El Cristo Burlado, del artista italiano Cimabue

El artista italiano Cenni di Pepo conocido como Cimabue pinto esta obra en el año 1280 titulada "El Cristo burlado" sobre tabla de madera de álamo y con detalles de oro para remarcar algunas zonas, un cuadro menor a un A4 en su tamaño y que alcanzó en su subasta un alto precio sobre todo por su antigüedad y su autor del que solo se conservan 15 obras. 

El Gobierno de Francia entendió que aquella obra no podía salir del país y ejerció su capacidad para retenerlo y comprarlo.

Se encuentra en el Museo de Louvre y el Ministerio de Cultura francés lo calificó como un "hito crucial en la historia del arte, que marca la fascinante transición del icono a la pintura".

Este cuadro formó previsiblemente parte de un díptico que contenía ocho escenas de la vida de Cristo y el propio Museo de Louvre posee otra más, titulada "La Virgen y el Niño con dos ángeles" mientras que la colección Frick de NY tiene otra titulada "La Flagelación de Cristo".

Este cuadro se descubrió por casualidad en la cocina de una mujer muy mayor en Francia, que lo tenía colgado pensando que era un icono griego sin mucho valor. La señora se tuvo que cambiar de casa y la empresa que se hizo cargo del vaciado de la casa puso en manos de una experta la valoración de la pintura.

Y fue entonces cuando se descubrió que sin duda se trataba de una obra maestra de un primitivo renacentista. Se atribuyó posteriormente a Cimabue, el iniciador del Trecento, de quien se conocen obras tan importantes como el Crucifijo de Arezzo o la Majestad que se exhibe hoy en el Museo del Louvre de París.

Os dejo un 386 simplemente porque me gustó

Los números a veces son mucho más que simple números. Son también como pequeños fetiches, elementos que nos llegamos a creer son trasmisores de suerte o bichos numéricos que nos la quitan. Depende. Y no solo en sorteos, en rifas o en trampas, también en la vida común. 

Hay personas que nunca vivirían en un edificio terminada su numeración en siete o en cuatro, y los demás no sabemos bien en qué se basan, pero es posible que ellos… pues eso, que ellos tampoco.

Os dejo un 389 simplemente porque me gustó. Que en estos tiempos, tampoco es poco. Hay muchas calles Carlos Gardel en el mundo, como es además lógico, pero en Buenos Aires hay un pasaje además de una calle, todo muy junto y cerca del Museo Casa de Carlos Gardel. Nunca sabremos si este número es de ese lugar, de esa calle.

Víctor Mira y su acercamiento a Goya

No sabemos qué nos estaría mostrando Víctor Mira en estos momentos, no sabemos qué desearía trabajar el aragonés Víctor Mira en su estudio en estos tiempos raros. Sabemos qué hizo y en 1988 hizo esta: "Cabeza amarrada a un pedazo de cielo" de casi tres metros de ancha, recordando un poco al famoso perro de Goya.

Víctor Mira admiraba a Goya. Posiblemente como cualquier aragonés, pero él además de admirarlo, lo absorbía para seguir multiplicarlo con oras propias. 

Parte de la obra de Mira bebe y trasciende desde Goya, salvando los siglos y las técnicas, pero desde una pintura radical, fuerte y potente, casi dolorosa muchas veces, soltando imaginación para entregársela a sus espectadores. 

Gilbert y George: Surrealismo anárquico conservador

Los artistas ingleses Gilbert & George, provocación por partida doble son una pareja de artistas británicos que llevan medio siglo creando un universo artístico personal, en el que la única constante son ellos mismos y su pasión por el Reino Unido. Ahora abren en Londres un espacio en el que exponer su obra.

Es una galería de arte posmodernista montada en un auténtico jardín del Edén. Este es el país de las maravillas de Gilbert y George. 

Producen un arte contemporáneo llamativamente moderno que abarca la fotografía, el collage y el cine. Gilbert y George se conocieron en la prestigiosa escuela de arte Central Saint Martins en 1967 e inmediatamente se hicieron inseparables y empezaron a crear juntos un arte muy personal.

Dicen en El País en donde los entrevista Anna Braverman: “Somos dos personas, pero un único artista”, explica George Passmore, de 81 años, el más alto de los dos, en su casa del siglo XVIII en la calle de Fournier, donde viven desde la década de 1960. “Nunca nos hemos relacionado con otros artistas”, apunta el italiano de nacimiento Gilbert Proesch, de 80 años. “Nos hemos mantenido apartados de ellos porque queríamos tener nuestra propia visión".

Surrealistas, tal vez anárquicos conservadores, genios nuevos aunque tengan 80 años de edad, artistas al fin de todo.

El Museo del Origami de Zaragoza pide auxilio

Ya hace unos años que estuve en esta exposición de origami de la que dejo un ejemplo arriba, en su Museo de Zaragoza claro. Es tremendo el trabajo que hacen algunos artistas simplemente con papel, creando formas que asombran en todos sus aspectos.

Son tiempos economicistas, todo tiene que ser rentable. Y sí, entiendo que siempre ha sido así, pero ahora los modelos de rentabilidad son otros y no hay casi espacio para los "casi" ni para los apoyos. 

