Algunos colores del Mercado de la Boquería

El color es vida, es lo que ayuda a distinguir las formas. Pasear por el mercado de la Boquería de Barcelona es descubrir mundos, colores y olores, gustos y secretos que no siempre son fáciles de conocer. 

Parte de ellos se repiten, pero siempre van surgiendo otros nuevos, que invitan a seguir paseando cada vez que te acercas a las Ramblas. 

Los buenos mercados están de moda en Madrid y Barcelona y deberíamos tomar buena cuenta desde el resto de grandes ciudades. Mercados 2.0 o neomercados. 

No están muertos los mercados, solo lo están “algunos” mercadillos.

Expléndido "El Descendimiento de la Cruz" de Roger van der Weyden

Todos tenemos una obra o varias obras de Arte que son nuestras favoritas por diversos motivos. El cuadro “El Descendimiento” del pintor Roger van der Weyden y que se puede ver en el Museo del Prado,  es un ejemplo de obra pictórica que sorprende en la primera mirada, que te atrapa nada más entrar en la sala en donde está depositado y expuesto. Se realizó sobre 1435 al óleo. 

Es una obra grande, pintada sobre madera, de casi tres metros de ancha, en donde nos muestra el momento en que ya cadáver, se desciende a Cristo de la Cruz, en presencia la Virgen, de San Juan y de una de las santas mujeres que les acompañan. 

José de Arimatea, Nicodemo y un ayudante desconocido son los que bajan a Cristo yacente hasta el suelo.

Al entrar en la sala en donde está la obra surge le primera duda, nada más verlo de lejos. 

¿Es una escultura enmarcada o un cuadro pintado casi en 3D? 

El juego de sombras, la maestría en lograr un efecto de luz como si se tratara de una imagen real, sorprende.

Este cuadro en relieve, pintado plano pero logrando un efecto visual sorprendente, juega con el espacio limitado aunque grande para mostrarnos imágenes de tamaño casi real, en donde vuelven a sorprender los rostros, las gestos, las miradas, las posiciones de todos ellos formando figuras geométricas que nos obligan a mirar de una manera determinada el conjunto.

Simplemente hay que admirarlo y dejarse llevar por la realidad de la obra y de un trabajo excepcional de Roger van der Weyden. Las lágrimas de las mujeres son de una expresión tremenda y una técnica maravillosa.

A veces es posible sumar un sí a un no

 Las dudas ofenden. 

A veces.

¿Si o no?

¿Y si sí y no?

A veces es posible.

"Trovador callejero. Visita del músico" del pintor Joaquín Sorolla

La obra "Trovador callejero. Visita del músico" del pintor Joaquín Sorolla y pintada en 1894, ha sido adquirida por el Estado español en una subasta, por el precio de salida de 300.000 euros por el derecho de tanteo que existe en este tipo de obras.

Un excelente ejemplo que irá a completar la colección del artista en su propio Museo Sorolla de Madrid, en donde podremos contemplar una obra de juventud de la Valencia rural en donde vemos a una familia realizando las labores de casa, en un hogar posiblemente costero.

Liubov Popova y sus cubismos casi arquitectónicos

La artista Liubov Popova fue una artista rusa, de Ivánovskoie que trabajó entre el siglo XIX y el XX, y que en los periodos revolucionarios de su país creó escuela vanguardista junto a otras mujeres de su país. 

Liubov Popova trabajó sobre todo composiciones arquitectónicas dentro de un cubismo futurista, donde juega con formas de colores, con líneas que rompen la mirada de la obra, con colores potentes rodeados de otros tonos más fríos. 

También se incluyen entre sus obras cuadros de figuras humanas, de bodegones o de desnudos. Este cuadro lo pintó en el año 1918 y se titula “Arquitectura pictórica”.

Un soldado ruso en Ucrania. ¿Esto es de humanos?

Esta imagen la ha publicado Time, la revista americana que trabaja bastante bien la realidad del mundo, aunque nos produzca dolor. Esta fotografía es del corresponsal Tyler Hicks para New York Times.

