir con el que imprimieron J. y R. Tomson en Inglaterra en 1738 ilustrado por Vanderbank, el mejor Quijote publicado hasta el momento.

Del grabado realizado por José Joaquín Fabregat se conocía alguna impresión fuera del libro, pero hasta el año 2021 no se encontró la plancha que se encontraba en el archivo de la Real Academia de San Fernando junto a miles de ejemplares diversos de grabados antiguos.

En el año 1777 se quiso hacer una nueva edición del Quijote, lo más fiel al libro original y se encargaron diversos grabados, en total 31, para ilustrarlos, de los que finalmente un total de tres se descartaron, y entre ellos estaba este de Goya. 

El motivo parece ser una decisión de la maquetación final del libro, pues solo se publicaron dibujos de capítulos alternos. Goya era en ese momento un artista joven con 32 años y todavía no muy conocido, lo que también tendría su importancia para ser descartado.

Francisco de Goya tituló este grabado con el nombre largo de: "Apalean los del pueblo del rebuzno a Don Quijote y a Sancho por haber rebuznado este" aunque en algunos lugares figura con el nombre corto de: "La aventura del rebuzno".

Evolucionamos, pero no cambiamos. Carlos García Lahoz

Esta frase del escultor zaragozana Carlos García Lahoz nos habla de lo que somos y de nuestras posibilidades de cambiar o de adaptarnos. Es muy sencilla, concreta, corta, pero creo que acierta en algo esencial. Podemos evolucionar, pero no podemos cambiar el fondo de lo que ya somos.

Por eso es fundamental intentar evolucionar a mejor, pues hay posibilidades de evolucionar a peor. Y en ambos casos, como no podemos cambiar en el fondo de lo que somos, tendremos que soportarnos, sufrirnos con la forma en la que hemos evolucionado.

Nos podemos preguntar qué tiene que ver todo esto con el Arte, en realidad todo tiene que ver con el Arte, asumiendo a la vez que nada es Arte y todo es Arte. Que eso depende de nuestra manera de ver y de querer entender o desatender.

María Torres-Solanot y una familia de Bolivia

Dentro del proyecto Opercameras que documentó la vida de niños y adolescentes en peligro de exclusión en Bolivia, la fotógrafa María Torres-Solanot, fotoperiodista zaragozana que ha trabajado por medio mundo realizando reportajes de sociedades minoritarias y muy diferentes a la nuestra, nos mostró esta imagen de una familia de Bolivia en un cementerio, en donde acudían a visitar a sus familiares y a quedarse un tiempo en esas visitas.

Es necesario el trabajo de lxs fotógrafos que acuden a otras latitudes a mostrarnos las diferencias, para que así entendamos nuestras propias vidas, sus valores y aprendamos también a respetar las diferencias de todos los demás. 

Nadie es igual a nadie, nadie es más feliz por ser diferente, y dentro de las integraciones, debemos respetar, aprender y ayudar.

Mujer Nubia, de Josep Tapiró Baró

Esta acuarela fue pintada en el año 1891 por el artista catalán Josep Tapiró Baró, un pintor de Reus conocido por sus retratos orientalistas, influido por la forma de trabajar de Mariano Fortuny, ambos de Reus y que vivieron en los mismo años.

Se marchó a Marruecos en donde realizó una gran cantidad de trabajos etnográficos de personas de esa zona, con gran detalle de vestimentas y adornos. También trabajó en acuarela siempre, escenas de la vida cotidiana de Marruecos o de otras zonas de África.

La obra que vemos arriba la tituló: "Mujer Nubia" reflejando que era una mujer de la zona alta de Egipto.

El progreso es una ilusión, un deseo o una realidad?

René Magritte, ese enigmático pintor surrealista francés que pintaba lo que soñaba aunque estuviera despierto, nos legó una profunda reflexión sobre el concepto de progreso: "El progreso es una idea descabellada. Es una idea loca". Esta afirmación, a primera vista desconcertante, invita a una profunda reflexión sobre el sentido de nuestro avance como sociedad.

El pintor belga vinculaba el progreso a la búsqueda incesante de un "bien absoluto", una meta inalcanzable que justifica cualquier medio. 

Sin embargo, esta búsqueda constante puede generar paradojas: ¿El progreso, al ser sinónimo de cambio constante, nos aleja de la estabilidad y la felicidad? ¿No estaremos condenados a una eterna insatisfacción, siempre deseando lo que aún no tenemos? ¿El progreso es malo? ¿El conservadurismo es bueno? Cuando ya has obtenido el progreso que deseas… ¿debes optar por ser conservador para no perder lo conseguido?

El conservadurismo como contrapunto

Ante esta visión pesimista del progreso, surge la figura del conservador. Aquel que, ante los embates del cambio, prefiere aferrarse a lo conocido y probado. Pero, ¿es el conservadurismo la única alternativa al progreso desenfrenado? ¿No existe un punto medio entre la rigidez y la inestabilidad?