Pero la rentabilidad de cada "cosa", de cada elemento o decisión, no se mire por una concepto económico del corto plazo, del balance de cada año, de los números que nunca se convierten en dinericos. 

Podemos hacerlo así, es verdad, y equivocarnos. El Arte no permite ese análisis pues por ejemplo obras que se subastan por millones de dólares o de euros, no valen una mierda, excepto que lo pagan y se lo llevan.

Una muestra clara de que esos millones siguen siendo una mierda y no han costado ningún esfuerzo ganarlos. Tampoco esas subastas aguantarían una análisis de rentabilidad economicista.

El Museo del Origami de Zaragoza necesita ayuda, es así de simple. O mejor comentado. Necesita más ayuda de la que desde Zaragoza le damos. Podría cerrar en abril, o lo que es lo mismo, es casi seguro que cerrará en abril de 2024 y se irá a otra parte. O la comprarán los chinos, los coreanos o los árabes ricos. 

Nada sucederá, excepto que en Zaragoza nos quedaremos sin el Museo del Papel o del Origami más importante de Europa. Realmente, tras caer Periferias en Huesca, parece lo inevitable. 

El semanario El Jueves se acaba y se va quedando sin luz

No son buenos tiempos para la calma, para la cultura, para el humor, para leer y comprar lo que leemos. Son tiempos de cambios y como en todos ellos, poco a poco se va muriendo el pasado y todavía no está asentado el futuro, incluso ni el presente. El semanario El Jueves no puede más, tiene que cambiar y lo sabe desde hace tiempo.

La culpa es de los lectores, de nosotros los que compramos de vez en cuando y siempre decimos que es fabuloso. Pero los dinerico solo los soltamos de vez en cuando, claro.

Sucede poco a poco con las revistas de papel, con los periódicos, con los blog, con muy diversas publicaciones, comidas literalmente por otros procesos y sistemas de lectura, de entretenimiento, de consumo informativo o cultural.

Se acaba poco a poco el cine en sala, leemos mucho en digital incluidos los periódicos, sobreviven a duras penas y no todos con las cuotas digitales de abono, y es lo que hay o lo que parece lo mismo: No hay otra.

En el camino del Arte y de la Cultura se van quedando muy buenas ideas, proyectos con muchos años, ideas que irán poco a poco desapareciendo, pero hay que asumir lo inevitable. 

En recuerdo de Antonín Leopold Dvořák

El compositor Antonín Leopold Dvořák es mi preferido sobre todo por su Novena, que la habré escuchado más de un centenar de veces. Toda ella. Caprichos de complicada explicación pero que vienen desde niño cuando escuchaba el programa de radio: "Ustedes son formidables".

Cuando visité su tumba en Praga en el Cementerio del Castillo de Vyšehra, y en donde reposan numerosos escritores o músicos checos, la emoción me produjo una curiosa mezcla de alegría y tristeza. Creo que lo llaman emoción.

En aquel verano del año viejísimo de 2003 estaban reparando la calle que da entrada al cementerio, y em esos impulsos que no siempre tienen explicación pertinente, me traje una piedrita de las que ponían en los nuevos suelos, en los adoquines de entrada.

Todavía está en mi despacho sujetando papeles pendientes. Cosas de la vida y de la muerte. Sus últimas obras, sus sinfonías americanas, dentro de su viva y potente actitud, son relajantes para mi, son como amigas, cosas curiosísimas.

¡¡Vivan la Sinfonía Número 9 en mi menor llamada del Nuevo Mundo y el Concierto para violonchelo en sí menor!!.

Por cierto, de la Novena o Sinfonía del Nuevo Mundo hay decenas y decenas de representaciones diferentes y no todas son iguales, aunque parezcan sonar igual. A mi me gustan sobre todo las clásicas, las alemanas o checas, aunque reconozco que algunas americanas lo han interpretado muy bien. Fíate solo de orquestas o sellas discográficos de calidad y conocidos. ellos no se la juegan y saben que es compleja de interpretar.

No siempre los ladrillos van sobre la pared

Poner la pared sobre la pared - 2023 - Zaragoza

Naturaleza muerta con cabeza de caballo, de Paul Gauguin

Este cuadro de Paul Gauguin se titula Naturaleza muerta con cabeza de caballo o en francés "Nature morte à la tête de cheval", una obra realizada en el año 1886 al óleo sobre lienzo. Ha sido el escritor Rafael Chirbes a través de sus Diarios el que me ha puesto sobre la pista. 

Es una obra que se encuentra en el Museo Artizon de Tokio. Casi puntillista, impresiona por el tema tratado, aunque se asemeje a un ejercicio de formación pictórica, a un estudio para aprender técnicas de pintura.

Diego de Velázquez y su Reina Isabel de Borbón

Sale a subasta en la Sala Sotheby's de New York una obra de Diego de Velázquez que se espera logre un precio récord. Es un retrato de cuerpo entero pintado por Velázquez de la reina Isabel de Borbón, la esposa del rey español Felipe IV, que puede obtener un precio de 35 millones de dólares cuando se subaste en Sotheby's Nueva York en el próximo febrero del año 2024. 

Realizado al óleo sobre lienzo tiene algo más de dos metros de altura, por lo que podríamos decir que representa una imagen a tamaño real de la Reina.

