Amaia y La Revuelta. ARTE

El Arte tiene tantas aristas y posibilidades, que podríamos decir sin casi dudar, que todo lo que se hace con calidad, buscando gratificar al espectador, es ARTE. Ayer la canción de Amaia en La Revuelta: Si abro los ojos no es real, es un ejemplo de eso mismo.

En una sola secuencia de casi cuatro minutos, la cantante Amaia sale desde su sofá en donde estaba siendo entrevistada, cantando junto a toda una orquesta y unas decenas de personas de coro que van apareciendo poco a poco, saliendo hasta la calle, en un ejemplo de trabajo realizado solo para agradar a los que en ese momento estábamos viendo el programa.

ARTE efímero. O casi.

Se podría haber realizado de forma mucho más sencilla, pero se optó por la calidad, por la originalidad y lo diferente. 

Y eso es ARTE. 

Nada más que eso, es lo que separa la normalidad de lo realmente artístico, hecho para perdurar en la mirada y recuerdo y para provocar la diferencia.

Reconquista de la ciudad de Málaga

Este que vemos es un grabado en madera de unos años posterior a su terrible historia, la toma de la ciudad de Málaga por las tropas de los Reyes Católicos en 1487, que supuso un episodio muy sangriento en la guerra final contra el Reino nazarí de Granada. 

El asedio de la ciudad fue uno de los más largos de la Reconquista, duró seis meses y cortó el suministro de alimentos. El hambre crecía tanto en la ciudad que finalmente los habitante recibieron la orden de salir a combatir a campo abierto, para morir peleando antes que de hambre.

La ciudad se rindió el 18 de agosto, entrando los reyes triunfalmente el día siguiente. La población fue castigada a la esclavitud o a pena de muerte por su feroz ataque contra los cristianos en donde la orden era de no dejar heridos.​ En el asedio a la ciudad, la reina Isabel la Católica sufrió un intento de asesinato que no frutificó.

Las cerámicas de Valencia. Estación de trenes

Si visitas la ciudad de Valencia no debes irte sin darte un paseo por su estación de trenes, la antigua, la que se encuentra en pleno centro de la ciudad, junto a la plaza del Ayuntamiento y la plaza de Toros.

Es una estación de trenes… de verdad, de las del siglo XX. Y además tiene unas cerámicas dignas de pasar un tiempo contemplándolas, por su belleza y su calidad artística.

Literatura surrealista 01 con imagen daliniana

Trinomio fantástico 1

Cárcel (pasado). Perro (presente). Fotografía (futuro)

Me sorprendió el suelo polvoriento tras tantos años encerrado en el asfalto, me producía una sensación de flotar sobre el resto de mi vida. No quise volverme para mirar la enorme puerta que dejaba atrás pues quería olvidar todo color a penas y sudores.

Un perro salió a mi encuentro gritando con temor, como esos pequeños matones dirigidos para abrir situaciones, que son los que reciben los primeros golpes y se saben débiles escondidos tras su chulería. 

Era blanco sucio, pequeño y suelto de todo amo, con la cabeza estirada y retrocediendo sus patas para poder huir más rápido si no conseguía asustar; me abrió el camino y me enseñó a respirar junto a su libertad. Seguían existiendo los perros y aquello me hizo sentirme más vivo.

Metí la mano en el bolsillo y saqué la fotografía de mis dos hijos pequeños que ahora ya no existían. Me he perdido su vida a cambio de la nada. Miré al perro que me seguía a mi derecha y le pregunté cómo se llamaba.

No le entendí, habían sido muchos años sin libertad.

El tiempo y las viejas, de Francisco de Goya

El cuadro titulado El tiempo y las viejas o ¿Que tal?​ es una obra del pintor Francisco de Goya, pintado en el año 1810, cuando los encargos oficiales escaseaban por culpa de la Guerra de la Independencia. Es una sátira similar a las obras en grabado de los Caprichos, pero en este caso pintado al óleo sobre lienzo y con casi dos metros de altura.

