26.7.23

El Cristo de Portlligat de Salvador Dalí


La obra "El Cristo" de Salvador Dalí o "Cristo de San Juan de la Cruz" o "El Cristo de Portlligat" de Dalí se encuentra depositado en el Kelvingrove Art Gallery and Museum de Glasgow siendo su ayuntamiento el propietario, y es una obra de 205 centímetros de altura pintado al óleo sobre tela en el año 1951. 

Sin duda un Cristo fabuloso, con un punto de vista diferente a todos, y que desde 1952 no se puede contemplar en España.

En el próximo invierno 23/24 lo podremos ver en el Teatro Museo de Dalí en Figueres durante seis meses donde además de admirar la obra se explicará su forma de construcción, para entender mejor el punto de vista, las motivaciones de toda la obra.

Es una obra icónica en Dalí, sin sangre, sin aparente sufrimiento por coronas o clavos, que según se dice está inspirada en un dibujo del siglo XVI de San Juan de la Cruz, y realizada a través de fotografías que se hicieron a un modelo para lograr los efeectos naturales del cuerpo humano en estas posiciones.

25.7.23

José Luzán Martínez y un boceto para La Seo de Zaragoza


Lleno de detalles, pero es un boceto que José Luzán Martínez hizo como boceto para las puertas de armario del Tesoro de la Catedral de la Seo de Zaragoza o la Seo San Salvador.

Se observan a santos que fueron aragoneses, como San Valero, San Vicente Mártir, San Pedro Arbués o Santo Dominguito de Val ya en el Cielo, en la Gloria. Es un óleo sobre lienzo realizado en el año 1757 y podemos ver en su tamaño original todos los detalles de las figuras.


Tsukioka Koun y una xilografía de una danzante japonesa


La japonesa Tsukioka Koun fue una artista cuya obra más conocida representa escenas de la vida cotidiana y de las artes tradicionales, como el teatro, la danza o la música en la cultura japonesa.

La imagen que vemos representa danzas del teatro kabuki cuyos nombres se pueden leer en el cartucho superior. En esta estampa muestra la danza Asazuma, donde una cortesana vestida como shirabyoshi –danzante con origen en el s. XII que podría considerarse precedente de las geisha– toca el tambor, baila y canta con gran destreza. 

No debemos olvidar que tras sus escandalosos inicios en este espectáculo, las mujeres tenían vetada la actuación en el teatro y los papeles femeninos eran interpretados por actores masculinos especializados conocidos como onnagata.

Tsukioka Koun utiliza en esta serie personajes de líneas delicadas y llamativo aspecto de gran color, en contraste con fondos neutros y sutiles. Se aprecian técnicas como el fino degradado bokashi o decoraciones con polvo metálico. Fue discípula del reconocido Ogata Gekko, con quien se casó.

Esta xilografía japonesa se hizo en el año 1899 en Tokio. Se ha podido ver en el Museo de Zaragoza.

23.7.23

¿Hay exceso de visitantes fotografiando en los Museos?

Yo personalmente estoy a favor de que se permita tomar fotografías en los museos a las obras que contienen. Pero… deben existir excepciones de forma inevitable, pues el exceso mata a la estrella del Museo.

Hay fórmulas que se debe implantar a cambio de que se pueda seguir fotografiando el resto de las obras. Una de ellas es prohibirlo claramente en aquellas obras de Arte más conocidas y reconocidas, las que son un icono del Arte. Generalmente de esas obras hay copias de gran calidad en internet.

El Museo Reina Sofía no deja fotografiar al Guernica y además para contemplarlo hay que mantener una distancia mínima. En otros museos son varias las obras que no se pueden fotografiar y lo indica claramente para que no haya dudas. 

En la actualidad es posible indicarlo con claridad y añadir un Código QR en donde los visitantes se pudieran bajar una imagen de la obra si la desean conservar en sus ordenadores o teléfonos.

Nota.: La viñeta es de la revista El Jueves.