La libertad como equilibrio

Magritte, en su célebre aforismo "La libertad es la posibilidad de ser y no la obligación de ser", nos ofrece una salida a este dilema. La verdadera libertad no reside en la imposición de un modelo de progreso, ni en la defensa férrea de lo establecido, sino en la capacidad de elegir nuestro propio camino.

Reflexiones para finalizar

La pregunta sobre el progreso es una cuestión que ha inquietado a filósofos y pensadores desde tiempos inmemoriales. ¿Estamos realmente avanzando hacia un futuro mejor? ¿O estamos simplemente girando en círculos, persiguiendo una quimera? ¿Avanzamos y retrocedemos en unas figuras circulares eternas, constantes? 

Nada es eterno, no es posible tampoco estar siempre progresando si eso significa cambiando, avanzando hacia otro lado. Si nos movemos constantemente, nunca obtendremos lo bueno durante mucho tiempo, pues una vez obtenido como no nos paramos en seguir progresando, se cambiará lo conseguido e iremos hacia otro lado.

Quizás la respuesta esté en encontrar un equilibrio entre el deseo de progreso y la necesidad de preservar aquello que nos hace humanos, felices, mejores. Un equilibrio que nos permita avanzar sin perder de vista nuestros valores y nuestra identidad.

El despertar de la conciencia de Gao Xingjian

Esta obra titulada "Impulsos" también llamado "El despertar de la conciencia" está en Los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica (MRBAB) y realizada en el año 2014 en tinta china sobre lienzo por el artista Gao Xingjian, escritor y poeta, Premio Nobel de Literatura en el año 2000 y además pintor.

Desde 1987 reside en Francia aunque sigue escribiendo en chino, tanto novelas como teatro. En sus obras pictóricas usa casi siempre la tinta china como elemento de trabajo.

Os dejo una frases suya en una entrevista para el diario Le Monde: Hay que saber emplear la libertad. Si se utiliza a cambio de otra cosa, desaparece.

Cristo en Bruselas. Original

Este Cristo lo vi en la ciudad de Bruselas y figuraba como firmado por Belponte o Belporte. Pero no he logrado ninguna referencia de él. Me pareció interesante por su técnica de construcción, por su representación moderna y original. Pero no sé nada más del artista. Para otra vez será. 

Cerámica moche del Perú precolombino

Esta cerámica nos muestra a una mujer Moche o Mochica, de Perú llevando a sus espaldas unos bultos de carga de los que no sabemos bien qué eran. Alimentos, ropas, grano, etc. 

Esos fardos que portaban a la espaldas, iban agarrados con unas tiras de cuero que se cruzaban por el cuerpo y la cabeza para soportar el peso, pues a veces recorrían grandes distancias con ellos. Esta cerámica está realizada entre los años 100 a 400 de nuestra era.

Un árbol aragonés con rasmia histórica

Dos mil años, varias guerras, sequías y remojadas, mociones y sucesiones la contemplan.

Fueros, constituciones, pronunciamientos y trincheras. 

Y nunca tan distinguida y viva como acariciada por Rosa.

Formó parte de la continuidad de árboles por los que podía saltar una ardilla entre Canfranc y Gibraltar. 

Hoy molesta y empaña la perspectiva, convertida en el cercado mineral de los nuevos gigantes y molinos.

A Aragón que la ha santificado, parece molestarle.

Que la conviertan en el Coro de la Seo o en un laúd que baje el vino de Marcial hasta Tarraco.

 Que la boten de allí por faltarle interés general. 

Que cualquier vector de cobre le sea preferente.

Nota.: La autora es Rosa Anía

Joven caballero con frac azul, de Francisco de Goya

Esta pequeña obra titulada "Joven caballero con frac azul" fue pintada por Francisco de Goya en el año 1803, y es muy curiosa por su tamaño y por lo poco conocida que es. Está su firma en la zona inferior del cuadro. 

El retrato en miniatura de ‘Joven caballero con frac azul’ y puede apreciarse su firma en la parte inferior derecha, sobre el hombro izquierdo del personaje retratado. 

Se trata de una obra inédita y con una técnica y soporte poco frecuentes dentro de la actividad de Goya como retratista: pintado a guache sobre lámina de marfil. 

La identidad del caballero se desconoce puesto que no aparece ningún tipo de información en el reverso. Es propiedad de la Fundación Ibercaja.

Cementerio inglés en el centro de una ciudad

Hay espacios urbanos curiosos, dentro de las mismas ciudades, de sus centros urbanos. Espacios para el recogimiento como algunos cementerios repartidos por diversas ciudades grandes de Europa. En España no, los hubo históricamente, pegados a las iglesias de barrio de nuestras ciudades, peo o han quedado debajo de tierra o se levantaron y se trasladaros los restos.