Junto a otros dos cuadros de la época, son obras pintadas por Goya sobre lienzos que ya contenían otras obras, unas alegorías de unos grabados de Adriaen Collaert, posiblemente pintados en el siglo XVII, y que nos da una muestra de la escasez de elementos para poder pintar en aquellos años de hambre, guerras y carencias de casi todo.

La protagonista es una vieja decrépita y escuálida, sentada en compañía de una fiel amiga, ambas ricamente ataviadas y enjoyadas, haciendo gala de coquetería, y de una vida acomodada venida a menos posiblemente por la Guerra de la Independencia, situación económica que se sugiere por las sencillas sillas sobre las que se sientan. Luce un vestido de gasa a la moda francesa la mujer rubia, y un traje negro la más anciana.

Detrás de ambas mujeres que se miran en un espejo, aparece "El Tiempo" amenazando a las mujeres con una escoba, mientras ellas se miran en el espejo en donde leemos la frase de: "Que tal?".

Es una de las dos pinturas de Goya en la colección del Palais des Beaux-Arts en Lille, junto al titulado "La carta". Esta obra de "El tiempo y las viejas" se puede ver en Madrid, en el Museo del Prado durante los últimos meses de 2024 y los primeros de 2025.

Caravaggio pinta a Maffeo Barberini, el Papa Urbano VIII

En esta obra de Caravaggio (Michelangelo Merisi da Caravaggio) vemos retratado al que luego sería poderoso Maffeo Barberini obra realizada a finales del siglo XVI. El cuadro muestra al cardenal Maffeo Barberini (el que luego fue Papa Urbano VIII), y en su tiempo un mecenas del pintor​ y miembro de una ilustre familia romana de la cual salieron muchos pontífices y altos prelados católicos.

El cardenal está situado en una pose sencilla y sin tantas complicaciones del Barroco. La luz hace que el cardenal salga de su lienzo y parezca que sobresale ante el espectador. Es una de las primeras y más reconocidas obras del claroscuro

Se trata del Retrato de monseñor Maffeo Barberini, datado entre 1599 y 1603, posiblemente de tamaño natural por la altura de la obra, y que hasta ahora había permanecido oculta al público en una colección privada en Italia. Su propietario nunca había dado permiso para mostrarla en público.

El retrato de en ese momento joven sacerdote Maffeo Barberini, que entonces tenía unos 30 años, la misma edad que el propio artista, y que luego se convertiría en el muy conocido Papa Urbano VIII, y que se puso en la oscuridad de una sala del palacio que construyó para su familia, cuando fue nombrado pontífice.

Miquel Barceló y él mismo

Este es un dibujo de Miquel Barceló, auto biográfico, de él mismo pintando en el suelo y que publica en su nuevo libro: De la vida mía.

Le he añadido un fondo de papel para darle aire, para intenta reflejar lo pequeño que puede ser un artista cuando se enfrenta a una obra grande, cuando se mete dentro de la obra, del cuadro, para que este le envuelva.

Barceló es un artista que se valorará mucho más dentro de unos años, cuando él ya no lo puede saber. Es lógico, nos sucede siempre. No solo es un genio, y ya lo sabemos todos los que seguimos su obra y las grandes instituciones del mundo, sino que además sus obras rompen con el propio Arte, lo convierte en algo fácil dentro de su enorme complejidad. 

Mac Mullican habla con sus geometrías

Mac Mullican es un artista norteamericano, hijo de artistas y profesor de Arte. Mac Mullican trabaja sobre el significado de los posibles lenguajes artísticos y también con la relación entre la percepción y la realidad, entre la capacidad de ver algo y la capacidad de representarlo.

Incluso muchas veces se ha dejado hipnotizar para en ese estado crear obras nuevas y suyas en apariencia, que se escapaban de su forma tradicional de pintar, de crear. Era como otra persona la que creaba, pero surgida desde dentro de su propio cuerpo.

Sus obras de arte son pinturas de dedo, banderas coloreadas, pictogramas, performance de lecturas y experimentos que exploran los modos posibles de representación vinculados con la percepción de la realidad.