El árbol representa la vida de Ramón Acín


El artista aragonés Ramón Acín hizo varias obras y dibujos con el título "El árbol representa la vida" bien pinturas sobre pergamino como es este caso, bien dibujos y bocetos. Posiblemente sería un trabajo bocetado para una obra de mayor tamaño por el resultado y sus escasos 25 centímetros de anchura.

Estas obras representan un árbol frondoso a cuyos pies hay una pareja de jóvenes esposos, en este caso abrazados y amamantando a su hijo. Junto a ellos una cesta, un botijo y un mantel extendido en el suelo. Se hicieron entre los años 1922 y 1928.

Ramón Acín, oscense y artista, pintor, ilustrador, escultor, pedagogo, periodista… fue fusilado en Huesca en las primeras semanas de la sublevación de Franco contra la República. A los pocos días fusilaron también a su esposa.

Nota.: La imagen me la remitió Luis Iribarren y es de la Fundación Acín.

22.7.23

Julio Villanueva Chang y Musuk Nolte Maldonado, juntos


Esta fotografía del escritor Julio Villanueva Chang es del fotógrafo Musuk Nolte Maldonado que le hizo en Lima y que ha publicado El País. Me ha gustado mucho su personalidad, su iluminación, su composición y por eso la pongo aquí. 

Me parece un ejemplo de esa fotografía artística que trasciende como documento, entra en la personalidad del fotógrafo y de la personas retratada y casi escribe una historia con una imagen.

Un escritor y un fotógrafo que desde Perú hablan de Arte, ambos, y mostrando ganas de empatizar y de enseñar.

21.7.23

Mural en Zaragoza, que hay que salvar en La Jota


Este mural de
Arte Urbano, de Art Street, actividad artística tan de moda en este siglo XXI es del año 1993. Sí, tiene 30 años y está casi como lo vemos ahora en el barrio de La Jota de Zaragoza. Sigue vivo y lo quieren tirar si el Ayuntamiento de Zaragoza no lo evita. 

Lo realizó "Basque" junto a su hermano Ricardo con un boceto de Antonio Martínez, como apoyo al espíritu trabajador y obrero de este barrio zaragozano.

Ocupa casi 13 metros cuadrados y se realizó con aerosoles por un grupo de jóvenes, algunos músicos y vecinos del barrio en aquellos años. Sin ninguna duda se debería salvar, por su propia supervivencia tras tres décadas. Y que el tiempo ayude a contemplarla. 

La Asociación de Vecinos de La Jota junto a otros colectivos ha solicitado al Ayuntamiento que en la zona verde en la que se encuentra y se va a reformar, se facilite un armazón que preserve este mural de su derribo. Ya veremos.

El texto dice: "Yo soy un obrero orgulloso de crear la riqueza del mundo, no consigo entender que mi actividad sea un lujo. El paro es contrario al progreso."



20.7.23

Fernando Botero y su obra "De paseo"

Vamos a disfrutar un poco con esta obra del artista colombiano Fernando Botero, una pintura al óleo de un metro de anchura que en el año 2003 tituló "De paseo". Es propiedad de la Galería El Museo de Bogotá.



Cementerios de Energía, en Zaragoza


Los cementerios de energía también existen, y a veces los vamos dejando olvidados por las calles. Somos recogedores de basura, somos torpes, pero facilitamos miradas extrañas, poco habituales, curiosas.

En los cementerios de energía quedan los restos, los cadáveres que ya no sirven sino para contaminar. Y como en cualquier cementerio, se van convirtiendo en algo asqueroso, sucio, molesto, y lo dejamos entre las tierra para que todo se vaya descomponiendo poco a poco. 

Lo dicho, somos torpes y además con escuela de torpeza.

19.7.23

Virgen del Pilar, de Francisco de Goya


De un joven Francisco de Goya y Lucientes, de entre los años 1772 y 1775 es esta "Virgen del Pilar" de 56 centímetros de alta, hecha en óleo sobre tela y que es propiedad de la aragonesa Real Academia de Nobles y Bellas Artes de San Luis fundada en 1792. La obra está depositada en el Museo de Zaragoza.