Muestra los restos de un soldado ruso en Ucrania tras ser aplastado por diversas maquinarias de guerra, es Donetsk al sur de Ucrania en este septiembre, en donde casi en silencio se sigue matando y muriendo desde ambos bandos.

Era un ser humano, destrozado por otros seres humanos. O eso creemos.

Retablo reflejando La Pasión de Cristo del siglo XVI

Esta imagen es parte de un retablo reflejando La Pasión de Cristo, del año 1530 que estuvo hasta la desamortización de Mendizábal en el Monasterio de Nuestra Señora de la Mejorada en Olmedo, Valladolid. 

Está realizado en madera de nogal, refleja de manera muy detallada una escena de la Pasión, con la Virgen y San Juan sujetando el cuerpo ya inerte de Jesús. Hay al menos otra mujer y varios hombres que observan la escena con caras tristes y doloridas. 

El escultor parece ser que era un fraile del mismo convento que en sus talleres y basándose en imágenes impresas, iban realizando una serie de tablas esculpidas en relieve tallado que ensamblaban hasta formar los retablos, en un trabajo que hoy vemos muy complicado de realizar con los medios de aquellos años. 

Es de la escuela de Flandes, posible procedencia del fraile que realizó este trabajo.

Una flor con colores peleones y potentes

Hay que contemplar un poco la naturaleza cercana, los parques, los paseos o incluso las macetas del balcón.  Son nuestras compañeras de viaje natural, vital. Nacimos de la misma explosión.

Estamos ya entrando en los periodos de fríos contenidos y las flores siguen queriendo demostrar que los colores, incluso potentes y oscuros, nos acompañan para motivarnos.

Un rojo pasión es eso, un rojo a punto de explotar, de advertirnos que tenemos que poner energía incluso cuando menos creemos que la tenemos dentro. 

Si nos sentimos débiles hay que transformarse, disfrazarse si fuera necesario, y salir a conquistar el color y la alegría. 

Nadie dijo que ser flor con colores peleones sea fácil, pero es interesante.

"Ejecución con muchacho" del pintor polaco Andrzej Wróblewski

En el año 1949, al óleo, pintó el artista polaco Andrzej Wróblewski esta obra que tituló: "Ejecución con muchacho" en esas referencias muy trágicas de las guerras recién terminadas. Era un joven Andrzej Wróblewski que con 22 años tenía un futuro como artista muy contundente que se vio truncado en el año 1957 por un accidente de montaña.

Su principal idea en los pocos años en los que pudo crear obras fue no olvidarse de los desastres de las violencias, de las guerras. Deseaba transmitir las emociones que se sentían a la hora de analizar las violencias dramáticas de aquellos años.

Quería mostrar el vacío en las decisiones que acababan no ya con la vida de las personas fallecidas, sino con las de sus entornos, sus familias o sus espacios vitales cercanos. 

Fue crítico de Arte y profesor universitario y su prematura muerte nos dejó sin sus miradas posteriores para seguir analizando el mundo que fue creciendo y desarrollándose desde el Centro de Europa.

Mirando estas imágenes… me entraron dudas

¿Podríamos fugarnos con seguridad… si sabemos el punto de fuga al que dirigirnos? 

¿Se pueden fugar las imágenes… sin decirnos a dónde van? 

¿Si no vemos el final del túnel… estamos seguros que es un túnel y no un tubo sin salida?

¿Merece la ocasión hacerse preguntas… en estos tiempos que nos presionan por todo?

El Silencio. Una obra de Juana Francés muy expresiva

El Silencio - Juana Francés - 1953

Agustín Ibarrola se escapa al bosque de Oma

El pintor, grabador y sobre todo escultor Agustín Ibarrola ha dejado estas tierras para irse a seguir planteando reflexiones como polvo de su tierra vasca. Implicado con su sociedad desde el Arte, deja el vacío de la osadía, de la verdad y del compromiso democrático a favor de la convivencia.

Formó parte del grupo de grabadores de Estampa Popular y ya en 1962 dejó constancia en sus carnes que las ideas le llevaban a la cárcel por ser del PC, y aunque siguió pintando y dibujando, sus trabajos no podían llevar su nombre.

