Impresionismo parisino en Manuel de Gracia

No todos los pintores logran hacerse muy famosos para el gran público por sus trabajos, y posiblemente el caso del toledano Manuel de Gracia sea uno de ellos, aun con su gran obra y su excelente trabajo paisajístico, diferente en colores, en planteamientos pictóricos. 

Iniciado en el Arte en el seminario de Toledo, lo abandona a los 16 años, dedicándose desde entonces de lleno a la pintura, aunque ayuda a su padre, que es albañil en sus trabajo así como en un almacén de madera sin dejar ya nunca de seguir pintando.

A los diecinueve años viaja a Madrid, y para subsistir trabaja como pintor de paredes, mientras asiste a las clases del Círculo de Bellas Artes.

Tras una etapa compleja, Manuel de Gracia realiza su primer viaje a París, donde reside durante algún tiempo, regresando a España a principios de 1963, teniendo que trabajar en la realización de cartelones de cine durante nueve años, aunque esto no le impide exponer por primera vez en la sala Toisón, y más tarde expone individualmente en la galería Eureka en Valladolid y en Santander.

En 1973 es galardonado con el Premio de África y recibe una Pensión para viajar al Sáhara, donde reside y tras un largo viaje por Holanda, Bélgica y Francia, su pintura se deja ganar por el impresionismo, que el pintor cultiva con especial talento. 

Desde 1975 hasta hoy ha llevado a cabo numerosas exposiciones en distintas ciudades españolas, con especial presencia en el País Vasco y en Madrid, además de participar en importantes muestras colectivas en Estados Unidos, Suiza, Francia, Austria, Malta, etc.

Su obra, fundamentalmente dedicada al paisaje, alcanza una serena belleza, tras la que se esconde un profundo dominio técnico y una exquisita sensibilidad. Sus obras nos llevan al impresionismo parisino, a los cuadros muy trabajados con pinceladas que van configurando una gran obra de forma lenta pero totalmente clara y segura.

Vaggelis Choursoglou (Woozy): Explorando las Culturas a Través del Arte Urbano en Grecia

Vaggelis Choursoglou, conocido como Woozy, es un artista griego cuyas obras en las calles nos hablan sobre culturas, colores y las diversas formas en que las personas se relacionan en la sociedad, con sus sociedades. 

Su arte refleja cómo nos vinculamos con nuestros entornos y destaca la trascendencia del expresionismo al intentar abordar ideas y conceptos complejos pero ya adaptados para todo el mundo que pase a su vera.

Sus obras a menudo parecen historias rituales, transportándonos a épocas pasadas, a tiempos primitivos, ya que en la mayoría de los casos, las expresiones y necesidades humanas y sociales siguen siendo universalmente similares.

El Arte Urbano se presenta como una forma accesible y expansiva de expresar ideas y conceptos personales. Actúa como un puente para acercar el Arte Contemporáneo a la sociedad en general, llevando esta forma de expresión a miles de personas que quizás nunca han visitado un museo o galería de arte. 

Es acercar el Arte Contemporáneo a la sociedad, abrirlo y repartirlo.

Altar de los Arcángeles con un San Miguel atacando al dragón de cinco cabezas

Lo que vemos es un altar románico denominado "Altar de los Arcángeles", una mesa pintada en el siglo XIII por un artista anónimo aunque se le conozca con el nombre de Maestro de San Pablo Casserres.

Es arte románico excelente, del que se duda de si es catalán, aragonés o navarro, que los técnicos apuntan más a una obra de algún taller catalán. Tampoco queda clara que sea un retablo de madera pintada para ser decoración de un Altar, pues podría ser parte de un retablo.

De las cuatro piezas de esta tabla, tres de ellas se dedican a San Miguel, que era considerado el Jefe de los Ejércitos de Dios o dicho de otro modo, el enviado militar de Dios en sus relaciones con los Hombres.

San Miguel no era Ángel sino Arcángel, que es un rango inferior. Eran por decirlo de alguna manera los que guiaban a las almas, las tasaban, y las acompañaban al cielo o las tiraban a los infiernos.

Tres de las cuatro zonas de la obra se dedican a San Miguel. Arriba a la derecha venciendo al dragón, y abajo a la izquierda pesando almas junto al demonio negro, y a la derecha lo podemos vr en uno de sus milagros, en el monte Gargano de Italia en donde un ganadero intenta bajar un buey que se le había escapado a una montaña y le dispara una flecha para herirle pero esa flecha se le da media vuelta y se le calva en el ojo.

Más que un milagro parecería un castigo, como es también curiosa la forma de representar un monte a base de olas de mar, pero es cuestión de fe y en eso uno ya no se atreve a entrar.