Isabel de Francia e Isabel de Borbón, la reina consorte  de Felipe IV era la hija del monarca francés Enrique IV y representa a Isabel con unos 20 años de edad, con un suntuoso vestido de corte negro. Isabel estaba en el apogeo de sus poderes cuando se sentó para la pintura, una reina muy admirada por su inteligencia y generosidad.

El retrato se hizo por primera vez a finales de la década de 1620, pero Velázquez regresó a él para repintarlo o repasarlo en el año 1631, poco después de conocer al artista flamenco Peter Paul Rubens, quien animó al español a estudiar a los maestros italianos. 

Es probable que Velázquez también quisiera actualizar el vestido con el que se ve a Isabel en la obra; incluso un cambio en el contorno de la falda es visible a simple vista.

Después de su creación, el rey Felipe colgó la pintura en el palacio del Buen Retiro en Madrid, una segunda casa que había construido en el sitio de un monasterio que le encantaba visitar para pasear por su granja adjunta. Se exhibió como colgante, o obra de arte emparejada, con Felipe IV de Velázquez en Negro, ahora en el Museo del Prado de Madrid.

Cuando Napoleón invadió España en 1808, la pintura fue robada de España y llevada a Francia para ser exhibida en una exposición en el recientemente establecido Louvre. Se colgaba en la Galerie Espagnole, o galería española, bajo el reinado de Luis Felipe, el llamado "Rey Citanano" y último rey de Francia antes del reinado de Napoleón III.

A partir de ahí, la pintura se vendió al banquero mercante y conocido coleccionista de libros Henry Huth, quien la colgó en su finca de Wykehurst Park en Inglaterra. La pintura permaneció en la familia hasta que se vendió en 1950 y ha estado en la colección de sus actuales propietarios desde 1978.

¿Cuanto dura un minuto? ¿Cuántos duran todos y cada uno de los minutos?

¿Cuanto dura un minuto? ¿Cuántos duran todos y cada uno de los minutos? 

Puede que 60 segundos, sí, está claro. Pero eso es solo en el contexto tiempo. 

Me explico: un espacio de tiempo puede durar todo lo que nosotros queramos. Podemos olvidarlo nada más que suceda, o recordarlo toda la vida.

Hay personas a las que les basta un minuto para cambiarte el día. 

Un guiño de ojos, una sonrisa, dos palabras, una llamada… algo sencillo pero que cala hondo, y que genera felicidad.

Nunca nos paramos a pensar en esos pequeños detalles que hacen nuestra vida un poco mejor, en lo no tangible. 

Instantes que generan historias.

Porque si algo voy teniendo claro con el tiempo, con la edad, es que hay que quedarse con lo bueno, aunque sea breve. 

Y si eres un poco imaginativo, hacer con ese instante un texto, un poema, unos párrafos, un cuadro…

Porque los minutos no duran sesenta segundos. 

Perduran en la mente de un artista el tiempo que tarda en crear su obra.

Se queda dentro para siempre, para ser leído o admirado y recordado…, tantas veces como quieran.

Tú me dedicas un minuto, un segundo, un instante, y lo transformo en arte para que no caiga en el olvido y sea, si es bueno, eterno.

Laura Puente

¿Blanco y negro o Color? ¿Sirve la misma imagen para ambas decisiones?

Esta obra muy conocida y comercial, titulada “Mujeres en las Ventanas” del fotógrafo americano Ormond Gigli y realizada en el año 1960 en New York nos puede servir como ejemplo para ver aunque sea levemente las posibilidades del color contra el blanco y negro, o del blanco y negro contra el color. 

Estas no son muestras de imágenes de calidad, pero nos sirven para el planteamiento.

Hay bastantes copias de esta obra, algunas incluso se siguen subastando y a precios altos, y en principio fue creada para portada de un libro a color. 

Pero su plasticidad la ha convertido en una imagen más apreciada en blanco y negro, y así y firmada se sigue subastando en las mejores casas de subastas (en el año 2020 en Sotheby's) en impresiones al paladio.

¿Hay obras tomadas para blanco y negro y otras para el color? 

¿Antes de disparar ya debemos saber si queremos que al final la obra sea en blanco y negro o a color?

Las posibilidades hoy para manipular y modificar los colores son casi infinitas, por eso lo normal aunque no sea lo mejor, es disparar en color y luego en el laboratorio decidir. 

¿Con criterios y mirada de fotógrafo en blanco y negro, o como retocador de color?

Buster Keaton sobre un segway hace ahora un siglo

El artista Buster Keaton aparece en esta fotografía del año 1923 ó 1927 montado sobre una especie de Segway de los años viejos. 

¿Pudo alguien en aquellos años imaginar algo así para desplazarse? Pues parece ser que sí. 

Esta escena parece ser de la película "Nuestra Hospitalidad" y aunque figura relizada la fotografía en el año 1927, esta película se hizo en 1923.

En todo caso el fotógrafo y la fotografía estuvieron allí para dejarnos testimonio de un invento ya viejo.

La obra Gaseados de John Singer Sargent

Esta gran obra del artista italiano John Singer Sargent y realizada en el año 1919 representa a una fila de soldados heridos por el gas mostaza en la I Guerra Mundial, ciegos o al menos tapados los ojos tras las explosiones del gas, hasta acudir a un hospital para ser evaluados. Es una obra titulada "Gaseados" de más de seis metros de anchura.