Participó en diversos eventos artísticos como los Encuentros de Arte de Pamplona de 1972 o la Bienal de Venecia de 1976, sufrió en Mayo de 1975 la extrema derecha cuando esta le incendió su caserío-estudio, situado en Gametxo y con posterioridad fue ETA quien le amenazó de muerte en ese juego violento de que los extremos se tocan.

Esta xilografía sobre papel la hizo entre 1975 y 1980, al inicio de la transición española y leva el título de "Paisajes de Euskadi" recordando la represión de la policía franquista en los primeros años de la pre Democracia, en la Transición.

El Cielo está arriba. Y el Infierno dentro

En los lugares religiosos es obligado alzar la mirada, buscar las luces que se dirigen hacia arriba, mirando al cielo. Nos han enseñado que los Dioses, si existen, están arriba.

Nos dicen que los Demonios están dentro de la Tierra, en el núcleo caliente de la magma. Y la salvación está en los Cielos, arriba, en los azules y no en los rojos.

Somos tan poca cosa en el Universo, y no me refiero a nosotros sino a la Tierra, que pensar en arriba o abajo es una idiotez. 

Pero seguimos convencidos de que al entrar en un lugar Sagrado hay que mirar arriba, para buscar las soluciones. Nunca no han dicho que las soluciones están dentro, ni fuera, no arriba, no en la inmensidad del Universo.

Art Street sí, sin duda. Pero los tontos que firman son eso

No es habitual que yo publiqué aquí simples firmas y manchas graffiteras. Son los torpes de la calle que hacen un mal favor al Arte y al resto de artistas que hacer Art Street. 

Es de tal calidad la inmensa mayoría de los murales urbanos que hay en todo el mundo, que con mostrar su trabajo ya es suficiente para demostrar su calidad. 

En contra de esa otra mayoría (pocos pero que cunden mucho) que tan sólo sirven para marchar paredes.

En este caso esta palabra pintada sobre una persiana metálica tiene “su aquel”; el diseño está bien logrado, la firma representa artísticamente algo más que unas manchas. ¿Pero es suficiente?

La he publicado como muestra del lugar más bajo a donde deberíamos consentir el grafiti con respeto, que por otra parte, es muchas de sus representaciones, es fabuloso y pasa a ser sin duda Art Street con mayúsculas.

No seáis torpes, pues entre manchar y decir algo interesante no hay tanta distancia mental.

Detalles de unas sombras preocupadas

De entrada diríamos que es Logroño, para que nadie se preocupe. No es el Fin del Mundo, ni son personajes de otro planeta lejano. Están para decorar.

Esta mezcla de arte moderno, arte contemporáneo por partida doble, sobre una pared que además de antigua está rota, ofrece un resultado maravilloso para contemplar y conservar. 

Esto no debería ser arte efímero, debería incluso traspasar la calle, el art street clásico, para convertirse en arte museístico. 

Mueve sensaciones, es ARTE con mayúsculas, en una calle del casco viejo de Logroño.

Arte Urbano, que refleja el New Art contemplativo que motiva. Pero lo curioso de esto es que nunca llegará a conservarse.

Monstruo portugués del Palacio da Pena de Sintra

En la ciudad portuguesa de Sintra se encuentra el Palacio da Pena, declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco, siendo uno de los símbolos del Portugal monárquico pues durante el siglo XIX vivió en él la familia real.

Vivir en un Palacio con un bicho como este sujetando la balconada, es como poco un ejemplo del tipo de personajes que vivían dentro. Saber que debajo de tu dormitorio o de tu despacho, tienes a un tipo de piedra que estas miradas, incluso si es para asustar a los que vengan a visitarte, deja un detalle de tu personalidad, como poco curioso.

Aquí vemos una figura en relieve de un ser medio pez medio hombre, saliendo de una concha, con una cabeza cubierta por cabellos que se convierten en un tronco de parra, y cuyas ramas están sujetadas por los brazos del personaje. 

A modo de monstruo o demonio y con una fortaleza a prueba de problemas, está sujetando una de la ventanas balconadas del palacio. Un ejemplo del estilo romántico del momento.