 

Cresta de Gallo amarilla. Flor de Todos los Santos

Un pequeño toque natural que nos recuerda en parte al día de Todos los Santos, cuando este tipo de flores era muy habitual hace unas décadas, posiblemente por la duración sin secarse rápidamente, una vez cortadas. 

Una flor amarilla diferente, que en algunos sitios se la conoce como Cresta de Gallo.

Cueva de los Murciélagos de Granada: Un Tesoro Arqueológico del Neolítico

La Cueva de los Murciélagos en Granada ha revelado fascinantes descubrimientos que arrojan luz sobre la compleja estructura social durante el Neolítico. Esta antigua cueva, que funcionaba como cementerio hace aproximadamente 6.200 años, ha desvelado una riqueza de objetos que ayudan a reconstruir la civilización de aquella época en España.

En este sitio arqueológico se han encontrado ajuares funerarios, herramientas de piedra y hueso, puntas de flecha utilizadas tanto para defensa como para la caza, así como grandes cestos de mimbre que servían como sepulturas, además de joyas y sandalias de esparto. 

Estas sandalias, similares a las que todavía se usan en gran parte de España en la actualidad, son consideradas las más antiguas de Europa hechas con estos materiales, algunas con más de 9.000 años de antigüedad, utilizadas por cazadores incluso antes de la era agrícola. De hecho, hay registros de la utilización de esparto como elemento textil en España hace al menos 12.000 años.

Lo notable es que estas esparteñas estaban en excelente estado al momento de colocarse a los difuntos, incluyendo a niños y jóvenes por su tamaño. Este estado de conservación nos sugiere una cuidadosa preparación funeraria antes de depositar a los fallecidos en las áreas más profundas de la cueva.

Gracias a las condiciones secas y sin humedad de la zona, estos materiales orgánicos han perdurado hasta hoy, permitiéndonos estudiarlos y obtener valiosa información sobre la vida de nuestros ancestros. 

Estos objetos artesanales representan el ingenio de aquellos individuos, que buscaban dominar su entorno y simplificar sus vidas. Creaban y decoraban herramientas, pintaban cuevas y trabajaban en la artesanía de objetos de mimbre, esparto y cerámica en sus inicios.

Indudablemente, eran verdaderos artistas que prosperaban en entornos desafiantes, dejando un legado invaluable para la posteridad.

Análisis de una Obra Anónima: San Pedro en Martirio del Siglo XVI

La dura e intrigante obra que observamos arriba es una escultura en madera policromada de finales del siglo XVI. A pesar de su impacto artístico, es una creación anónima que representa de manera gráfica y dolorosa el martirio de San Pedro, reflejando la crueldad a la que eran sometidos los santos en aquellos tiempos. Este enfoque tenía como objetivo suscitar compasión y devoción hacia los santos.

El escenario de esta obra muestra a San Pedro en el momento de su martirio. Aunque el artista permanece desconocido, sabemos que esta escultura se encuentra en el Museo Nacional de Escultura en Valladolid, España. Curiosamente, fue entregada al Estado en 1994 como forma de pago por impuestos que no podían ser satisfechos con dinero en efectivo.

Este martirio añade otro capítulo a la rica pero a veces dura Historia del Arte en España. En la representación, se aprecian las llaves de San Pedro en el suelo mientras el santo mira compasivamente a sus torturadores. Se dice que esta entrega a cambio de impuestos fue realizada en 1994, un hecho relativamente reciente en la historia del arte español.

La escena no solo captura el sufrimiento de San Pedro, sino también su profunda devoción y compasión, personificada en la mirada benevolente que dirige a sus verdugos, consciente de que quizás tendría que recibirlos en el más allá sosteniendo las llaves simbólicas que yacen en el suelo.

Luis de Morales nos muestra una Piedad con todo el detalle

El manierismo (un estilo que surgió en el año 1530 y estuvo vigente hasta finales del siglo XVI) se preocupaba en la pintura por solucionar problemas artísticos complejos, como desnudos retratados en posturas complicadas y difíciles.

El pintor español Luis de Morales vivió y trabajó casi siempre en la pequeña ciudad de Badajoz, en Extremadura, durante el siglo XVI, cerca de la frontera con Portugal. 

Su vida la pasó pintando temas religiosos para iglesias cercanas y oratorios. Con obras de un realismo casi increíble, Luis de Morales, llamado también “El Divino Morales” expresó el fervor religioso de su edad con retratos vívidos y ejecutado con precisión de sufrimiento y refinadas figuras sagradas y de devoción, en un estilo muy personal, que muestran la influencia primaria de Leonardo da Vinci y Rafael. 