Un artista que habla con sus obras muchas veces geométricas, que las deja crecer y que afincado entre Berlín y Nueva York, expone ahora en España, en este final de 2024, tanto en Madrid como en Barcelona.

Os dejo una frase que ha dejado en una entrevista que le hacen en El País.: “Ese es el problema de ser artista hoy en día, que todo va sobre el dinero”.

En Verín, Orense, me dieron Arte

Este que voy a comentaros es una anécdota curiosa y muy de agradecer, artísticamente de una belleza sencilla pero eficaz. En la ciudad de Verín, en Orense, tenía muy poco tiempo libre para poder hacer compras de regalos para la familia, a la vuelta de una semana por la provincia de Orense.

Tenía la comida a una hora fija y en un restaurante determinado, donde por cierto nos sirvieron muy bien. Pero no quiero alargarme.

El caso es que vi una librería muy chula en donde se anunciaba poesía gallega, y entré de forma rápida a comprar un libro de poesía. Quería un autor gallego y una recomendación, una ayuda por parte de la dependienta.

Super amable me indicó varios libros, me preguntó por la persona a la que iba destinada el regalo, y decidimos uno determinado. Al ir a pagarlo me dijo que esperara que me lo iba a envolver. Le dije que era imposible, que ya me esperaban mis acompañantes en el restaurante, que ya lo envolvería yo.

La mujer me insistió y me preguntó por el restaurante, que estaba a unos 50 metros de la librería de Verín. E insistió en envolver el libro y que me lo llevaría ella al restaurante. Era imposible negarme.

Y efectivamente, a la media hora me advirtieron en el restaurante de que me habían dejado un paquete. No salí a recogerlo, pues no le día importancia, era el libro y todo era casi normal.

Al terminar la comida salí a recoger el paquete y me encontré el libro envuelto con estos lazos y estas mariposas, y una tarjeta de la librería, un tarjetón más bien con un poema de un autor gallego, escrito a mano por la vendedora.

Me quedé atónito, salí a la calle, volví a la librería pero ya estaba cerrada. Quedándome con las ganas de agradecerlo todo aquello. hay que advertir para evitar dudas posibles, que yo tengo casi 70 años y ella no pasaría de los veintitantos. 

Es Arte. Quedar bien con un cliente, ofrecerle algo más para que se sienta contento, darle un poema escrito a mano, es Arte. Y aunque no se lo pude agradecer, que sepa ella, si un día me lee, que hay muchas más cosas en el mundo que son Arte, a costa de muchos artistas que con sus pequeños detalles hacen el mundo un poco más feliz. 

Gracias, chata. Y que sepas que las tres mariposas las conservaré como recuerdo. El libro era para mi hija.

¿Puede una forma ser deforme?

¿Qué es la forma? Pues no lo sabemos bien, casi todos son formas, y lo curioso es que todo puede ser de variadas formas. Así que en el Arte, si le ponemos un punto añadido a nuestro punto de vista, cualquier forma puede ser cualquier cosa. 

En realidad una idea en el Arte puede convertirse en una percepción, y para ello tenemos que convertir la idea en una forma visibles. Una forma que muchas veces no es inmutable, puede varias, y por ellos nos permite jugar con las formas, modificarlas y provocar al lector o al espectador, para que adivine qué estamos mostrando.

En realidad la forma encierra el contenido, la idea, pero solo eso. Puede ser además una forma abierta o cerrada, que se asemeje o no a lo que es o a lo que pretendemos que sea. 

Jugar con las formas, es también jugar con las ideas, y con las expresiones. Con las maneras en que expresamos nuestras propias ideas.

Una forma siempre es algo, y a veces es algo muy diferente a lo que parece ser.

Yo lo ví. Francisco de Goya

Este dibujo de Francisco de Goya titulado: "Yo lo ví" no es muy conocido, está en el Museo del Prado pero no está expuesto con normalidad. Es una sanguina pintada o dibujada entre 1810 y 1815 de un tamaño algo superior a un A5, y representa una escena que más parece una fotografía que un dibujo.