Pero en otros países se han ido conservando y nos asombran. En España fue igual hasta no hace tantos siglos, pero ahora ya no los vemos cerca. En la Europa católica, a los muertos se les aleja, a ellos y a sus recuerdos.

Historia de una vieja puerta negra de bodega

Nunca me han gustado las puertas, ni las de entrar ni las de salir. Esta puerta me es muy familiar.

Todas esconden dentro muchos secretos imposibles, muchas sombras y dudas. 

Pero nos tendemos a ir acostumbrando a todo lo complejo, para ir sobreviviendo. 

Esta puerta es de enjundia, con una llave muy grande y antigua que sobre todo sirve para abrir, pues cerrar lo hace sin tantos espavientos. 

Su vieja gatera está ya tapada pues se dejó de tener felino antes incluso de tener perro pastor.

Contrasta el color terroso de la parte inferior contaminada de los barros del suelo y los tonos negros de las partes superiores, con señales de muertos que escapaban por las rendijas de lo alto.

Es una puerta llena de historia y de olores. Una señora puerta de una señora dueña.

Las nubes negras naturales que no sueltan lágrimas

Me gustan las pelea entre fuerzas iguales, entre nubes negras que aparecen desde abajo contra nubes blancas y suaves que van avanzando desde arriba. Es como un deporte natural.

Las unas amenazan con sus tonos oscuros con devorar a las débiles a poco que sean capaz de subir un poco de altura, pero las negras no son nunca capaces de izar el vuelo, tienden siempre a caer hacia el suelo más frío. 

Las blancas, aprovechando los últimos gritos solares van creciendo e intentar envolver las masas negras, pero si se acercan a ellas son devoradas y convertidas también en grises oscuros.

Al final, es la noche quien se apodera de ambos formaciones y las hace desaparecer a nuestras visiones. Nunca gana ninguna de las dos, siempre lo hace el cielo que cambia del azul intenso al apagado negro marengo.

Escaleras que ayudan a descansar a pescadores

Son escaleras oxidadas sobre el en agua del mar,  cruzadas o interrumpidas, desgastadas de subir hacia nunca no se sabe donde, de bajar siempre a los mismos húmedos lugares. 

Escaleras de piedra que aguantan los golpes de las tempestades ganando color verdoso del agua del puerto.  

Normalmente sirven para bajar a los barcos, pero tras la labor, ayudan de vuelta a reencontrarse con la vida calmada del hogar, de la comodidad hogareña. 

Son los primeros pasos que se encuentran los pescadores que vuelven.

La ventana inoportuna y cerrada excesivamente baja

Esta ventana nos engaña. Está en el suelo. Tuve que agacharme para verla bien, su altura sobre el suelo resultaba incómoda, y tal vez por ello los polvos y lodos se mezclaban con algunas hojas de hierbabuena. 

Era una ventana sobre otra ventana que tapaba otra ventana. 

Y todas para no asomarse, para tal vez ventilar los interiores, para dar luz si alguien se viera obligado a abrirlas de cuando en cuando, por si te ocurre necesitar aire fresco.

Era una ventana casi inoportuna, que tendría su sentido en otras lunas. Hoy no la entendí al descubrirla.

¿Qué recordarán de nuestra ciudad dentro de 8 siglos?

Me gusta contemplar el arte antiguo, el que hicieron personas que nunca hemos conocido, profesionales mudéjares como el que tuvo que hacer este mosaico del que no sabemos nada. 

No sabemos donde nació, en qué barrio vivía, qué edad tenía, qué pensaba o comía mientras descansaba de su trabajo. Es imposible incluso sospechar nada sobre él.

Nos ha quedado su trabajo, del que él nunca sospechó que aguantaría tantos siglos hasta que tú y yo, lo pudiéramos contemplar desde cualquier lugar del mundo.

¿Es posible saber qué existirá de tu ciudad actual dentro de 8 siglos?, no, no se sabe, depende de muchos factores imposibles de controlar. 

Incluso es posible que lo que estés haciendo ahora, sea lo que quede y nadie lo sepa. Cosas del destino.

¿Toda provocación visual es Arte?

Pocos artistas juegan tanto con los espectadores, con el Arte, con todo el mundo artístico en general como el italiano Maurizio Cattelan. Es famoso en los últimos años por su plátano pegado en una pared con cinta gris de la llamada cinta americana.

Esto que vemos y titulado "Sin título" y realizado en el año 2007 son cinco caballos disecados, colgados de una pared, con la cabeza empotrada en dicha pared, que se puede ver si das la vuelta a la sala y te acercas a la habitación del otro lado.

No sabemos bien si esto es Arte, si es Art Brut, si es un montaje para quedarse con los espectadores y para vacilarnos, si resulta agradable o muy desagradable.

El Arte nos hace muchas veces dudar de qué estamos contemplando. De calificar o de adjetivar. De sorprendernos o de criticar no por que nos guste o no, sino a veces por el intento de querer engañar. 