Luis de Morales estudió a los maestros florentinos y se sabe que realizó muchos estudios sobre las obras de Miguel Ángel. En obras como la presente "La Pietá" de Luis de Morales reduce el número de figuras en sus composiciones, que casi nunca eran más de dos o tres, a menudo en busto o de medio cuerpo y se centra en sus temas favoritos de la Pasión —el "Ecce Homo", "Cristo de la Columna" y "La Piedad"—. 

Estudió pintura y arte en Sevilla, en Portugal y en Italia.

El colorido es delicado pero brilla a través del uso de medios tonos, Luis de Morales dibuja y envuelve a sus figuras utilizando una técnica de esfumato basado en el de Leonardo de Vinci. 

Sin embargo, al igual que los primeros pintores del Norte, se tiene mucho cuidado para delinear en detalle cada cabello y cada grano de la madera, cada gota de sangre o cada lágrima en los ojos de la madre que sufre. Sabía que esos pequeños detalles son los que daban (dan) vida a la obra.

Escultura de Felipe II: Un Icono de Poder y Legado Histórico

La escultura en bronce del Rey de España, Felipe II, es una obra maestra artística que ha dejado una marca perdurable en la historia. Firmada en 1564 y encargada en 1949, esta majestuosa escultura fue fundida en 1551 por los reconocidos escultores italianos Leono y Pompeo Leoni, padre e hijo respectivamente.

La base de la escultura lleva la inscripción: 'Felipe, Rey de Inglaterra e hijo de Carlos V'

Esta escultura rinde homenaje a un momento crucial en la vida de Felipe II: su matrimonio con la Reina María I de Inglaterra el 25 de julio de 1554, cuando tenía 27 años. 

María I de Inglaterra, tía segunda de Felipe, estaba sujeta a restricciones matrimoniales que prohibían casarse con alguien que no fuera Rey. Su padre, Carlos V, renunció al Reinado de Nápoles en favor de su hijo para permitir este matrimonio.

Sin embargo, el reinado en Inglaterra fue efímero para Felipe II, ya que enviudó de María I cuatro años después, perdiendo así el trono inglés según los términos matrimoniales. 

Este periodo histórico fue complejo para Europa y esta escultura captura la majestuosidad y poder de Felipe II, vestido con una armadura militar romana, sosteniendo un bastón de mando y una espada.

La escultura representa un símbolo de poder que trasciende lo humano y sirve como testimonio de un momento crucial en la historia europea.

Pegatina Firma, para intentar trascender

En las calles se amontonan las pegatinas de firmas, pequeños detalles de Arte Casero, de Arte Brut incluso, que buscan trascender y salir a tomar el aire.

Son como detalles muy personales que se quieren compartir para demostrar que como poco, existir…, existen.

Bodegón surrealista con luz natural

Pongamos Luz Natural sobre unos rinocerontes artificiales. 

Paisaje urbano, naíf pero no tanto

Esta obra no es un dibujo original sino un impreso colocado en un restaurante de nivel bajo para decorar sus paredes junto a otras obras similares.

Pero la he recogido por su técnica que sí me parece interesante como forma de practicar alguien que empieza su propio Arte Original, empleando técnicas como si fueran viñetas de cómic, con una perspectiva falsa, remarcando las figuras con perfiles, practicando un poco con colores que quieren jugar con ese aspecto de casi dibujo infantil.

Puede ser un trabajo rápido, agradable de realizar, no es un boceto, pero puede llevarnos a más espacios expresivos a poco que queramos depurar la técnica, dedicándole más tiempo en su realización.

En este tipo de obras el punto de vista es fundamental para que no se confunda con el cuadro realizado por un niño. Si no estuviera la farola en primer plano, podría pensarse que es un trabajo de poco nivel. pero su posición elegida y decidida como elemento principal nos indica que quien lo ha realizado sabe lo que quería enseñar, en un contrapeso de su elección.

Grabado impreso con tórculo y luego serigrafiado

Esta es una simple y sencilla prueba de un grabado impreso con un tórculo muy simple, una prueba calcográfica a través de un cliché en polímero, y a esa hoja de prueba se le han aplicado una impresión en serigrafía para añadirlo los colores (mezclados las dos tintas en la malla) de esos topos.

Puede parecer complejo si lo explicamos como hemos comentado arriba, pero es un trabajo sencillo y demostrativo de procesos de impresión bastante artesanales y simples, además de con pocas herramientas y de no elevado costo.

Diríamos que el mundo del grabado y de la impresión más o menos tipográfica y serigráfica (permeográfica), ha ido quedando relegada al mundo del Arte.