Estamos hablando de dolor, de guerra, de imbecilidad de los humanos. En este caso de Guerra Química, de hombres que pisan cadáveres y de un detalle inhumano al fondo.

Mientras los jóvenes caminan sobre los muertos con el sufrimiento de sus heridas, hay un grupo de jóvenes soldados al fondo jugando al futbol. El ser humano distrae sus dolores con los jeugos, nos auto engañamos para poder sobrevivir. 

La pintura surrealista que no es del todo surrealista

La pintura surrealista no es simplemente todo lo que nos imaginamos sin rascar en su superficie. No todos los que nos creemos surrealistas nos admitirían los viejos surrealistas en sus grupos pues no es lo mismo Pintura Surrealista o arte surrealista que Pintura Fantástica.

El surrealismo es automatismo psíquico como decía en su Primer manifiesto André Bretón. 

Si pintamos obras presuntamente surrealistas pero que son meditadas, bocetadas, ideadas, ya no pueden ser consideradas surrealistas puras. Para ello no debe existir un control sobre lo que nos viene desde la mente a la mano, a los pinceles.

Y si además tenemos en la obra alguna consideración estética, de contrapeso o de encuadre, tampoco será nunca considerada una obra surrealista “de verdad”. 

Para ello y según los primeros cánones todo debe fluir sin control, en el momento, desde el subconsciente.

Así que con no hacer caso a André Bretón y sus Manifiestos se nos pasa bastante el tema y las dudas, sobre todo porque sí se puede pintar surrealismo sin ser surrealista. 

¿Y si eres un surrealista lento que necesita recapacitar lo que le viene de dentro antes de pintarlo o escribirlo?

Si te imaginas un mundo de sueños, si te crees por un momento que eres Freud y te atreves a plasmar tus propios sueños con formas y colores más o menos reales, en ese surrealismo paradójico donde puedes pintar objetos reales en situaciones irreales…, estás entrando en el mundo del super realismo surrealista donde todo puede querer decir una cosa y posiblemente otra más. Es decir al menos dos cosas distintas e incluso a veces contrarias.

En la mezcla está el éxito o el fracaso

Decían los tontos que en la mezcla está el éxito. Y he decidido demostrar que soy más tonto que los tontos. A veces es muy cómodo ser tonto.

Luego he comprendido, posiblemente tarde, que en la mezcla se juntan el éxito o el fracaso. Que eso depende de muchos factores.

Ya era tarde.

Dicen que lo Digital nos ayudará en la Democracia. ¡¡Uff!!

La primera frase sobre lo Digital que me dijeron fue en Alemania, creo que en el año 1992, y representó rotundamente un fracaso para mi oficio. 

Me comentaron en un Feria con la boca llena de Futuro, que lo digital iba a representar la democratización del color. 

Y efectivamente, lo puso al servicio de todo el mundo, y nos despidieron a los que éramos técnicos en color dentro de las Artes Gráficas.

Ahora dicen que lo Digital nos ayudará en la Democracia, pero lo cierto es que vamos avanzando en la Dictadura. 

Tampoco aquí vamos a salir ganando.

Creo que lo Digital tiene algo que ver con "Dedo", con el dedo que todo lo consigue.

Edgar Degas y su "Mujer peinándose"

Edgar Degas pintó esta obra con pinturas pasteles sobre papel en un tamaño de 52 centímetros y sobre el año 1885 a 1886 aproximadamente, titulándose "Mujer peinándose" o "Mujer arreglándose", en donde demuestra una gran maestría en el tratamiento de la figura humana, de sus sombras y luces, copiando las técnicas de Dominique Ingres al que consideraba un maestro.

Degas decía que las formas de las mujeres desnudas, sus brillos y colores reflejaban la luz como si fueran diamantes.

Auguste Renoir y su poco conocida "Niña del látigo"

Esta obra de Pierre Auguste Renoir titulada "Niña con una fusta" también conocida como "Niña del látigo" lo realizó en el año 1885 y se encuentra en el The Hermitage Museum. 

Renoir no era mucho de pintar adultos o personas de mucha edad, prefería una belleza clara en sus composiciones, que fuera limpia, fácil de ver enseguida, y esta es una de esas obras de colores pasteles, con un retrato de cuerpo entero de una niña, en una obra de un metro de altura en óleo sobre lienzo. Una pieza no muy conocida del autor.

La lumbre es lo que queda tras el incendio

Tiempos que arden solos, de mucho calor aunque sea invierno.

Tiempos de insultos y de guerreros ejerciendo lo que saben hacer. 

Tiempos violentos incluso en el color. 

Tiempos que arden solos y se abandonan a los prohibido, saltándose las normas.

¿Tiempos efímeros? Parece que no, que ya duran demasiado. 

Tiempos de ataques, de no querer ver la calma y la tranquilidad y solo el insulto.

Mejor cuanto más duro y bruto, más animal, para destacar sobre todos.

La lumbre es lo que queda tras el incendio. 

Sigue quemando o incluso quema más. 

Y dura mucho más que el fuego vivo.