¿Cómo creen que son los artistas? Sarcasmo diminuto

Vamos casi siempre al artista como a un tipo raro, joven, con barbas, a veces desaliñado y vestido a la última moda, capaz de hablar hasta no entenderle, ligón y bohemio, que vive de la casualidad pero con otro trabajo y al que engañan con facilidad pues en realidad, si es un buen artista, están todos esperando a que se muera para que sus obras suban de precio y así hacerse ricos. Los otros son los que esperan.

Pero todo eso es mentira. Un artista es una persona que hace lo que le gusta, es decir lo que le sale de sus ganas interiores, sin analizar mucho lo que crea, pues ya está convencido de que cuanto más desde dentro le salga… mejor. Y al que le gusta mucho viajar para conocer lo que hacen otros y así aprender a copiarlos. 

Todo está dicho, todo está inventado. Pero todo se puede modificar y mejorar, dando paso a cosas nuevas.

Creemos equivocadamente que un artista es persona que se alimenta de los canapés de las inauguraciones, bebe hasta la saciedad pero siempre de noche, se ducha poco y no se corta las uñas nunca. Viste de oscuro o de mucho color, lleva sandalias y no fuma tabaco. De lo otro sí.

Así que si eres mujer, te duchas, te gustan las lentejas con verduras y eres más bien tímida a la hora de estar con gente, no te hagas artista. No parecerás encajar. Nadie te creerá, según la mayoría torpe.

La realidad es otra y más triste. Nos importa un huevo lo que quieras crear si eres artista ahora mismo. Es verdad que tendrás la suerte añadida de que si te mueres iremos muy pocos a tu entierro, pues ninguno nos haremos rico vendiendo tus despojos. 

La vida es de las apariencias, aunque lo neguemos. Hay que crear apariencias para disimular detrás de ellas. Nada como vivir en un puro teatro donde tú seas el guionista. Y a ser posible, el que cobra la entradas.

El fotógrafo puede modificar una fotografía para expresarse mejor

En la fotografía, como en todas las formas artísticas de expresión, existe un pacto no escrito entre el creador y los espectadores, aceptado por ambas partes: se va a contar una mentira. 

Sí, el autor se embarcará en la creación, construcción y sí, mentirá, porque antes de su intervención y mirada, no existe nada tal y como nos lo muestra el autor. 

Nada existe antes de escribir, rodar una escena de cine, representar una obra de teatro, o antes de pintar sobre un lienzo. 

En el ámbito fotográfico, donde a menudo nos cuesta entender esto, tampoco hay nada antes de que el fotógrafo intervenga y nos muestre una escena. Es el artista quien crea todo: el ambiente, la luz, los objetos, la mirada, los elementos y la historia. El encuadre y su punto de vista sobre todo.

El fotógrafo elige qué quiere fotografiar, su posición en relación con la escena, el objetivo y, en muchas ocasiones, la iluminación. 

Luego, en el procesado, ya sea digital o analógico, vuelve a elegir el encuadre, el revelado y la intensidad en sombras, luces y color. Esto, sin mencionar las numerosas posibilidades que, hoy en día, tenemos digitalmente para retocar. 

Incluso en la era analógica, contábamos con algunas opciones gracias a la química, el aliento, las manos y las sombras que generaban reservas fluidas.

Quien piense que el creador simplemente refleja lo que ve (en ese momento, sin emplear la imaginación) se equivoca. 

Un fotógrafo de 1,65 metros no ve lo mismo que uno de 1,83 metros. Tampoco lo ve igual con un objetivo de 24 mm que con un teleobjetivo de 400 mm. 

Ni lo ve igual él, ni lo verás tú al observar su trabajo. 

Sin embargo, es el fotógrafo quien elige la marca de la cámara, la sensibilidad y el modo de disparo, así como todo el trabajo posterior hasta que veas la imagen terminada. 

Si los carteles en el fondo molestan para contar la historia que desea transmitir, debe quitarlos y arriesgarse con su decisión. 

Los escritores corrigen extensamente, los directores de cine añaden numerosos efectos, los pintores mezclan técnicas y borran mucho. 