Son procesos, eso es cierto, un poco "cochinos" y en los que hay que tener un cierto cuidado en limpieza, pero cuyos resultados son fabulosos, pues puedes realizar varias copias y además individualizarlas cada una.

El mundo del grabado tiende a ir recuperándose, aunque es cierto que algunas técnicas y fórmulas de grabado casi se han ido perdiendo pues aunque en los años 70 todavía se utilizaban muchísimo, no conozco yo muchos manuales que hayan recogido sus procesos con detalle. 

Yo mismo, que he sido grabador durante una década, de muy joven, en estos momentos no conozco al detalle técnicas casi olvidadas, y reconozco que fueron años muy interesantes pero que se han ido perdiendo. 

Grabados sobre todo en planchas de zinc, en cobre, etc.

Un simple saco de vitalidad natural y encerrada, de Zaragoza

Unas simples semillas, envueltas en unas cápsulas para preservarlas de los locos animales que todo se comen o recogen. 

Una semillas que guardan la vida dentro, envueltas en una belleza curiosa. 

Un saco de vitalidad encerrada.

¿Y si dentro no está lo que esperábamos todos?

Incluso caba pensar… ¿y si se han utilizado ya para realidades distópicas?

Puerta de la Torre Bellesguard en Barcelona

Es la puerta principal de la Torre Bellesguard en Barcelona, edificio que se hizo entre los años 1900 y 1909 por Antoni Gaudí. Esta puerta principal con arco de medio punto como era común en el gótico catalán de finales del siglo XIV y principios del siglo XV se cierra con una especie de acolchado en piedra de figuras geométrica según un sistema que ya empleaban los romanos, con piedras pequeñas, talladas y unidas con mortero.

En el tímpano de la veja se puede leer Ave María Purísima, sin Pecado Concebida" en hierra forjado.

En este trabajo de la puerta y los bancos que se pueden ver levemente a ambos lados de la puerta, intervino además de Antoni Gaudí el arquitecto de la ciudad de Reus,  Domènec Sugranyes i Gras, que también hizo al final de estas obras la que sería la casa del portero de la finca, y la verja que hay en el camino.

Arte Urbano en Martorell, Barcelona

Arte Urbano en la ciudad de Martorell, sencillo, eficaz, elegante, bien distribuido, sencillo y correcto. No se pide más, es Arte con mayúsculas, admitiendo que es un arte efímero que solo busca motivar belleza en una calle. Como además está junto a una zona de juegos juveniles, encaja perfectamente en su conjunto urbano.

52 Grandes Artistas Modernos

Una incluso entretenida manera de conocer a posiblemente los 52 artistas modernos e incluso contemporáneos más conocidos, sea repasar este libro ilustrados por Andy Tuohy con textos del historiador de Arte Christopher Masters, que de una forma atractiva y visual nos enseña qué han o están haciendo los artistas aquí reflejados.

No están todos, pero los 52 representados son suficientes para ir formándose algo mejor y sobre todo para elegir modelos sobre los que luego profundizar en su obra y conocer mejor sus técnicas y modos.

Guía Básica de Arte Contemporáneo

Conocer y reconocer los diferentes estilos del Arte Contemporáneo a veces no es sencillo, y una pequeña guía mental nos puede ayudar un poco que estamos empezando. Son muchos estilos y como es lógico además, en su seno se van sumando muy diversas familias de estilos.

Ningún estilo tras pasar por cada uno de los artistas que los utilizan es puro, a veces buscan mezclar unos con otros, se modifican, evolucionan, nos plantear variables con sus propios estilos evolucionados.

Esta pequeña guía firmada por sus autores en la zona baja, nos puede servir como una primera ayuda en la formación del Arte Contemporáneo. No es perfecta, contiene algunos toques de humor, de incluso crítica razonada, pero es una manera de reíros incluso del Arte.

Joaquín Sorolla en el Meadows Museum de Dallas

El pintor valenciano Joaquín Sorolla es muy apreciado en los EEUU en donde disponen de numerosas obras de este gran artista español. Esta obra se titula "Elenita vestida de Menina", es del año 1903 y se encuentra hasta enero de 2024 en el Meadows Museum de Dallas y su propietario es un coleccionista particular.

¡Chiss! No se puede gritar en las paredes

Los gritos de la sociedad, aunque sean verdaderos y reales en sus planteamientos, tendemos a taparlos, no vayan a revolucionar el ambiente.

Esta pared tiene pintores de gritos por las tardes noches y pintores de retoque y borrado por las mañanas. Nadie sabe quien es más rápido, quien es más eficaz, quien se cansará antes. Esto último sí lo sabemos, pero disimulamos.