El artista Gerhard Richter y un expresionismo abstracto

El artista alemán Gerhard Richter que figura como uno de los más importantes de este siglo XXI no es solo un pintor expresionista abstracto, fue muralista de reconocido prestigio en la RDA, profesor de Arte y pintor paisajista en donde ya iba colocando rasgos de lo que finalmente sería su expresionismo más abstracto, y fotógrafo en donde muestra una mezcla de sus ideas pictóricas.

He seleccionado una obra suya del expresionismo abstracto de Gerhard Richter, de esa pintura como de impulsos, desenfocada, titulada "Pintura Abstracta 726 realizada en el año 1990. 

Podría haber elegido una obra más "suya" pero he preferido mostrar lo que en apariencia está ahora más de moda por su facilidad para ser realizada, pinturas de expresión, aleatorias, casuales a veces, casi sin sentido expresivo pero que representan impulsos que parecen surgidos del azar pero que contienen la decidida mano de un artista que busca simplemente hablar con la pintura, aunque sean gritos inentendibles.

Los 13 pintores más importantes del siglo XXI

En la siempre cambiante escena del arte contemporáneo, en donde además del gusto propio y la calidad de las obras de un artista se mezcla el "Mercado" que mueve obras por diversos intereses, hay muchos artistas pictóricos importantes y novedosos que están dejando su huella personal como artistas, en la pintura del siglo XXI.

Podríamos decir que estos son los 13 pintores más importantes del siglo XXI, pero tal vez sin poder asegurar que su posición sea la correcta:

Gerhard Richter

Peter Doig

Cecily Brown

Julie Mehretu

Neo Rauch

Kerry James Marshall

Marlene Dumas

Luc Tuymans

Adrian Ghenie

Michaël Borremans

Raqib Shaw

Chris Ofili

Zhang Xiaogang

He seleccionado una obra de este último como representante del Arte Chino Contemporáneo, Zhang Xiaogang, tal vez por ser el menos conocido y por representar una mezcla de Arte Surrealista y Figurativo, en tonos fríos y apastelados. Esta obra se titula "Bloodline: Big Family No.1"

Vivimos tiempos abstractos sin creer en la abstracción

Manchas y brillos en tiempos de oscuridad para escondidos.

Luces que se encienden y se apagan en tiempos de oscuridad.

Abstracción elegida, para disimular lo que no se quiere mostrar.

Pequeñas mentiras repetidas mil veces para que nos parezcan algo.

"Éramos siete a la mesa", una película con estética viejuna

Este cartel de la película de Florián Rey "Éramos siete a la mesa" es un poco la muestra de la estética viejuna, antigua, lógica casi en los años 40 cuando los sistemas de impresión eran caros y con técnicas y maquinaria todavía sin desarrollar mucho.

"Éramos siete a la mesa" era una película del año 1942 en blanco y negro, una comedia familiar y dramática que reflejaba la familia española de aquellos años, de alguna manera con claras necesidades, una sociedad antigua, religiosa, con muchos jetas entre los que tenían que vivir del engaño, y con el inicio de las mujeres jóvenes intentando buscar un trabajo.

La estética intentaba reflejar el papel de la mujer de aquellos años, nada que ver con el actual, con un patriarcado claramente observador, contemplativo, y eso se refleja en el cartel, impreso a dos colores, para abaratar costes.

Hoy observamos con una sonrisa aquella manera de crear comunicación, arte incluso, pero es que no había más técnicas, más formación en diseño o en Arte, ni por parte de los creadores, pero mucho menos por parte de los espectadores. 

Era una sociedad que salía de un drama nacional, y que observaba el cine —quien lo podía pagar que eran los menos— desde la óptica de intentar ser feliz. La mayoría de los españoles de 1942 no podían aspirar a ser con los protagonistas de esta película.

¿Qué es algo bonito? ¿Qué es para ti lo bonito?

Podríamos preguntarnos qué es para nosotros algo bello, algo bonito? Incluso podríamos pensar si lo que es para nosotros bonito… lo es también para los demás. 

Incluso si nos importa o no lo trae al pairo, nos de igual. Que lo que nos parezca a nosotros hermoso, produzca o no los mismos efectos en los demás. 

La belleza es muy subjetiva. Y tenemos que estar agradecidos de que sea así. La belleza es la suma de muchos detalles bonitos. 

Esta cartel lo encontré en una calle de Madrid. 

En la Jota de Zaragoza, hacer Árboles de Navidad los niños muy mayores

Hay artesanía que es Arte. Hay elementos hechos con Arte que son artesanía. Este Árbol de Navidad está realizado por niños y niñas de 80 años. 

Lo han hecho en un Centro de Día del barrio de La Jota, un Árbol de Navidad cada persona muy adulta de las que acuden todos los días.

Y los mejores los han puesto en la calle para que los vecinos del barrio veamos lo que son capaces de hacer las personas mayores con toda su ilusión.

Es pura alegría mayor, es completa ilusión, son ganas de colaborar con quienes paseamos por la calle, es creerse el futuro de la Navidad pues para una persona mayor el futuro está en cada día, en cada festividad, en cada beso o abrazo que reciben.

Gracias, vecinas y vecinos, por alegrarnos el paseo navideño.