Hay humor, ganas de hacer bufonadas, hacer un surrealismo casi imposible. Incluso a veces un surrealismo con el que se queda con todos los que no queremos entenderlo y sin duda un surrealismo provocador, lo cual es un activo en toda su obra.

Ander Gómez Miranda y su Memento mori

Esta obra de Ander Gómez Miranda del año 2013 nos recuerda que todos vamos a morir. La titula "Memento mori" realizada en en el año 2013 en un tamaño algo más grande que un A4, hecha al óleo sobre lienzo. 

Este joven artista vasco explora miradas que hace suyas, para intentar explicar sus pensamientos críticos sobre diversos temas.

Teoría para asumir lo complejo de crear Arte desde la nada

Los creadores, sean del tipo que sean: pintores, escultores, escritores, arquitectos o músicos, actores o provocadores, deben precisamente eso: motivar, mover nuestros interiores, provocar sentimientos o sensaciones, crear opiniones y juicios, mover conceptos y auparlos para avanzar. 

Provocar sensaciones en los actores que simplemente miran, leen, observan, escuchan. 

Quien crea algo desde la nada, debe saber que está explorando algo nuevo, pues quien copia no es un artista sino un artesano.

Un creador debe asumir que su obra irá (o no) a la basura, pero que es posible que antes de eso, ha logrado crear sensaciones que la salven del fuego, del abandono, del olvido. O al menos debe intentarlo.

Crear es construir, afrontar la opinión de los demás pero no asumirla, para que no nos censure en nuestra constante libertad creativa. 

Crear es sobre todo estar seguro de uno mismo y seguir explorando en busca de nuestra verdad. Si además convence la obra a alguien, miel sobre hojuelas.

No es sencillo ser creador de lo que sea, pues lo normal es hundirse en la desesperanza, no lograr los objetivos, asumir que tus planteamientos no sirven. 

Pero la desesperanza no nos debe vencer, hay que seguir explorando y construyendo.

Crear no es sencillo. Que te lo asuman, que admitan tu obra, es casi imposible. Muy pocos lo consiguen.

La obra que vemos arriba es del aragonés Pablo Serrano.

Un simple mensaje envuelto en delicadeza contundente

Es un simple mensaje pero envuelto en luz, en delicadeza, en ganas de impresionar, en originalidad, en deseos de llamar la atención para que nos resulta más complicado no aceptarlo, es un mensaje envuelto en ARTE. 

El ARTE no tiene que ser siempre un cuadro de Goya o de Miró, una obra que haya costado semanas de trabajo, pues las ideas ahora funcionan mucho más rápido que antes y las nuevas técnicas nos facilitan su creación y convertirlas en forma. 

Pero si algo te impacta, sin duda, estarás viendo algo que se acerca al arte.

Este cartel es del artista visual británico David Shrigley.

Egipto. Religión y militares. Agitado pero no revuelto

Esta imagen de Egipto resume todo lo que supone para el ser humano la mezcla de religión y militarismo, de guerras y violencia unidas a componentes religiosos, aunque sea del año 2013.

Las mujeres tienen que ir tapadas hasta los ojos, creyendo además que es positivo para ellas mismas, mientras los hombres se visten de negro con armas o de color caqui pero siempre con armas modernas, para reprimir a los maridos de estas mujeres que reclaman no saben bien qué, pues hay una mezcla complicada de aglutinar, con religión sectaria, con discriminación hacia la mujer, desempleo y pobreza. 

De la imagen sobran las mujeres tapadas, los policías de negro y los soldados y tanques. Se salva el asfalto y la valla con los árboles.

Agitado pero no revuelto para que entre aire y soplos frescos, que bien se necesitan entre tanto fanatismo de distintos colores en la ropa.

Egipto negro se llena de sangre roja

Tras cualquier derrota guerrera, viene el dolor y la pena, la grisura social y el dolor, la muerte y la sangre seca. 

Era Egipto en el verano del 2013. Tras la noche del 14 de agosto en donde murieron más de 500 personas y casi 4.000 resultaron heridos. 

No sabíamos en el año 2013, en qué acabaría todo, pero sí supimos como corría la sangre por las calles. La fotografía es muy buena periodista.

Hoy, en 2024, sabemos qué fue sucediendo, qué sigue sucediendo en toda aquella zona del planeta. No somos capaces de aprender. 

Una mujer vasca de hace casi 500 años

A veces me conformo con publicar algunas muestras de obras de distintos artistas, de diferentes épocas, sin añadir muchos más detalles. No siempre consigo con facilidad datos suficientes, e investigar sobre algunas obras no es sencillo y lleva un tiempo del que no siempre dispongo.

Este grabado en madera e impreso nos muestra a una mujer cántabra o vizcaína a la que se reconoce como "bilbaína" tal vez por la cercanía de territorios. Es un grabado del siglo XVI del "Album de los trajes" del dibujante suizo Jost Ammann y del grabador alemán Hans Weigel, que se publicó en la ciudad alemana de Nuremberg en el año 1577.