La frase última es clara.

"Nos condenan a la miseria. ¡Planta cara!

Debajo hay decenas de frases anteriores que ya no gritan, están muertas y escondidas por el blanco cal. En breve seguirán escribiendo gritos. No hay otra. Creo.

Visita del Cardenal, del aragonés Mariano Alonso Pérez

Este pequeño y bastante desconocido cuadro es del pintor aragonés Mariano Alonso Pérez, un zaragozano nacido en 1857 que inició su formación artística en la Academia de Bellas Artes de Zaragoza y los continuó en la Escuela especial de pintura, escultura y grabado de Madrid. Más adelante se trasladó a Roma donde asistió a la Academia Chigi y la Cauva.

Esta obra al óleo de 80 centímetros de anchura se titula "Visita del Cardenal" y se ha subastado en diversas Salas de Arte y Subastas. 

La fecha de la obra no es conocida pero yo calculo que sería realizado sobre las dos primeras décadas del siglo XX.

Vicente Cutanda y Toraya pintó a los cristianos matando a judíos

Esta tremenda obra es del pintor Vicente Cutanda y Toraya, del año 1887 y se titula "¡A los pies del Salvador!". Un óleo sobre lienzo propiedad del Museo del Prado.

Es una durísima crítica a la violencia medieval de los cristianos contra los judíos en las calles del Toledo de aquellos años en los que los cristianos se sentían en posesión del derecho brutal de saquear las viviendas de los judíos, de matarlos de la forma más brutal posible y de robarles sus propiedades, utilizando a Cristo en la Cruz como testido.

Vemos un cruce de calles, oscura, pero en donde hay dos elementos que contrastan. El rojo sangre y el blanco humo. De gran calidad cromática y claramente efectista y natural para provocar esa sensación de vergüenza y barbaridad.

Es una gran obra de seis metros de anchura, realizada cuando Vicente Cutanda y Toraya tenía 37 años de edad.

Un cuadro comprometido en su argumento, dejando claro que su autor pertenece a la corriente más liberal de la pintura de historia española. 

Este episodio fue escogido por Cutanda con la misma intención de denuncia social contra la violencia y la injusticia de sus grandes cuadros de conflictos obreros.

Estemos prevenidos ante el enfentamiento

Luces de conveniencia, cualidad de locura.

Estructura de respeto, de miedo incluso.

Simplemente colores y posicionamiento.

Distribución del espacio.

Tontería.

De las tonterías también se vive.

Las nuevas savias, de Antonio Saura

El artista oscense Antonio Saura no siempre fue el pintor del blanco y negro, de sus caras y personajes tan personales; y como fundador del Grupo El Paso pasó por diversas maneras de expresión como el surrealismo, sobre todo en sus inicios.

Esta obra titulada "Las nuevas savias" (con V) es del año 1951 realizada cuando tenía 21 años y ya había expuesto en Zaragoza en la Sala Galería Libros de la calle Fuenclara.

Premio Aragón de las Artes no tenemos en su tierra una gran cantidad de obra, por muy diversos motivos.

Yelena Bryksenkova y sus personajes solitarios

La artista Yelena Bryksenkova nació en San Petersburgo, Rusia, pero creció en Cleveland y estudié ilustración en el Maryland Institute College of Art en Baltimore (BFA, 2010) y en la Academia de Artes, Arquitectura y Diseño en Praga, República Checa.

Trabaja desde Montreal, Canadá, como ilustradora independiente y artista plástica. Sus pinturas de acrílico gouache, tinta a pluma y acuarelas están inspiradas en su amor por el hogar y la comodidad de los objetos cotidianos, así como en temas más mágicos, misteriosos y melancólicos.

En sus ilustraciones, el tiempo parece haberse detenido durante un instante para que las podamos apreciar sin prisa, con calma, acompañando a sus personajes. 

Yelena Bryksenkova logra esa sensación cuando retrata a personajes en la intimidad de su soledad pero también en escenas colectivas en las que se advierte la actividad. 

"Nunca me cansaré de los dibujos de reposo tranquilo, momentos cotidianos, mujeres secando su pelo, leyendo, arreglando flores, bebiendo té, perdidas en sus pensamientos privados y rodeadas de objetos queridos", afirma Yelena Bryksenkova.

Me gustan los cadáveres naturales

Observar los restos de una vida es seguir sorprendiéndome con sus posibilidades. 

Es un cadáver, lo sé, aunque también sé que no es un cuerpo y mucho menos el de un humano. 

Pero son los restos de una vida y eso me lleva a la osadía de llamarlo cadáver. 