El serrín grueso puede ser basura artística

Las formas de color ocre madera vieja se deslizaban por la pared como si fueran serrines que se hubieran escapado de una madera degollada por la lija gruesa. 

De repente, unas líneas de color más claro aparecieron y cortaron las manchas en pedazos, casi como si fueran un cuchillo afilado. 

Las formas se desvanecieron en el espacio visual, dejando como mirada principal las líneas de color más claro flotando en el espacio de los serrines. 

¿Qué significaba todo esto? 

Nadie lo sabía, pero algunos se quedaron mirando las líneas flotantes, hipnotizados por su belleza misteriosa. 

¿Ya nadie se acuerda de las formas principales?

¿Tiene sentido que este bombero apague un simple fuego?

Uno, al ver esta tremenda imagen se pregunta rápido: ¿Es normal que los bomberos intenten apagar este incendio? Es una imagen de 2014 en Siria, hoy podría ser en Gaza o en Ucrania.

Tras un ataque aéreo de las fuerzas del gobierno de Siria, durante las oraciones en el barrio Sukkari dela ciudad de Alepo, alguien intenta apagar unas llamas que nos da la sensación no lograrán poner peor la zona sobre las que intentan abrirse paso con más tragedia. 

Iban más de 140.000 personas muertas en Siria en algo más de dos años. ¿Alguien sabe para qué?

La imagen es de: Baraa Al-Halabi para AFP

El New York reflejado pero real

Todo se modifica en nuestros ojos, y depende de cómo queramos ver algo…, así será visto. 

Y lo curioso es que lo recordamos como queremos recordarlo. 

Esos recuerdos se van modificando y necesitamos a veces presentarnos otra vez a las miradas de la memoria, aquellas escenas que vimos y cazamos. 

Es muy posible que ya no lo recordemos así, que nos sorprenda la imagen recogida y guardada. 

Somos selectivos en los recuerdos de las miradas.

Eran maderos, fueron maderas, y casi vuelven a ser maderos

Creo que son maderas y no maderos, que es como había titulado esta imagen. 

¿Maderos?

Son dos colores de madera. 

Dos maneras de ser maderas.

Son maderas ya sin uso.

¿Sin uso? ¿pero no estoy intentando colarlas para que las observemos todos?

Tal vez sea este el último servicio que hagan estas… ¿maderas?

Ahora recuerdo por qué los llamé maderos.

Un madero no sirve más que para hacer calor.

Una madera es otra cosa.

Cartel de la película "Los ladrones somos gente honrada"

Aunque el cartel es a todo color, o casi, la película era en blanco y negro. Dirigida por Ignacio Iquino en el año 1942 se basaba en la novela de Enrique Jardiel Poncela "Los ladrones somos gente honrada" de la que se hicieron varias adaptaciones.

En aquellos años la cartelería, la publicidad de las películas y sus carteles o folletos de mano, eran imprescindibles para promocionar una película. Había grandes artistas de este tipo de carteles y promociones, que adaptaban sus diseños al tamaño de las fachadas de los cines en donde se fuera a proyectar la película. 

No era posible la impresión en papel por el elevadísimo coste de imprimir muy pocos carteles en tipografía o litografía y a color.

Este cartel está firmado por José María y se imprimió en litografía.

¿Qué se necesita para mirar al futuro?

Para mirar al futuro no se necesita ni ser joven, ni estar descansando para pensar en lo que hay que alcanzar. Lo imprescindible es tener por detrás algo de pasado, y ver qué deseas alcanzar. 

Y es también bastante necesario, aunque no siempre imprescindible, ponerte en un camino que lleve hacia algún lugar, aunque sea desconocido.

Antonio Saura joven y casi desconocido en sus formas pictóricas

Una obra de un Antonio Saura joven, con 20 años de edad, que realizo en el año 1950 al óleo sobre lienzo, en un surrealismo que parece beber de las formas pictóricas Dalí y de Miró. 

Todavía no había abandonado el color y jugaba con las formas y los espacios. 

Este cuadro lo tituló "El rapto del Ángel".

La Arquitectura es un Arte transformador

Pocas veces hablamos de la arquitectura como una disciplina de Arte, de Artistas, y que cambia la vida de las personas y de los entornos en donde se asientan las grandes obras. 

La Arquitectura la criticamos, casi siempre sin comparar antes, sin saber sus motivaciones que son más amplias que el simple sentido de construir edificios, y nos quedamos con esa crítica sin entrar más allá.

La Arquitectura no solo transforma paisajes urbanos, sino que transforma a las personas que están cerca. Y eso cuesta aceptarlo, querer entenderlo. 

Voy a poner el ejemplo de Zaragoza. Sin buscar respuestas sino solo preguntas.

El recinto de la Expo 2008 transformó dos barrios enteros de Zaragoza. El ACTUR y la Química, o el Polígono Santiago y la Almozara. Con salidas y entradas nuevas  de esos barrios, con comunicaciones o puentes que antes no existían. Pero además movió a personas y las dotó de cambios importantes en sus espacios vitales. 

¿Solo la Expo 2008? No. Aquello fueron tres meses. Lo que queda para años es la Arquitectura urbana. Eso es lo que logra cambiar la vida de las personas de su cercanía.