Un Goya joven en: Niño con tambor y músico con cuerno de caza


Cuando hablamos de Francisco de Goya, de sus obras más conocidas o de las que están en propiedad de museos o particulares que se conocen menos, siempre nos imaginamos a un Goya fantástico, gran artista y casi gran fotógrafo de sus momentos sociales.

Pero como todos los artistas, también Francisco de Goya tuvo sus inicios artísticos y este es un ejemplo del Goya joven. Un dibujo de una colección particular titulada "Dos músicos, niño con tambor y músico con cuerno de caza" dibujado con tinta sobre papel verjurado y de un tamaño algo superior a un A5. No sé el año de creación de esta obra.

18.7.23

El Lavatorio de Jacobo Tintoretto



Esta grandísima obra está en el Museo del Prado. En el año 1547 la Escuela del Santísimo Sacramento de la iglesia de San Marcuola en Venecia encargó a Jacopo Tintoretto la obra El Lavatorio. Estas «scuole o escuelas» estaban dedicadas a fomentar el culto a la Eucaristía, y en sus reuniones, el guardián ofrecía a los cofrades agua bendita, imitando el gesto de Jesús al lavar los pies a los apóstoles. 

Esta exaltación de la humildad era recurrente en textos devocionales, cuya recreación del lavatorio es más evocadora que el relato evangélico (Juan, 13, 12-15), que no dice que los apóstoles introdujeran los pies en una jofaina, o que el paño utilizado por Cristo fuera blanco en alusión a su pureza; lo que sugiere un conocimiento del texto de Avetino por Tintoretto, que en 1545 había pintado para el escritor. 

El lavatorio muestra la afinidad de su autor con los «poligrafi», escritores populares que asumían un distanciamiento irónico de la alta cultura, perceptible en la confluencia de una profunda religiosidad con situaciones no exentas de humor, como el esfuerzo de algunos apóstoles por desprenderse de las calzas. 

El lavatorio es fruto de un concienzudo proceso creativo. Tras trazar el escenario, Tintoretto introdujo los personajes pensando en el punto de vista del espectador. 

Ello explica que, si bien al contemplar frontalmente el lienzo los personajes aparecen distribuidos aleatoriamente, la impresión cambie al mirarlo desde la derecha, desde una posición similar a la de la feligresía en San Marcuola. 

Un excelente trabajo que buscaba que su obra fuera agradable para los espectadores que al ser una obra grande, la tenían que contemplar desde diferentes ángulos. Son casi 5,5 metros de anchura.

Desaparecen mirando la obra así, los espacios muertos que se ven excesivo entre las figuras al ver la obra de frente y el cuadro se ordena a lo largo de una diagonal que, partiendo de Cristo, prosigue por la mesa en la que aguardan turno los apóstoles para acabar en el arco al fondo del canal. 

Ello explica además la ubicación de los actores principales de la escena, Cristo y San Pedro, en el lateral derecho del lienzo. Hay que tener en cuenta que eran obras de encargo y que se adaptaban a los espacios en donde se iban a colocar.

El lavatorio ilustra la nueva concepción espacial que irrumpió en la pintura veneciana en la década de 1530 por influjo del manierismo toscano y la presencia en Venecia de Sebastiano Serlio, de cuyo Secondo libro di perspettiva (París 1545) derivan el fondo arquitectónico y el despiece octogonal del pavimento.

Nota.: El texto es casi copia del que tiene el Museo del prado en su web.

Mortadelo y Filemón. Historia del humor infantil


Cuando nace en el año 1958 la primera historia de Mortadelo y Filemón Agencia de Información, nadie imaginaba su éxito durante tantos años. Arriba podemos ver la primera historia de Mortadelo y Filemón.

Con 22 años de edad, su creador Francisco Ibañez se inventaba no solo dos personajes para millones de niños, sino una manera de entender las historias infantiles con humor y movimientos de adultos. 

Esta semana se ha ido Francisco Ibañez dejando un legado complejo incluso de encuadrar en el Arte Gráfico, pues en los últimos años parte de sus obras ya no eran dibujadas por el propio Ibañez como en los tiempos en los que los personajes que eran propiedad de la Editorial Bruguera los creó al margen de Francisco Ibañez.