Una flor seca es el rastro de la vida de esa flor cuando estaba viva. 

Mantiene algunos colores, otros los ha perdido ya, y sus formas se han arrugado, pero mantiene su forma. 

No sé si es todavía bella, tengo mis dudas.

Historia básica de cinematografía

Cualquier detalle de nada nos puede llamar la atención. Pero antes alguien ha decidido ponerlo a nuestro alcance visual. Y en esa decisión está el gusto, el arte sencillo de saber qué puede agradar a quien se siente en una mesa de una cafetería a tomar un copa.

Cuando comencé en esto de la fotografía recibí unos cursos de cine en donde de principio se nos explicaba lo que veíamos. Y hubo algo con lo que enseguida me quedé como curioso y que a veces pasa desapercibido.

En una escena cinematográfica, todo lo que vemos está allí porque alguien ha decidido que esté allí, para que tú lo veas. Nada es una casualidad, pues nada estaba allí antes de comenzar a rodar.

Lo que vemos es un escenario vacío que han ido llenando de elementos diversos bajo indicaciones de un buen número de responsables. Y que luego se retiran pues hay que volverlo a dejar vacío. Nada está allí, sin que antes alguien haya decidido que esté. Y que esté ese objeto y no otro.

Es una manera de llenar espacios, de crear ambientes, de hacernos creer que todo lo que vemos es real. Y eso mismo es el trabajo de la decoración, incluso en una mesa de una cafetería. Esta macetita no estaba encima de la mesa cuando se puso la mesa, y alguien ha decidido que esté. Parece una obviedad de tontos. Pero tal vez, piensa, puede que en esa decisión esté el gusto por agradar.

Jordi Santacana y una obra de un expresionismo casi escondido

Esta obra es del pintor Jordi Santacana y está en un hotel de Altafulla en una exposición con diversas obras repartidas por los salones del mismo. Una manera de promocionarse y de lograr una decoracion muy interesante en el mismo hotel.

Ambas partes junto a los clientes, salen ganando.

Pintor entre el fauvismo y el expresionismo. Su pintura transmite un impacto de sensaciones inusuales en nuestro tiempo. Realiza casi toda su pintura en plein air como los pintores simbolistas de otros tiempos.

Inquieto, inconformista y comprometido con la ecología, Jordi Santacana habla pintando de la naturaleza como temática principal de su obra, especialmente plantas y árboles, aunque trata tanto temas urbanos como marinas y paisajes rurales. Jordi Santacana muestra una agudeza sorprendente en la utilización del color, que nos recuerda la pintura de Vincent Van Gogh. Ha viajado y pintado en México, Estados Unidos, Alemania, Menorca, París, Marruecos y la India.

Pero también juega con el espectador, escondiendo miradas en un acercamiento al surrealismo muy interesante.

Fotógrafo y creador de Fotolibros, es un incansable artista que maneja sobre todo sus personales puntos de vista que traslada al espectador para mostrar historias y sobre todo preguntas.

Las vidrieras son Arte Mayor e incluso Arte Grande

Pocas veces hablamos de la vidriera como un Arte y no como una Artesanía. No hay muchas distancias artísticas entre ellas, y a veces las vidrieras juegan con la luz mejor que muchos otros Artes. Carlos Muñoz de Pablos es un artista del vidrio, de la luz que entra.

Desde su Segovia sigue trabajando eso, atrapar la luz, dejarla pasar tamizada y coloreada y dar formas a sus trabajos a través de la luz que entra. Es logra que sus obras pueden tener distintos colores según el día o la hora del mismo día.

Dibuja, pinta y utiliza plomos y vidrios. Crea colores, los diluye o los difumina. ¿Por qué tiene que ser Arte Menor que la pintura si muchas veces impresiona más su contemplación que la de un cuadro colgado en una pared de la misma iglesia?

Nos decía el otro día en una entrevista que: “El soporte es el vidrio plano de color, que se corta y se pinta con veladuras de pigmentos de óxidos metálicos vitrificables y se hornea para fijarlo al vidrio. Se ensambla con perfiles de plomo para formar paneles de grandes superficies que van a cerrar los huecos de la arquitectura. No ves la vidriera hasta que no la colocas en su espacio porque tiene que contemplarse a distancia, hay que saber sobredimensionar. Ahí te la juegas. A veces toca empezar desde el principio”. “Somos chatarreros del vidrio. Cuando nos enteramos de algún sitio donde van a hacer obra y los van a tirar, les decimos que esperen. A veces son de hace décadas y ya no se hacen así”.