El texto que acompaña a la estampa nos dice: Una mujer en Vizcaya. La mujer vestida para los días de fiesta en Vizcaya, que se visten de esta manera. Y para ella éste es un atuendo hermoso aunque a nosotros nos parezca digno de extrañeza.

La Coronación de la Virgen de Begoña el 8 de septiembre de 1900

Esta obra titulada "La Coronación de la Virgen de Begoña el 8 de septiembre de 1900", es del artista vasco José de Echenagusia (Echena) realizada al óleo sobre lienzo en un tamaño de cuatro metros de anchura y realizado en el año 1902. 

No está bien iluminada, lo que nos impide ver bien sus detalles y tener una representación mejor.

Amaia y La Revuelta. ARTE

El Arte tiene tantas aristas y posibilidades, que podríamos decir sin casi dudar, que todo lo que se hace con calidad, buscando gratificar al espectador, es ARTE. Ayer la canción de Amaia en La Revuelta: Si abro los ojos no es real, es un ejemplo de eso mismo.

En una sola secuencia de casi cuatro minutos, la cantante Amaia sale desde su sofá en donde estaba siendo entrevistada, cantando junto a toda una orquesta y unas decenas de personas de coro que van apareciendo poco a poco, saliendo hasta la calle, en un ejemplo de trabajo realizado solo para agradar a los que en ese momento estábamos viendo el programa.

ARTE efímero. O casi.

Se podría haber realizado de forma mucho más sencilla, pero se optó por la calidad, por la originalidad y lo diferente. 

Y eso es ARTE. 

Nada más que eso, es lo que separa la normalidad de lo realmente artístico, hecho para perdurar en la mirada y recuerdo y para provocar la diferencia.

Reconquista de la ciudad de Málaga

Este que vemos es un grabado en madera de unos años posterior a su terrible historia, la toma de la ciudad de Málaga por las tropas de los Reyes Católicos en 1487, que supuso un episodio muy sangriento en la guerra final contra el Reino nazarí de Granada. 

El asedio de la ciudad fue uno de los más largos de la Reconquista, duró seis meses y cortó el suministro de alimentos. El hambre crecía tanto en la ciudad que finalmente los habitante recibieron la orden de salir a combatir a campo abierto, para morir peleando antes que de hambre.

La ciudad se rindió el 18 de agosto, entrando los reyes triunfalmente el día siguiente. La población fue castigada a la esclavitud o a pena de muerte por su feroz ataque contra los cristianos en donde la orden era de no dejar heridos.​ En el asedio a la ciudad, la reina Isabel la Católica sufrió un intento de asesinato que no frutificó.

Las cerámicas de Valencia. Estación de trenes

Si visitas la ciudad de Valencia no debes irte sin darte un paseo por su estación de trenes, la antigua, la que se encuentra en pleno centro de la ciudad, junto a la plaza del Ayuntamiento y la plaza de Toros.

Es una estación de trenes… de verdad, de las del siglo XX. Y además tiene unas cerámicas dignas de pasar un tiempo contemplándolas, por su belleza y su calidad artística.

Literatura surrealista 01 con imagen daliniana

Trinomio fantástico 1

Cárcel (pasado). Perro (presente). Fotografía (futuro)

Me sorprendió el suelo polvoriento tras tantos años encerrado en el asfalto, me producía una sensación de flotar sobre el resto de mi vida. No quise volverme para mirar la enorme puerta que dejaba atrás pues quería olvidar todo color a penas y sudores.

Un perro salió a mi encuentro gritando con temor, como esos pequeños matones dirigidos para abrir situaciones, que son los que reciben los primeros golpes y se saben débiles escondidos tras su chulería. 

Era blanco sucio, pequeño y suelto de todo amo, con la cabeza estirada y retrocediendo sus patas para poder huir más rápido si no conseguía asustar; me abrió el camino y me enseñó a respirar junto a su libertad. Seguían existiendo los perros y aquello me hizo sentirme más vivo.

Metí la mano en el bolsillo y saqué la fotografía de mis dos hijos pequeños que ahora ya no existían. Me he perdido su vida a cambio de la nada. Miré al perro que me seguía a mi derecha y le pregunté cómo se llamaba.

No le entendí, habían sido muchos años sin libertad.

El tiempo y las viejas, de Francisco de Goya

El cuadro titulado El tiempo y las viejas o ¿Que tal?​ es una obra del pintor Francisco de Goya, pintado en el año 1810, cuando los encargos oficiales escaseaban por culpa de la Guerra de la Independencia. Es una sátira similar a las obras en grabado de los Caprichos, pero en este caso pintado al óleo sobre lienzo y con casi dos metros de altura.

Junto a otros dos cuadros de la época, son obras pintadas por Goya sobre lienzos que ya contenían otras obras, unas alegorías de unos grabados de Adriaen Collaert, posiblemente pintados en el siglo XVII, y que nos da una muestra de la escasez de elementos para poder pintar en aquellos años de hambre, guerras y carencias de casi todo.