Francisco de Goya bien pudo ver lo que aquí representa en su dibujo, pues la huida de la población civil ante el avance de las tropas francesas en España fue algo habitual durante los años de la guerra de la Independencia.

Vemos a una mujer que protege a sus hijos del peligro cercano a riesgo de su vida, y en contraposición con la mujer y sus hijos que intentan salvar sus vidas, vemos a los poderosos de la sociedad, aquellos que huyeron primero dejando a la población indefensa: la Iglesia representada por el cura y los propietarios o las autoridades municipales simbolizados por el personaje que acompaña al sacerdote y que muestro en un detalle de la obra.

Un niño pintando como un artista adulto. Y al revés

Algunas veces hablo de la poca distancia que hay entre el Arte Infantil, Art Brut —y daría igual la edad de los niños— y el Arte adulto de ciertos artistas, que parecen volver a sus inicios. Es un recorrido mental curioso como poco. De ida y vuelta a la hora de crear y expresarse.

Los niños, los seres humanos en nuestros inicios, además de tener grandes deseos de pintar, de expresarnos con nuestros dibujos como elementos mucho más sencillos que la propia escritura, tendemos a simplificar lo que vemos, lo que nuestra memoria retiene.

Ese ejercicio se pierde ya de adultos, queremos fotografiar con nuestras manos como si eso y solo eso fuera lo correcto, reflejar lo que de verdad vemos. ¿Lo que vemos es lo real?

Y algunos artistas vuelven a sus inicios, como apuntaba antes, acudiendo a buscar la simplificación, las miradas primitivas de los objetos.

Entre estas vacas y este paisaje completo de un niño sin estudios artísticos, sin herramientas ni técnicas artísticas, sin conocimientos de perspectiva, de encuadres, de contrapesado…, y lo que luego hacen artistas como Miró, Picasso, Barceló, etc. no hay tanta distancia.

La hay en su finalización, en sus propias técnicas ya depuradas y que complementen la idea artística, pero no tanto en ese propia idea de simplificación, de abstracción mental, de surrealismo de ideas que son como cada uno quiere que sean, como cada persona ya adulto quiero reencontrarse.

"Erupción" del artista de Ucrania Serhiy Savchenko

Serhiy Savchenko es un artista ucraniano de Lviv nacido en el año 1972 y licenciado en arte por Ucrania. 

Sus obras son potentes, tanto en pintura acrílica u óleo como en fotografía o escultura y aunque muy poco conocido en España lleva más de 70 exposiciones individuales a sus espaldas artísticas por Europa. 

Esta obra se llama "Erupción" y tiene un valor de unos 8.000 euros.

Sus obras trasciende los límites tradicionales, fusionando lo abstracto con lo surrealista para crear piezas visualmente atractivas, desarrollando un lenguaje artístico único que refleja su profundo compromiso con temas contemporáneos y experiencias humanas atemporales.

La obra de la imagen de abajo se titula "Ciudad Universal".

¿Es importante el Arte? ¿es importante que sea importante?

Debemos restarle importancia el ARTE y solo así lograremos disfrutarlo, que es para lo que se crea. Y esto es ahora y siempre, y es lo que le da valor.

No es posible juzgar el ARTE desde el punto de vista de la calidad pues precisamente esa pretendida calidad a veces destroza el ARTE hasta convertirlo en artesanía. 

Cuando visitamos museos observamos ejemplos que nos gustan y otros que nos desagradan, igual que cuando paseamos por la vida. Todo de pende de nosotros mismos, de nuestras decisiones.

Es imposible respondernos a la duda de cual es el motivo que lleva a unas obras hasta permanecer siglos entre nosotros colgadas en los almacenes de la contemplación y en cambio la inmensa mayoría se pierden definitivamente.

Alguien las selecciona por nosotros. Y no sabemos si lo que se pierde nos podría gustar y por ello tener un buen valor para nosotros.

Efectivamente, a veces por motivos mercantiles, otras por gusto, las más por originalidad e innovación, otras por representar una tendencia o ser parte de una familia de idioma artístico. Así que debemos crear nuestros gustos y ser fieles a ellos. Como en casi todo, nuestra decisión es la buena.