Existen versiones en más de 20 idiomas algunas con el nombre de los personajes totalmente diferente al que todos conocemos en España,

17.7.23

Dudas ante una cuerda con sentido


Los cosas más aburridas, más sosas incluso, tienen su punto de interés si se lo ponemos, si lo buscamos. Depende de nuestra capacidad de mirar y de dejarnos llevar.

Esta cuerda vieja, muy vieja incluso, no sabemos qué papel cumple, pero sigue estirada por lo que entendemos que algo está haciendo bien.

Nos puede resultar extraño que esté tan vieja y se siga utilizando, pues vivimos en un mundo de usar y tirar. Y que algo nos parezca ya muy usado nos cuesta entenderlo.

A partir de estos instantes, de esas miradas con dudas, pueden surgir esos segundos necesarios para que algo nos llame la atención y nos quedemos con su figura. No nos dice nada, pero podría decirnos muchas cosas. Todo depende de nosotros.

¿De dónde viene? ¿Hasta dónde cae la cuerda? Aquí lo dejamos.

12.7.23

Moda urbana joven, llena de color y formas


Moda urbana, escaparate de atención, forma de incidir mientras pasas, mientras paseas. Atracción del paseante, del peatón. Llamada de atención. Arte llamativo. Arte de llamar, de intentar atrapar. Color, contraste. Moda diseñada según local, según barrio.

Amé a un perro, pero él… me amó más


Me gusta los perros, son muy amigos de mis amigos. Son ellos cariñosamente amantes y capaces de entregar por nada todo lo que tienen. Pero solo si respetan a quien aman. 

Estos amigos de los humanos, estos perros que vemos arriba… nunca existieron. Son falsos, son inventados. Pero me gustan igual. Transmiten esa mirada de amor de quien es fiel siempre. 

Como habréis adivinado ya, es pura inteligencia artificial. Pero siguen siendo seriamente encantadores.

11.7.23

No pongas en valor esta basura, y deja de mirarla


Los bellos ejemplos urbanos de forma curiosas que nos van dejando la basura, solo dependen de nuestra capacidad de mirarlos. 

Cuando te conviertes en basura enseguida piensas que ya nadie se acordaré de mirarte con unos segundos de su tiempo.

No le lleves la contraria a esta basura, y deja de mirarla, por favor. 

10.7.23

El tiempo se dedica a dibujar con basura

 

Las miradas del urbanismo basura, a veces se convierten en rasgos que nos quieren decir cosas, pero no somos capaces de poderlas descifrar.



9.7.23

Un paisaje invernal de Ricardo Baroja y un grabado


Esta obra del artista Ricardo Baroja y Nessi del año 1929 todavía trabaja el paisaje como si fuera un retrato de ambiente urbano, se deja llevar por la realidad de lo que en ese momento se ve, tristeza y poca y mala luz, pues es un invierno como titula en la obra: "Mañana de invierno".

Un artista casi global pues además de pintor es sobre todo grabador, ilustrador, actor y escritor, que está rodeado de otros grandes artistas como su hermano el novelista Pío Baroja o de su tío Julio Caro Baroja, sin olvidar a sobrinos como Pio Caro Baroja, director de cine.

No se conserva todo lo que logro escribir y pintar o grabar en su vida, pues un bombardeo sobre Madrid destruye su casa en donde conservaba parte de su obra. 

Abajo dejo una pequeña copia de uno de sus grabados, con un paisaje vasco en donde vivió gran parte de su vida.




El pasado de la Inteligencia Artificial. Un Guernica mío


Esta obra como es lógico y se ve enseguida, NO es el Guernica de Pablo Picasso. Es un Guernica mío, una obra que sí, se puede llamar obra, que basándose en el Guernica de Picasso hace una interpretación libre de esa obra de arte, histórica y genial.

¿Es Arte?

¿Está hecha de verdad por mi?

¿Es mía?