Entonces, ¿por qué los fotógrafos no podrían modificar y recrear lo que solo ellos ven, para mostrar lo que quieren que veáis vosotros?

No se puede soñar, si antes no has cerrado los ojos

       No es posible soñar si antes no te has dormido por dentro.

Para soñar tienes que cerrar los ojos, aunque estés despierto.

Tienes que mirarte por dentro, y encontrarte las luces y las salidas.

                       

Aunque a veces parezca que estás muy despierto para que los demás no te vean abstraído.

Soñar es viajar, es amarte, es querer, es lograrlo, es al menos intertarlo.

                                                          Soñar despierto es muy necesario.

Soy un anónimo cualquiera, mirando lo que nos rodea

Soy un cazador de momentos felices, de sensaciones curiosas, de imágenes exclusivas, de miradas nuevas, de colores diferentes. 

Soy un tipo con la suerte justa para seguir disfrutando de lo no habitual, para tomar nota del pensamiento ajeno y atraparlo para entenderlo. 

Soy un escalador de paredes horizontales fáciles, que anda a gatas por la vida para ver todo más grande. 

Soy lo que cualquiera puede ser, pero con el toque justo de inocencia para saber disfrutar de lo diferente o para encontrarlo entre tanta banalidad y repetición.

No me gusta la incapacidad tal vez por ser yo mismo un incapaz. 

No llevo bien el sufrimiento ajeno, pues cuando yo lo he sufrido, entendía que con muy poco se podía resolver.

Nunca los tiempos han sido fáciles, pero gran parte de la dificultad nos la inventamos nosotros.

¿Qué es (el) Arte? ¿Qué es el NO Arte? No haré Arte aburrido

John Baldessari, pionero del arte conceptual, compartió su perspectiva única en una exposición antológica en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona. En su enfoque, propuso la idea audaz de que todo y nada es arte, destacando que "arte es aquello que dicen que es arte… los propios artistas" (E. H. Gombrich).

A sus 81 años, Baldessari ha desafiado la dicotomía entre arte y no arte, buscando liberarse de las restricciones impuestas a los artistas.

En la era post-ilustración, los artistas fueron venerados como "creadores", pero Baldessari, cansado de esta noción, buscó convertirse en un "no-artista". 

Esta postura desafía la percepción tradicional del artista como un ser excepcional y elegido. Baldessari, y otros artistas contemporáneos, abogan por ser tratados como trabajadores más, alejándose de la idea romántica del artista divino.

En la actualidad, el arte sigue siendo vibrante y diverso. Aunque los templos artísticos han sido radicalmente cuestionados, el panorama actual presenta una variedad de obras que van desde lo enrevesado hasta lo banal, transformando la tarea del artista en una experiencia recreativa y alejándola de su antigua misión teológica y trascendental.

Este cambio radical en la percepción del arte, marcado por la quema simbólica de los templos artísticos, ha generado una transformación profunda en la naturaleza de la creación artística. Las obras contemporáneas, ya sea que se consideren buenas o malas, complejas o banas, han abrazado el mundo del entretenimiento audiovisual.

El arte ya no está confinado a los límites de los templos sagrados, sino que se ha convertido en una expresión libre y accesible. Los artistas, una vez vistos como gurús sagrados, ahora han liberado su tarea de la pesada carga trascendental y teológica de la creatividad. Este nuevo paradigma ha propulsado al arte hacia un universo soleado de lo recreativo.

Así, mientras el espectáculo artístico continúa sin decaer, la definición y experiencia del arte han evolucionado. El público ahora tiene la libertad de disfrutar, reír, sufrir o simplemente pasar el rato con obras que van más allá de las antiguas distinciones entre lo culto y lo inculto, lo verdadero y lo falso, adentrándose en un territorio donde la creatividad se celebra en todas sus formas.

Hace tiempo que la radical quema de los templos artísticos, como hizo Baldessari con su obra anterior a 1970, los ha convertido en montones de ceniza. Lo que llegó posteriormente, lo que se encuentra en la actualidad, bueno o malo, enrevesado o banal, no es sino entretenimiento audiovisual. Los artistas han dejado de ser los sagrados gurús y su tarea, liberada de la tremenda, trascendente y teologal misión de lo creativo, ha logrado, por fin, el soleado universo de lo recreativo.