Pero si nos dedicamos a rebuscar entre ARTE alejado de nuestra zona física de influencia vemos que se debería multiplicar por mil el tamaño de los museos si pretendiéramos que nos mostraran una selección de todo lo que se hace en el mundo del ARTE.

La obra que muestro es de Robert Rauschenberg titulada “Pilgrim (Peregrino)” y realizada en el año 1960.

Lamentación de Cristo, de Giotto di Bondone

La obra que vemos arriba se titula: Lamentación de Cristo (El luto de Cristo) es un fresco pintado en el año 1305 por el artista pintor y arquitecto italiano Giotto di Bondone como parte de su ciclo de la Vida de Cristo en las paredes interiores de la Capilla de Scrovegni en Padua, Italia.

La Capilla Scrovegni fue construida como una capilla privada junto al Monasterio de Eremitani por la rica familia Scrovegni y consagrada en 1305.

Entre 1304 y 1306, Giotto di Bondone decoró las paredes interiores de la capilla con una serie de frescos que representan escenas de la Vida de Jesús. Las secciones superiores de las paredes también incluyen historias de los padres de la Virgen María, San Joaquín y Santa Ana.

Las obras se consideran todas ellas unas grandes obras maestras. Tanto el monasterio como la capilla ahora forman parte del Musei Civici di Padova.

Giotto es descrito como un artista protorrenacentista, que precedió y allanó el camino para los primeros pintores del Renacimiento florentino, rompiendo el molde artístico del período bizantino al introducir el naturalismo y la profundidad en su obra.

En la pintura, el cuerpo del Cristo crucificado ha sido bajado de la cruz y colocado en el suelo, rodeado por su madre llorando y sus discípulos. Su cabeza está sostenida por María, su madre, y sus pies por María Magdalena y Juan el Apóstol sujetan los brazos con la desesperación. A la derecha, Nicodemo y José de Arimatea esperan para preparar el cuerpo para ser colocado en una tumba.

Hay un árbol en solitario en la obra, reflejando el símbolo medieval de la muerte. La obra tiene dos metros de anchura.

La importancia de la obra de este artista, es el reencuentro de la perspectiva a base de trabajar las sombras en un siglo bastante plano.

Encantadora Maitena. Dime con quien sales y te diré quien eres

El comic, la viñeta, las historias dibujadas, son literatura pura, es arte motivador y provocador, es arte plástico que envuelve. 

Maitena es sensible y provocadora, es dura y blanda a la vez, es sobre todo mujer maravillosa y humana en todos sus aspectos. 

Es trasparente pero dura con los demás aunque a veces cruel con ella. Un arte encantado de dejarse leer.

El valenciano Antonio de Felipe y su arte pop surrealista

El artista valenciano Antonio de Felipe, pop o no, refleja en sus series una mirada personal que rompe con los estereotipos y las formas habituales, mezclando surrealismo con arte pop, que no popular, hasta lograr auténticas imágenes icónicas en sus obras. 

Provocador a veces, suave otras, con mucho color siempre, pintando en diversos soportes, creando esculturas igual de icónicas, es un referente a tener muy en cuenta.

Se habla español en varios idiomas. Traducción simultánea

Las sorpresas en los carteles que se ven por la calle pueden ser tan variados como nuestra capacidad de ser tontos. 

Este cartel es cierto, y nos queda la gran duda de a qué se refiere. 

¿Español de España y español de Chile? 

¿Tal vez andaluz y asturiano? 

¿Español femenino y español antiguo? 

¿De español hacia otros idiomas?

En fin, paciencia.

Contempladores de la Lonja de Zaragoza

Los pusieron en lo alto para vigilarnos, para que estuvieran pendientes de nuestras compras y ventas. Eran ciudadanos de Zaragoza, más o menos conocidos en aquellos tiempos.

Pero con los años han perdido frescura y se les ha quedado una cara de piedra, seca y enjuta, como desabrida tras los muchos fríos y calores de los siglos inmóviles. 