La protagonista es una vieja decrépita y escuálida, sentada en compañía de una fiel amiga, ambas ricamente ataviadas y enjoyadas, haciendo gala de coquetería, y de una vida acomodada venida a menos posiblemente por la Guerra de la Independencia, situación económica que se sugiere por las sencillas sillas sobre las que se sientan. Luce un vestido de gasa a la moda francesa la mujer rubia, y un traje negro la más anciana.

Detrás de ambas mujeres que se miran en un espejo, aparece "El Tiempo" amenazando a las mujeres con una escoba, mientras ellas se miran en el espejo en donde leemos la frase de: "Que tal?".

Es una de las dos pinturas de Goya en la colección del Palais des Beaux-Arts en Lille, junto al titulado "La carta". Esta obra de "El tiempo y las viejas" se puede ver en Madrid, en el Museo del Prado durante los últimos meses de 2024 y los primeros de 2025.

Caravaggio pinta a Maffeo Barberini, el Papa Urbano VIII

En esta obra de Caravaggio (Michelangelo Merisi da Caravaggio) vemos retratado al que luego sería poderoso Maffeo Barberini obra realizada a finales del siglo XVI. El cuadro muestra al cardenal Maffeo Barberini (el que luego fue Papa Urbano VIII), y en su tiempo un mecenas del pintor​ y miembro de una ilustre familia romana de la cual salieron muchos pontífices y altos prelados católicos.

El cardenal está situado en una pose sencilla y sin tantas complicaciones del Barroco. La luz hace que el cardenal salga de su lienzo y parezca que sobresale ante el espectador. Es una de las primeras y más reconocidas obras del claroscuro

Se trata del Retrato de monseñor Maffeo Barberini, datado entre 1599 y 1603, posiblemente de tamaño natural por la altura de la obra, y que hasta ahora había permanecido oculta al público en una colección privada en Italia. Su propietario nunca había dado permiso para mostrarla en público.

El retrato de en ese momento joven sacerdote Maffeo Barberini, que entonces tenía unos 30 años, la misma edad que el propio artista, y que luego se convertiría en el muy conocido Papa Urbano VIII, y que se puso en la oscuridad de una sala del palacio que construyó para su familia, cuando fue nombrado pontífice.

Miquel Barceló y él mismo

Este es un dibujo de Miquel Barceló, auto biográfico, de él mismo pintando en el suelo y que publica en su nuevo libro: De la vida mía.

Le he añadido un fondo de papel para darle aire, para intenta reflejar lo pequeño que puede ser un artista cuando se enfrenta a una obra grande, cuando se mete dentro de la obra, del cuadro, para que este le envuelva.

Barceló es un artista que se valorará mucho más dentro de unos años, cuando él ya no lo puede saber. Es lógico, nos sucede siempre. No solo es un genio, y ya lo sabemos todos los que seguimos su obra y las grandes instituciones del mundo, sino que además sus obras rompen con el propio Arte, lo convierte en algo fácil dentro de su enorme complejidad. 

Mac Mullican habla con sus geometrías

Mac Mullican es un artista norteamericano, hijo de artistas y profesor de Arte. Mac Mullican trabaja sobre el significado de los posibles lenguajes artísticos y también con la relación entre la percepción y la realidad, entre la capacidad de ver algo y la capacidad de representarlo.

Incluso muchas veces se ha dejado hipnotizar para en ese estado crear obras nuevas y suyas en apariencia, que se escapaban de su forma tradicional de pintar, de crear. Era como otra persona la que creaba, pero surgida desde dentro de su propio cuerpo.

Sus obras de arte son pinturas de dedo, banderas coloreadas, pictogramas, performance de lecturas y experimentos que exploran los modos posibles de representación vinculados con la percepción de la realidad.

Un artista que habla con sus obras muchas veces geométricas, que las deja crecer y que afincado entre Berlín y Nueva York, expone ahora en España, en este final de 2024, tanto en Madrid como en Barcelona.

Os dejo una frase que ha dejado en una entrevista que le hacen en El País.: “Ese es el problema de ser artista hoy en día, que todo va sobre el dinero”.

En Verín, Orense, me dieron Arte

Este que voy a comentaros es una anécdota curiosa y muy de agradecer, artísticamente de una belleza sencilla pero eficaz. En la ciudad de Verín, en Orense, tenía muy poco tiempo libre para poder hacer compras de regalos para la familia, a la vuelta de una semana por la provincia de Orense.

Tenía la comida a una hora fija y en un restaurante determinado, donde por cierto nos sirvieron muy bien. Pero no quiero alargarme.

El caso es que vi una librería muy chula en donde se anunciaba poesía gallega, y entré de forma rápida a comprar un libro de poesía. Quería un autor gallego y una recomendación, una ayuda por parte de la dependienta.