Una ventana que solo servía para mirar sin ser visto

Podría ser un edificio del casco urbano de la localidad de Luna, en las Cinco Villas del Aragón más agrícola.

Pero no estoy seguro de que la ventana con flores, la que se veía en el edificio con grandes piedras románicas…, fuera de este pueblo aragonés.

Iba con buenos amigos, íbamos a ver la Virgen de Monlora, era un día de invierno primaveral con ganas de andar por ese Aragón bastante desconocido.

La ventana solo servía para mirar, pero no para ser visto. 

Estaba muy alta aunque no lo parezca.

La luz forma las formas. Crea lo que vemos

La luz es la que realmente crea lo que vemos. En este aso además, es que sale de su escondite interno de esta flor. 

La flor no se conforma llamando la atención con sus morados potentes, no quiere quedarse en unos magentas atrayentes, quiere también meternos en busca de la luz blanca, de la salida, del final del túnel. 

Dentro de ella le espera la vida, la multiplicación de la especie, la fecundación de la flor, la muerte también. 

Está abierta a la vida y a la muerte. 

Sobre todo a entregar su propia luz.

Fotografía en bruto, fotografía manipulada o rectificada

Los fotógrafos, a veces, solemos ser ligeros manipuladores de la realidad. No todos pero si muchos. Vemos lo que muchos no ven, pero lo vemos en un ambiente, rodeada la imagen final de muchos elementos que sobran, que nos estorban, que distraen al que no está atento.

Y es entonces cuando los fotógrafos enmarcamos en el menor de los casos de manipulación, restando elementos, eligiendo y potenciando aquello que nos interesa mostrar.

Otros terminamos de manipular la imagen en casa, hoy con programas informáticos pero antes con filtros o con manipulaciones a la hora de positivar. Todo sirve para terminar de contar la historia como deseamos.

Una fotografía es una historia. Pequeña o grande pero como mínimo un mensaje, una ilusión, una obra elegida, un final. Es también luz y color, pero sobre todo encuadre. 

Saber cortar y elegir, separar y evitar que salga, buscar el lugar y la posición de la cámara, la cantidad y calidad de luz, el mensaje final, es el fondo de muchas fotografías. 

Motivar al lector es lo que hace un escritor. Lo mismo que intentamos los fotógrafos. Hacer pensar o sonreír. Expresar emociones. Y quitar basuras que no dicen casi nada, o dicen lo que no queremos que se lea.

La vieja puerta de los dos clavos de más o de menos

Tras los cuatro clavos miré a mi derecha y vi otra puerta con dos clavos más. 

O dos clavos menos.

La madera ajada indicaba la edad. 

Mucha. 

El óxido la edad. 

Mucha. 

Las arrugas de la madera la edad. 

Todavía más.

Los restos de diversas pinturas eran los intentos por rejuvenecer la puerta hasta abandonarla del todo.

Pero había una pequeña abertura por la que se veía la luz. 

¿Sería el futuro?

Para poder moverse, unas piedras tenían que ganar donde otras perdían

Las piedras de río, casi siempre llenas de agua, y esta vez se sentían no solo secas sino también ásperas, abruptamente insociables y broncas con sus vecinas de orilla. 

Eran insociables pues dependían del agua para seguir viajando y solo algunas lo conseguirían a costa de tener buena posición de partida. 

Si quedaban planas no lograrían moverse, si repuntaban sus laterales podrían correr con el agua en busca de los destinos nuevos. 

Rodaban solo si lograban la suerte de estar en buena posición. 

Para ganar, otras tienen que perder.

Lo importante nunca es el camino, sino la meta

Siempre nos lo han dicho, lo importante no es el camino, sino la meta.

Si hubiera sido pequeño de estatura no se me hubiera visto entre tanta hierba alta que rodeaba aquel camino. 

Pero mi altura me delataba y sobresalí desde el camino buscando la salida, intentando simplemente escapar de allí para buscar una dirección recta, un lugar en donde no tuviera que estar tan pendiente del camino y más de la meta.