Mueve economías, precios de mercado inmobiliario, paisajes, zonas de paseo o recreo, miradas, servicios públicos. Zonas verdes y de paseo. Incluso si se me apura, levemente se cambia el clima. Y sin duda se cambia el tejido comercial, incluso el tejido social.

Para bien o para mal, la arquitectura es capaz de cambiar espacios amplios de una ciudad. Tenemos ejemplos como el de Bilbao en donde un solo edificio ha sido capaz de transformar una ciudad.

En contrapartida el error táctico en el aprovechamiento del antiguo Matadero de Zaragoza en los años 80 cuando la ciudad decidió darle un sentido al enorme edificio, e hizo que su aprovechamiento no fuera suficiente para transformar ese barrio de Montemolín, ni tampoco el de Las Fuentes. 

Estuve en las mesas de reflexión para ver qué se podía hacer con aquel inmenso edificio, y por eso sé lo que se quedó en el tintero de las ideas.

La Arquitectura es un Arte transformador. Puede ser un "salto" o simplemente un acompañamiento útil de espacios y edificios. Todos los años, en muchas ciudades grandes, se toman decisiones que pueden cambiar barrios enteros. Casi siempre se termina con una decisión pequeña o barata, sencilla y nada rompedora.

Quien logra ser osado, puede que fracase, pero sin duda transforma la vida de personas de los entornos.

Ajovín

Andrés Rábago y sus Parpadeos sobre el Arte

Andrés Rábago, OPS o El Roto, nos hablaba el otro día en El País sobre el Arte, y como artista no solo de viñetas ni de cuadros, sino también de la vida misma, es interesante algunas reflexiones, guardarlas y leerlas. Ha escrito un libro titulado "Parpadeos" en donde junto a sus dibujos añade más de 700 aforismo de cosecha propia sobre el Arte. Veamos algunas respuestas sobre Arte que transmite en la entrevista que le hacen desde El País.

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P. ¿Qué opina de los críticos de arte?

R. La crítica de arte es muy necesaria para orientar y ayudar al aficionado en un territorio muy enmarañado, aunque quizás no se practica con el debido rigor. No soy crítico de arte, lo que he escrito en este librito sobre algunos artistas tiene un valor puramente subjetivo.

P. ¿Cómo es su proceso creativo?

R. De eso trata casi todo el libro. En los cuadros vas dejando tu huella, los lugares por los que has transitado. El arte tiene un poco de psicoanálisis, de irte observando. También tiene algo de trabajo casi religioso. Tus múltiples errores en la vida te sirven para darte cuenta de tus errores en el arte, de tus debilidades. Para mí es un trabajo introspectivo. Afortunadamente, en la pintura puedes corregir tus errores, volviendo a trabajar sobre tus pinturas anteriores. En la vida es más difícil. La pintura es un arte muy complejo, tiene muchos elementos que hay que dominar. Yo creo en una pintura sosegada, de contenido simbólico, pero creo que no está muy de moda. Un cuadro nunca está terminado, eso lo saben bien todos los pintores. Todo cuadro es una aproximación, y está bien que así sea.

P. La abstracción tampoco parece que le interese demasiado.

R. A mi entender, la abstracción ha tocado fondo hace tiempo, es un territorio sobresaturado. Ya hay suficientes lenguajes en el mundo pictórico. Ahora a ver si encontramos algo que decir con ellos. Quizás sea una manía personal, no me interesan ni Duchamp, ni Warhol, ni Beuys, los tres popes de la modernidad anterior, tres líneas innovadoras que han descarrilado. Pero no hago dogma, son leves comentarios. Siempre ha habido pintores sobrevalorados que con el tiempo han sido luego llevados a su lugar. Lo difícil o quizás imposible es saber de inmediato quién va a quedar y quién no.

La libertad es siempre muy relativa. Depende de nosotros

Dentro de la caja estarían asustados, pero la verdad es que estaban libres aunque ellos no se dieran cuenta.

La libertad es siempre muy relativa, para que exista de verdad, la tenemos que sentir, notar, disfrutar.

Si creemos que estamos atrapados sin libertad, efectivamente, no tenemos libertad, aunque estemos libres.

La técnica veneciana en las obras de Arte del siglo XVI y XVII

De esta obra habla El País con un texto realmente muy interesante sobre las formas que se utilizaban para pitar obras muy grandes de tamaño y en un tiempo más rápido, ante el aumento de pedidos que tenían los talleres de pintura en el siglo XVI y XVII. Es lo que se conoce como "Técnica Veneciana".

Esta obra se titula "Mercurio y Argos" de Pedro Pablo Rubens hecha entre 1636 y 1638 con estas técnicas que entonces eran totalmente novedosas. Es un cuadro de unos tres metros de anchura, de los que muchas veces recibían como encargo de las Casas Reales que hicieran un centenar en pocos meses, algo que era totalmente imposible.

En esta obra se representa el momento en el que el dios Mercurio levanta con su brazo derecho una espada, que dirige hacia el cuello de Argos, el pastor de cien ojos encargado de vigilar la vaca en que había sido convertida la ninfa Io por Juno, para alejarla del acoso de Júpiter, su marido. Era una obra para decorar una pared de la Torre de la Parada que era un pabellón de caza de Felipe IV.