Nunca se les presenta queja alguna. Ellos simplemente miran.

La escultura de Madrid que no se hizo para sentarse

Se amontonaba el metal sobre el metal en una calle de asfalto y polución. Eran las formas, las masas sobre el suelo de un material no hecho para nada que no fuera ser contemplado.

Tal vez por eso era metal que tenia diversos matices, según los humos le fueran corroyendo las vidas.

Parecía pulido de mil manos apoyadas, de incluso posaderas que cansadas, buscaban consuelo encima de la escultura de metal.

No se hizo para asiento, pero los destinos de las necesidades son inciertos.

La Adoración de los Reyes, de Van der Goes

El arte del pintor belga nacido en Gante, Hugo van Der Goes, nacido a mitad del siglo XV, es técnicamente innovador de retablos del siglo XV con obras de arte realizadas y vendidas en los Países Bajos, Italia y España. Solo un puñado de pinturas y dibujos de Hugo van Der Goes sobreviven a nuestro tiempo y la falta de documentación hace que sea casi imposible reunir fuentes de su educación o un alcance de su práctica artística.

Es de conocimiento común que Hugo Van Der Goes fue un maestro formidable que contribuyó inmensamente al desarrollo de técnicas de pintura, cuyas imágenes preservaron y ayudaron a definir la iconografía cristiana. Fue un artista aclamado con discípulos en todo el norte de Europa, rivalizado en fama solo por el brillante Van Eyck, el artista del Retablo de Gante.

La vida y el trabajo de Hugo van Der Goes se centró en la ciudad de Gante, aunque es muy probable que también viajara a Italia y España, en donde hay algunas obras suyas. 

Como pintor de toda la vida del St. El Gremio de Lucas en Gante, también fue un hombre piadoso que se unió a un monasterio y se convirtió en un hermano laico durante la última década de su vida.

En los últimos dos o tres años, se (re)descubrió una visión innovadora del alcance de la maestría de Hugo cuando su increíble retablo de Monforte fue restaurado y reconstruido en preparación para la exposición de Berlín. 

Si bien es crucial apreciar y preservar las obras maestras que forman el legado artístico del cristianismo. Lo acontecido con esta obra es una salvajada de complicada explicación.

Lo que vemos es el Retablo del Altar de Monforte de Lemos, realizado sobre 1475, con un tamaño de 170 x 263 cm, pero que no se conserva como lo vemos arriba, pues la parte alta en esta imagen que vemos abajo ha sido añadida para asemejar al estado primitivo de la obra.

Esta obra que en principio era un tríptico, pero al llevarse a su iglesia de destino en Galicia se dieron cuenta de que no cabía en el espacio asignado. 

Se quitaron los dos paneles laterales… y en el siglo XVI se mutiló otra vez, en este caso la zona alta para que se pudiera poner otra obra de otro artista encima de esta. 

En Monforte de Lemos (España) estuvo ya mutilada en dos ocasiones hasta el año 1913, cuando se vendió de una forma nada clara, la obra que ahora se encuentra en el Museo Estatal de Berlín. 

Duccio di Buoninsegna y una obra del siglo XIV

Del artista italiano (sienés) del siglo XIV: Duccio di Buoninsegna vemos aquí la obra retablo titulada "Majestad" o "Majestad de la Catedral de Siena", arriba un detalle de la propia Virgen con en niño y abajo su conjunto.

La importancia de esta obra y de este autor es que en los inicios del siglo XIV empieza a mostrarnos rostros con miradas que ya son expresivas, e incluso ropas de los personajes que ya tienen volúmenes, aparentan ser reales.

Con casi cuatro metros de ancho y terminado en tabla en el año 1311. Se encuentra en el Museo de la Ópera del Duomo de la ciudad italiana de Siena.

Esta obra se compone de una serie de numerosos paneles y que fue pintada por ambas caras. Tiene una dimensión de 214 x 412 cm. Por el frente, aparece la Virgen en Majestad, sentada en su trono como en otras representaciones de la Virgen de la época, y su tamaño es mayor en proporción a las figuras de Santos patronos locales y ángeles, de tamaño natural, y que forman tres filas por ambos lados del trono. 