Super amable me indicó varios libros, me preguntó por la persona a la que iba destinada el regalo, y decidimos uno determinado. Al ir a pagarlo me dijo que esperara que me lo iba a envolver. Le dije que era imposible, que ya me esperaban mis acompañantes en el restaurante, que ya lo envolvería yo.

La mujer me insistió y me preguntó por el restaurante, que estaba a unos 50 metros de la librería de Verín. E insistió en envolver el libro y que me lo llevaría ella al restaurante. Era imposible negarme.

Y efectivamente, a la media hora me advirtieron en el restaurante de que me habían dejado un paquete. No salí a recogerlo, pues no le día importancia, era el libro y todo era casi normal.

Al terminar la comida salí a recoger el paquete y me encontré el libro envuelto con estos lazos y estas mariposas, y una tarjeta de la librería, un tarjetón más bien con un poema de un autor gallego, escrito a mano por la vendedora.

Me quedé atónito, salí a la calle, volví a la librería pero ya estaba cerrada. Quedándome con las ganas de agradecerlo todo aquello. hay que advertir para evitar dudas posibles, que yo tengo casi 70 años y ella no pasaría de los veintitantos. 

Es Arte. Quedar bien con un cliente, ofrecerle algo más para que se sienta contento, darle un poema escrito a mano, es Arte. Y aunque no se lo pude agradecer, que sepa ella, si un día me lee, que hay muchas más cosas en el mundo que son Arte, a costa de muchos artistas que con sus pequeños detalles hacen el mundo un poco más feliz. 

Gracias, chata. Y que sepas que las tres mariposas las conservaré como recuerdo. El libro era para mi hija.

¿Puede una forma ser deforme?

¿Qué es la forma? Pues no lo sabemos bien, casi todos son formas, y lo curioso es que todo puede ser de variadas formas. Así que en el Arte, si le ponemos un punto añadido a nuestro punto de vista, cualquier forma puede ser cualquier cosa. 

En realidad una idea en el Arte puede convertirse en una percepción, y para ello tenemos que convertir la idea en una forma visibles. Una forma que muchas veces no es inmutable, puede varias, y por ellos nos permite jugar con las formas, modificarlas y provocar al lector o al espectador, para que adivine qué estamos mostrando.

En realidad la forma encierra el contenido, la idea, pero solo eso. Puede ser además una forma abierta o cerrada, que se asemeje o no a lo que es o a lo que pretendemos que sea. 

Jugar con las formas, es también jugar con las ideas, y con las expresiones. Con las maneras en que expresamos nuestras propias ideas.

Una forma siempre es algo, y a veces es algo muy diferente a lo que parece ser.

Yo lo ví. Francisco de Goya

Este dibujo de Francisco de Goya titulado: "Yo lo ví" no es muy conocido, está en el Museo del Prado pero no está expuesto con normalidad. Es una sanguina pintada o dibujada entre 1810 y 1815 de un tamaño algo superior a un A5, y representa una escena que más parece una fotografía que un dibujo.

Francisco de Goya bien pudo ver lo que aquí representa en su dibujo, pues la huida de la población civil ante el avance de las tropas francesas en España fue algo habitual durante los años de la guerra de la Independencia.

Vemos a una mujer que protege a sus hijos del peligro cercano a riesgo de su vida, y en contraposición con la mujer y sus hijos que intentan salvar sus vidas, vemos a los poderosos de la sociedad, aquellos que huyeron primero dejando a la población indefensa: la Iglesia representada por el cura y los propietarios o las autoridades municipales simbolizados por el personaje que acompaña al sacerdote y que muestro en un detalle de la obra.

Un niño pintando como un artista adulto. Y al revés

Algunas veces hablo de la poca distancia que hay entre el Arte Infantil, Art Brut —y daría igual la edad de los niños— y el Arte adulto de ciertos artistas, que parecen volver a sus inicios. Es un recorrido mental curioso como poco. De ida y vuelta a la hora de crear y expresarse.

Los niños, los seres humanos en nuestros inicios, además de tener grandes deseos de pintar, de expresarnos con nuestros dibujos como elementos mucho más sencillos que la propia escritura, tendemos a simplificar lo que vemos, lo que nuestra memoria retiene.

Ese ejercicio se pierde ya de adultos, queremos fotografiar con nuestras manos como si eso y solo eso fuera lo correcto, reflejar lo que de verdad vemos. ¿Lo que vemos es lo real?

Y algunos artistas vuelven a sus inicios, como apuntaba antes, acudiendo a buscar la simplificación, las miradas primitivas de los objetos.

Entre estas vacas y este paisaje completo de un niño sin estudios artísticos, sin herramientas ni técnicas artísticas, sin conocimientos de perspectiva, de encuadres, de contrapesado…, y lo que luego hacen artistas como Miró, Picasso, Barceló, etc. no hay tanta distancia.