Feminismo artístico en Lleida. Mural que nos mira

Hay que observarlo a una cierta distancia pero este Arte Urbano de Lleida sobre el feminismo se entiende perfectamente. Una mirada, una observación y unos textos. 

Unos mensajes claros y unas necesidades de respeto que no siempre se dan. 

Para entenderlo bien hay que alejarse un poco, dejarle aire entre nosotros como espectadores implicados. Y la obra va tomando su forma y se expresa perfectamente.

El Capitán Tormenta. Ilustración de hace más de un siglo

Esta ilustración que vemos arriba tiene 120 años, es del libro “El Capitán Tormenta” de Emilio Salgari. 

Impreso en tipografía pero con una trama muy fina para este modo de impresión y aquellos años, y demuestra lo muy bien que se realizaban trabajos cuidados con métodos muy costosos y arcaicos, pero con mucha profesionalidad en los fotograbados de la época y en los impresores que con papeles malos hacía auténticas maravillas aunque de forma manual y lenta.

Se imprimió en la Imprenta de Jaime Ratés de Madrid. No conozco al autor de la ilustración original.

El Arte Contemporáneo crece en tamaño

Estamos viendo tres obras de arte que publica El País en un artículo sobre la Feria de Arte o 35 Bienal de Arte de Sâo Paulo. La primera es del artista de Brasil Rubem Valentim, la segunda de Ibrahim Mahama de Ghana y la tercera del norteamericano Daniel Lie.

Los tres artistas son de países distintos, pero sus obras tiene algo en común dentro de su tremenda diferencia. Es el tamaño. Tremendo tamaño que nos lleva a preguntarnos para quien y para qué son estas obras.

Como es fácil, la respuesta no puede ser para un despacho, para un salón, para el dormitorio. Y tampoco para exponer como Arte Urbano pues se deterioran las obras no construidas para esa función.

Es posible que el Arte se esté encaminando a la grandiosidad de espacios, a lo efímero, a los almacenes, hacia los museos, hacia impresionar por su tamaño. 

Sería tanto como empezar a pensar si en vez de hablar con el Arte, estamos ahora gritando. Ampliamos el tamaño para que se nos vea más.

Empujad una puerta, solo en Zaragoza

Este tirador de una Droga tan famosa en Zaragoza que se llama simplemente Alfonso, es un ejemplo del empleo de los idiomas españoles anteriores a esta modernidad curiosa y que va cambiando nuestras maneras de expresarnos. 

Ahora ya no sabemos bien qué es femenino, qué masculino, qué neutro hay que utilizar en los plurales y qué moderno o raro hay que añadir para no molestar a casi nadie. 

Una cosa son los respetos, otra aprender a cambiar las maneras de hablar con arreglo a los tiempos, y otra liarnos en un castellano lleno de trampillas, acentos, giros y dobles sentidos.

EMPUJAD

En un imperativo de usted, que casi ya no vemos en ningún espacio. 

No sabemos bien si es un consejo, una orden, un deseo, un ruego de por favor a un usted relativo… o en una orden directa de que… o bien empujas o bien te quedas fuera. Tú mismo.

Ahora se utiliza más el EMPUJAR que parece más orden clara, menos seria, más activa. Faltaría transformarla en un "Empujar, puñetas" para que no hubiera dudas.

Pero esta puerta tiene sus años y claro, entonces a los clientes se les trataba de usted. Casi se les aconsejaba. Era un imperativo en vez de un infinitivo. 

Estamos hablando de España, para no faltar al respeto a la puerta. Empujar puede ser otra cosa en otros países, pero también podría tener algo que ver con "pujar" o incluso con colarse en una fila muy apretada, impulsando a las personas no sabemos bien si hacia dentro o hacia fuera. 

Nota.: La imagen es de nuestro colaborador Luis Iribarren.

David Ymbernon construye palabras con una paleta

El artista catalán David Ymbernon nos presenta esta obra titulada "Paleta-Poeta" hecha en el año 2021 y que es parte de su propia colección, en donde nos trabaja el doble sentido de la construcción de palabras con la poesía.

Su universo creativo se mezcla con la vida real de tal forma que podemos hablar de un “Universo Ymbernon” donde el color naranja juega un papel protagonista. Él cuenta que, poco a poco, se “liberó del resto de colores” hasta el punto que el naranja (contrarrestado mayoritariamente con el blanco) predomina en todo lo que hace.

Objetos con sus propias historias y pintados de naranja, tienen un papel fundamental en el proceso creativo de este artista que reivindica la infancia creativa de todos los adultos como el territorio primigenio de la creación.

Un poeta es un constructor de palabras a base de letras que se le amontonan en el pensamiento. La suma de palabras logran una pared que cuando se comienza a construir, muchas veces, no se sabe hasta dónde puede llegar, qué forma definitiva tendrá.