Tal y como dice El País, escrito por Vicente G. Olaya las grandes fortunas o poderes de aquellos siglos encargaban obras de gran tamaño y se relata como en el año 1638 el Rey Felipe IV hace un encargo a Rubens de 120 obras de gran tamaño para diversos palacios, y aunque tuvieran taller con decenas de operarios, era imposible con las técnicas que utilizaban realizar esos pedidos. 

Hablamos que con los sistemas de pintura que había (un artista por obra y solo hacía eso), un cuadro de esas dimensiones podía tardarse hasta seis años en terminarlo.

La llamada “técnica veneciana” era un nuevo método de trabajo casi en cadena, dicen que inventada por Tiziano,  que reducía espectacularmente el tiempo de elaboración de una pieza y en menos de un año podía estar terminado un cuadro para el que se hubiera necesitado cinco años hacerlo con las técnicas anteriores. 

No solo la obra pasaba por diversas manos para hacer los fondos, las telas y ropas y finalmente los detalles, las luces y sombras, sino que ademas se daba más importancia a las manchas de color y su sensación lumínica por delante de las formas y detalles, que eran las técnicas que utilizaban los artistas antes del desarrollo de este método.

Los flamencos, por ejemplo, pintaban milímetro a milímetro, pero con el nuevo sistema de “técnica veneciana” se empezó a hacer por capas de color, comenzando por un fondo oscuro que resaltaba las tonalidades de los siguientes estratos superpuestos.

Se trabajaban mucho mejor las texturas, pero a su vez las transparencias con nuevos modelos de colores y pinturas que permitían trabajar por capas de forma mucho más efectiva.

Tras preparar el bastidor con diversas técnicas de tratamiento a las telas o las maderas, se dibujará muy levemente sobre la base los personajes y se comenzaba haciendo imprimaciones o manchas de color, además de un bosquejo de los volúmenes. 

Se iban dando diferentes capas de color bastante transparentes y los últimos realces en determinadas partes de la pintura. Finalmente se terminaba añadiendo los detalles en donde ya solo participaban los maestros de cada taller. El proceso acababa con el barnizado de la obra tras su secada profundo.

La Crucifixión, del pintor aragonés Martín Bernat

Ha salido a subasta en Sotheby's una Crucifixión del pintor gótico aragonés Martín Bernat a un recio muy bajo. En realidad es de su taller del siglo XV y hay dudas de si es de su mano o de alguno de sus ayudantes, pues en realidad hay al menos cuatro obras muy similares. 

Os dejo (abajo) en peor calidad la que ahora se está subastando y en calidad mejor (arriba) una obra con el mismo título, tamaño y autor que está en el Museo de Arte de San Diego.

Martín Bernat tuvo taller en Zaragoza en donde trabajó con su socio Bartolomé Bermejo y varios discípulos. Todas sus obras son al óleo sobre madera de pino y sobre todo es reconocido por lo bien que trataba las telas de las vestimentas con detalles y volúmenes muy naturales.

En todos los casos eran obras de aproximadamente un metro y medio de altura, destinadas a capillas privadas o públicas en iglesias casi siempre de diócesis aragonesas.

Calderote o Batalla de Villar de los Navarros pintada por Ferrer Dalmau

Esta obra pintada en 1998 se titula Calderote o Batalla de Villar de los Navarros, que se produjo en el año de 1837, y refleja una de las batallas de la Primera Guerra Carlista. 

Lo pintó Ferrer Dalmau, un artista catalán realista que se ha dedicado siempre a pintar batallas, uniformes militares y escenas de la Historia de España.

La batalla de Villar de los Navarros fue un enfrentamiento entre carlistas y liberales durante la Primera Guerra Carlista enmarcada en la Expedición Real. El triunfo permitió a los carlistas avanzar sobre Madrid. La batalla hizo creer a los legitimistas en las posibilidades de éxito de la Expedición Real, y por tanto, la victoria en la guerra.

El pretendienta al trono, Carlos María Isidro había organizado la Expedición Real para tomar Madrid y destronar a Isabel II, que contaba con siete años. El 15 de mayo de 1837 el pretendiente salió de Estella con 11.000 infantes y 1200 jinetes. El día 23 de agosto de 1837 llegaron a Villar de los Navarros (Zaragoza) esos 12.500 carlistas, que derrotaron a los soldados de la niña reina Isabel II.

Los más de 2.000 prisioneros fueron trasladados andando hasta zonas más al Sur, casi sin darles de comer lo que según cuentan algunos oficiales de la época produjo escenas de canibalismo de los prisioneros con sus compañeros que se iban muriendo por el camino.

Fue una Guerra Civil entre españoles enfrentados por dos pretendientes a la Corona. Se dice que en esa guerra murieron más de 100.000 soldados, pero no está nada claro el número de civiles que se mataron entre ellos y se estima según las distintas fuentes que fueron ente 100.000 y 500.000 civiles en una guerra que duró casi siete años.

Todavía en el año 2023 se han podido ver banderas carlistas en manifestaciones recientes contra la sede del PSOE en Madrid. La inmensa mayoría de españoles no saben ni qué significó, ni que representó una Guerra Civil muy sangrienta y larga.