Abajo del gran panel frontal aparecen escenas de la vida de María Niña, mientras que en el extremo superior aparecen escenas de su muerte y Asunción al Reino de los Cielos. 

Por detrás del panel (aquí no lo he mostrado) aparecen diversos momentos de la vida de Jesús. 

Esta obra al temple fue encomendada al mejor artista de Siena de aquel momento, Duccio di Buoninsegna, para la Catedral de la ciudad, en honor y devoción a la Virgen María su Majestad, por ser protectora de la ciudad en tiempos de guerra.

Chapa y pintura. Blanco y negro. Soledad

Chapa y pintura para disimular los interiores. 

A veces todo es falsario, todo es un simple esqueleto. 

Pero queda el soporte, aunque haya perdido incluso el color.

Las miradas son lo único que las puede hacer sobrevivir.

Dibujar es suprimir, enfatizar, elegir, practicar, disfrutar

Si en la pintura hay muchas escuelas diferentes, en el dibujo hay muchas más formas de crear ideas y de disfrutar con su práctica. Todo se puede dibujar, y todo además se puede dibujar de centenares de formas diversas. ¿Quien dijo que en el dibujo no podían entrar las abstracciones o los surrealismos?

Esta obra que dejo arriba es de Pablo R. Picasso y se titula “Mandolina” creada sobre el año 1911. Simple, fácil, papel, aguada y lápiz, pero… es Picasso. Es ya cubismo, surrealismo, abstracción. Son sueños.

Dijo Adolph Menzel que: “Dibujar de todo es bueno. Dibujarlo todo es mejor”. 

Sería aplicable también a la fotografía. pero el dibujo es otro ejercicio distinto. Como no es lo mismo escribir poesía que hacer música. 

Dibujar es dominar las manos, pasar desde la cabeza a un papel lo que te estás imaginando. Empleando efectivamente unas técnicas que antes ya… tú mismo has decidido utilizar para “tus” dibujos.

Si en fotografía hay que encuadrar y saber ver bien el instante para elegir qué cuadro quieres “cazar”, en el dibujo además puede literalmente suprimir todo lo que no quieres que se vea. 

Si deseas enseñar una cabeza de una perro amigo tuyo, simplemente dibujas la cabeza del compañero pero sin escenario, sin cuerpo, sin base. 

Enfatizamos la cabeza desde nuestro punto de vista. 

Encuadras y además decides suprimir, simplemente NO dibujar lo que no nos interesa mostrar.

No te dejes engañar por lo que te muestro

"Agua al revés" - 2018 - Valencia

Nunca pensé que dentro se encontraría la muerte en soledad

"Fachada de Muerte" - 2018 - Cataluña

Esta fechada, hermosa es cierto, visitada por mi varias veces para ver a un familiar de unos amigos, tuvo la desgracia de vivir en el 2020 la COVID con suma intensidad. Es un Centro moderno, en aquel momento muy bien atendidos los internos y las visitas, algo que se podría considerar en el año 2029 que era un ejemplo.

En la primavera de 2020 falleció Justa, la tía de mis amigos. Hoy mi apreciación de aquellos tiempos ha hecho cambiar mi punto de vista del lugar. Fueron tiempos vergonzosos para todos nosotros como sociedad. 

Vivimos una situación Gramática; Hay que leer más

"Vivimos dando la espalda a la Gramática Social" - 2019 - Palencia

A veces los gritos en/de las calles son muy claros.

El pasado emanó desde abajo, cuando se cayó el presente

No estaba roto, simplemente dejaba hueco para poder ver el pasado de la pared. 

El presente se había ido destrozando, dejando paso otra vez al pasado que salía desde abajo. 

Muchos nunca lo habían estudiado, pero seguía allí, esperando a que el presente se cayera de viejo.

No todas las flores son igual de conocidas

"Flor de Cebollino" - 2020 - Zaragoza

Una flor que casi se come.