La hay en su finalización, en sus propias técnicas ya depuradas y que complementen la idea artística, pero no tanto en ese propia idea de simplificación, de abstracción mental, de surrealismo de ideas que son como cada uno quiere que sean, como cada persona ya adulto quiero reencontrarse.

"Erupción" del artista de Ucrania Serhiy Savchenko

Serhiy Savchenko es un artista ucraniano de Lviv nacido en el año 1972 y licenciado en arte por Ucrania. 

Sus obras son potentes, tanto en pintura acrílica u óleo como en fotografía o escultura y aunque muy poco conocido en España lleva más de 70 exposiciones individuales a sus espaldas artísticas por Europa. 

Esta obra se llama "Erupción" y tiene un valor de unos 8.000 euros.

Sus obras trasciende los límites tradicionales, fusionando lo abstracto con lo surrealista para crear piezas visualmente atractivas, desarrollando un lenguaje artístico único que refleja su profundo compromiso con temas contemporáneos y experiencias humanas atemporales.

La obra de la imagen de abajo se titula "Ciudad Universal".

¿Es importante el Arte? ¿es importante que sea importante?

Debemos restarle importancia el ARTE y solo así lograremos disfrutarlo, que es para lo que se crea. Y esto es ahora y siempre, y es lo que le da valor.

No es posible juzgar el ARTE desde el punto de vista de la calidad pues precisamente esa pretendida calidad a veces destroza el ARTE hasta convertirlo en artesanía. 

Cuando visitamos museos observamos ejemplos que nos gustan y otros que nos desagradan, igual que cuando paseamos por la vida. Todo de pende de nosotros mismos, de nuestras decisiones.

Es imposible respondernos a la duda de cual es el motivo que lleva a unas obras hasta permanecer siglos entre nosotros colgadas en los almacenes de la contemplación y en cambio la inmensa mayoría se pierden definitivamente.

Alguien las selecciona por nosotros. Y no sabemos si lo que se pierde nos podría gustar y por ello tener un buen valor para nosotros.

Efectivamente, a veces por motivos mercantiles, otras por gusto, las más por originalidad e innovación, otras por representar una tendencia o ser parte de una familia de idioma artístico. Así que debemos crear nuestros gustos y ser fieles a ellos. Como en casi todo, nuestra decisión es la buena.

Pero si nos dedicamos a rebuscar entre ARTE alejado de nuestra zona física de influencia vemos que se debería multiplicar por mil el tamaño de los museos si pretendiéramos que nos mostraran una selección de todo lo que se hace en el mundo del ARTE.

La obra que muestro es de Robert Rauschenberg titulada “Pilgrim (Peregrino)” y realizada en el año 1960.

Lamentación de Cristo, de Giotto di Bondone

La obra que vemos arriba se titula: Lamentación de Cristo (El luto de Cristo) es un fresco pintado en el año 1305 por el artista pintor y arquitecto italiano Giotto di Bondone como parte de su ciclo de la Vida de Cristo en las paredes interiores de la Capilla de Scrovegni en Padua, Italia.

La Capilla Scrovegni fue construida como una capilla privada junto al Monasterio de Eremitani por la rica familia Scrovegni y consagrada en 1305.

Entre 1304 y 1306, Giotto di Bondone decoró las paredes interiores de la capilla con una serie de frescos que representan escenas de la Vida de Jesús. Las secciones superiores de las paredes también incluyen historias de los padres de la Virgen María, San Joaquín y Santa Ana.

Las obras se consideran todas ellas unas grandes obras maestras. Tanto el monasterio como la capilla ahora forman parte del Musei Civici di Padova.

Giotto es descrito como un artista protorrenacentista, que precedió y allanó el camino para los primeros pintores del Renacimiento florentino, rompiendo el molde artístico del período bizantino al introducir el naturalismo y la profundidad en su obra.

En la pintura, el cuerpo del Cristo crucificado ha sido bajado de la cruz y colocado en el suelo, rodeado por su madre llorando y sus discípulos. Su cabeza está sostenida por María, su madre, y sus pies por María Magdalena y Juan el Apóstol sujetan los brazos con la desesperación. A la derecha, Nicodemo y José de Arimatea esperan para preparar el cuerpo para ser colocado en una tumba.

Hay un árbol en solitario en la obra, reflejando el símbolo medieval de la muerte. La obra tiene dos metros de anchura.

La importancia de la obra de este artista, es el reencuentro de la perspectiva a base de trabajar las sombras en un siglo bastante plano.

Encantadora Maitena. Dime con quien sales y te diré quien eres

El comic, la viñeta, las historias dibujadas, son literatura pura, es arte motivador y provocador, es arte plástico que envuelve. 

Maitena es sensible y provocadora, es dura y blanda a la vez, es sobre todo mujer maravillosa y humana en todos sus aspectos. 

Es trasparente pero dura con los demás aunque a veces cruel con ella. Un arte encantado de dejarse leer.