Arte Urbano de criaturas imposibles

Uno de los elementos más simpáticos y originales del Arte Urbano actual, de incluso el Arte Contemporáneo de calle y efímero, es su capacidad para crear personajes casi de cómic, criaturas nuevas que llenas muros llamando la atención casi como elementos de enfrentamiento con la realidad.

¿Son seres posibles? Lo son, cuando están allí, aunque sean planos y efímeros. Y casi siempre son además simpáticos.

Pintura mural del siglo XIII en Lleida

No es sencillo imaginarse el esplendor de muchas iglesias que hoy vemos sobrias, grises, muchas veces mal iluminadas para mantener en la oscuridad el ambiente incluso teatral, cuando en anteriores siglos, todas ellas, todas sus paredes estaban iluminadas y pintadas con frescos de brillantes colores, semejando el interior del Cielo.

Estos restos de pintura mural son del siglo XIII de la Capilla de Santo Tomás en la Catedral Vieja de Lleida. Es un ejemplo de lo que había en aquellos siglos, que nos tenemos que imaginar, y que han llegado hasta nuestros días, muchas veces por casualidad, pues han sufrido todas las inclemencias del tiempo y a veces de los humanos que las han quemado o las han ido convirtiendo en cuarteles o en salas de variopinto uso.

Ecce Homo de Lovaina, siglo XVI

En el convento de los agustinos de Lleida estaba este Ecce Homo anónimo, del siglo XVI, una copia de las obras de los artistas de los Países Bajos Dirk Bouts o d'Albrecht Bouts (padre e hijo respectivamente). 

En aquellos tiempos cuando se creaban nuevas iglesias o se ampliaban conventos o iglesias se compraban obras religiosas para la oración del lugar a los artistas del momento.

Esta obra al óleo sobre tabla de madera se encuentra ahora en el Museo de Lleida.

El artista Diego Ojeda y Rubiales besando a Mike Tyson

El Arte Urbano tiene muchas variables. Este cartel medio pintado, medio montaje de un impreso muestra un hipotético beso forzado de Rubiales al boxeador Mike Tyson, realizado por el artista Diego Ojeda, y montado en el barrio de Sants de Barcelona.

Diego Ojeda, conocido en Instagram como @nadiemedicearte, usa la técnica del paste up. Imprime el mural y luego lo pega a la pared. Ha puestos murales en algunas ciudades europeas además de en su Barcelona.

Prohibido prohibir para no fracasar

Dos frases, dos manos diferentes. Dos opiniones.

Dos mensajes pero a su vez dos gritos.

Dos prohibiciones.

¿Y si dejáramos que cada uno hiciera lo que le aconsejaba el cuerpo?

Ya, creemos que eso no es posible.

Pues nada, nos seguiremos prohibiendo un poco de cada.

Para no fracasar en las paredes de la vida.

La grandiosidad del Arte Histórico. Biblioteca en Lleida

Cuando hablamos de Arte, y nos asombramos de algunas obras arquitectónicas, es verdad que nos asombran y nos preguntamos si hoy seríamos capaces de hacer lo mismo. De crear esas sensaciones de envoltura y de sensación de ser unos seres muy pequeños.

Lo cierto es que sí, e incluso ampliada varias veces esa sensación de enanismo. Tenemos ejemplos en muchas ciudades del mundo. Y eso no quita esplendor, respeto y casi amor hacia construcciones como este claustro gótico de Lleida.

La arquitectura también ha avanzado mucho con los siglos. Podríamos irnos a la Sagrada Familia de Barcelona y en su interior nos sentiríamos muy pequeños… si tuviéramos la enorme suerte de estar solos.

Algo similar sucede con la Almudena de Madrid del siglo XIX y XX. También se trata de crear arquitecturas que envuelvan, que te hagan creer que aquel espacio es tremendo y único.

Pero en arquitectura civil tenemos ejemplos todavía mayores. El edificio Oculos en el centro de New York es como entrar en las tripas y en el esqueleto de un tremendo y enorme pez o un pájaro. Es imposible no verte muy pequeño en esos espacios.

Si volvemos a Lleida y paseamos por el claustro de su Catedral Vieja, sí podemos sentir todas esas sensaciones y muchas veces además tú solo, sin ruidos, en el más completo de los silencios. Tal es así, que incluso han dejado una pequeña biblioteca para que los visitantes puedan ponerse a leer en su interior, rodeados de Arte, de Historia y e Paz. Y no, no es una biblioteca religiosa, hay novelas, filosofía y muchos libros infantiles.