Niña informando y educando a los adultos

Esta imagen del fotógrafo Marvin Recinos para la agencia AFP, nos muestra a una niña pintando un mural para informar a la gente sobre un proyecto de control de mosquitos en el pueblo de la villa de San Diego, en La Libertad, El Salvador, donde están luchando contra el mosquito aedes aegypti, trasmisor del virus Zika. 

Información elemental pero muy necesaria, para intentar defenderse de estos mosquitos y que una niña intentaba transmitir a los adultos en 2016.

¿Qué es la felicidad, quien mide la dignidad humana?

Human, un documental de Yan Arthus-Bertrand nos enseña la vida del mundo, de las sociedades, de las personas que como usted y yo, vivimos sobre este planeta azul, en espera de que no se nos acabe o se logre revitalizar y cuidar entre todos. 

Me he quedado con esta imagen del documental que publico El País en 2016, mostrando el barrio de Pétionville en Puerto Príncipe (Haiti). 

¿Alguien puede pensar que en este lugar se puede vivir dignamente según los parámetros de acceso a la cultura, la educación, la salud o el trabajo del mundo occidental? 

¿Necesitan y desean los habitantes de este barrio ser como los occidentales? 

¿Qué es la felicidad e incluso quien mide la dignidad humana? 

Nada es seguro, nadie sabría medir la felicidad sin tener en cuenta las mochilas que cada uno transportamos según nuestra propia civilización.

Baño devocional entre hombres hindúes

Unos devotos hindúes del Nepal, unos hombres participando en el ritual del baño en el último día del mes de Swasthani en el río Hanumante en Bhaktapur en las afueras de Katmandú. Son otras culturas, es belleza, es oración.

Imagen del fotógrafo Prakash Mathemaprakash Mathema.

Cartel del 125 Aniversario del Barça

Este es el cartel que ha presentado el FC Barcelona para celebrar su 125 aniversario. Es de Miquel Barceló. Y está recibiendo numerosas y tremendas críticas, negativas como sucede siempre, por su expresionismo. 

El Arte es expresión, no es nada más. Y aquí sin duda se ve qué se quiere decir. A partir de ese momento surge el grafismo de Barceló. 

Muy conocido además, que incluso está dentro de catedrales. No engaña ni el cartel ni Barceló. Si fuera de otra manera es posible que sí engañaría.

Se quejan de múltiples detalles, pero si se deseaba una obra clara, sin expresión artística propia, se podría haber recurrido a una fotografía de una persona vestida de azulgrana. Y no era el caso.

Y se nos olvida algo fundamental. Es un CARTEL, nada más que un cartel anunciador.

Mohammad Sabaaneh y el dolor de la guerra

Las guerras además de odio generan Arte. Por desgracia es una manera de expresión y cada persona necesita hablar a gritos como mejor sabe.

El artista palestino Mohammad Sabaaneh, en su libro "30 segundos en Gaza", nos muestra dolores dibujados, dramas que necesita mostrar desde el dibujo, y en esta obra vemos a una madre a la que "sacan abrazada a su hijo de los escombros de su casa".

A partir del dibujo, nada más se puede decir. El dolor y la estupidez humana van de la mano, pues somos tan imbéciles que no sabemos parar un dolor sin tamaño medible que ademas no sirve para nada y que se va contagiando de más dolor. Todos tenemos la culpa.

Manuel Outumuro, un fotógrafo clásico muy moderno

El fotógrafo gallego Manuel Outumuro vuelve a las revistas y periódicos de España para mostrarnos algunas de sus creaciones. Diseñador gráfico también, se le nota su oficio en los encuadres, en las distribuciones de los espacios, en esa manera especial de calibrar el todo, la suma de los espacios que ve el espectador.

He elegido una imagen que él titula "La costurera" como ejemplo de surrealismo, y a su vez una imagen de 1993 que dejo abajo, de esos trabajos de moda que hizo buscando un punto de vista nada clásico, aunque se asemejen a imágenes callejeras de mitad del siglo XX. 

¿Quien dijo que los años 50 del Siglo XX son ya clásicos?