Si la imprimiera en calidad buena tendría un metro de anchura, en calidad póster tendría dos metros de anchura. Y sí, lo habéis acertado. Está hecha por mi, desde un programa de Inteligencia Artificial.

¿Por mí? Sí, creo que sí, y lo voy a intentar explicar. 

No es solo una obra de una máquina, de un programa. Al igual que una obra de Goya o Velazquez no es propiedad intelectual de sus pinceles ni de sus pinturas o aglutinantes. Ni de su base y lienzos. Ni tampoco de sus profesores o de sus ayudantes que pintaban los fondos. 

En la Inteligencia Artificial sucede lo mismo. Es una herramienta aunque de momento joda pues ha venido a toquetear todo, a modificar, a revolver todo en varios sectores sobre todo lo establecido y de momento en un principio aunque nadie sabe hasta dónde es capaz de llegar.

A esa herramienta que llamamos Inteligencia Artificial, le tenemos que dar órdenes. Sin esas órdenes no es capaz de hacer nada de nada. Es una herramienta que permanece quieta, estática, hasta que recibe órdenes para ponerse a trabajar. 

Hace ya más de 30 años que me mostraron como aquella Inteligencia Artificial que entonces no se llamaba así, era capaz en una pantalla de hacer rectángulos dibujados con la mano y un lápiz o un ratón, que luego podía sacar en una impresora. Hasta entonces nada en el dibujo era visual. Aquella inteligencia informática podía colorear en blanco y negro y grises aquellas figuras que yo creaba, hacer estrellas, círculos, y sobreponerlas. Hasta entonces todo se hacía con aerógrafo, rotring de distintos grosores, rotuladores o plumilla. 

Incluso algunos de aquellos ordenadores anteriores, tenían unas alfombrillas en un lateral en donde elegías con el dedo o un lápiz qué tenía que hacer la máquina. Si querían un círculo pinchabas en un círculo dibujado en el tapete. Si querían meter una imagen elegías esa opción no en un menú sino sobre algo como herramientas fuera de la pantalla.

En aquella incipiente IA podía escribir sobre mis dibujos, y a los pocos meses me mostraron que incluso se podían colorear con miles de colores. Era todo virtual sobre una pantalla de 13 pulgadas que era luego capaz de sacar el resultado a papel cebolla, a triacetatos, bien como una composición a color o bien con los cuatro colores de impresión por separado para pasarse a unas planchas de impresión.

Aquello acabó con mi oficio, lo noté y tardó algo más de una década en que fuera así de real todo. 

En las dos últimas décadas del siglo XX había que ir a Alemania o Israel para comprar un scanner en condiciones de calidad, en donde verlos y comprarlos. El primero que compré —cuatro metros y algo de largo y casi dos metros de altura— costó un poco más de 30 millones de pesetas. A los pocos meses vendían en el PRYCA un scanner 10 veces más pequeño pero que servía para el 10% de la producción y por el precio de 5.000 pesetas. Eran los primeros pasos de la IA.

Que ahora sea capaz esa IA de hacer un Picasso inventado, tras recibir órdenes de una persona parece lógico tras la prehistoria de todo esto. La máquina no sabe quien fue Picasso, no sabe nada de lo que no le hayan enseñado antes. Aprende según le vamos ordenando que haga cosas. Se fija y memoriza. Y sobre todo aprende de lo que le decimos que está bien o mal.

Pero depende de nosotros, de nuestras órdenes, de que le digamos qué queremos que haga. No movemos la mano como hacíamos con el pincel ante el lienzo o la paleta, ahora movemos las órdenes sobre el teclado. Y será tanto o tan poco eficaz y original lo que esta IA sea capaz de hacer, como originales seamos nosotros a la hora de ordenarle que haga una cosa u otra.

Nota.: Todo esto se ha logrado con la colaboración del profesor Miguel Puente Ajovín

8.7.23

Grafismo de Joan Miró sobre arpillera


Este es un grafismo de Joan Miró, una sección de una de sus obras hecha sobre arpillera. Podría ser un diseño válido para cualquier logotipo, a Miró se le ha utilizado para eso varias veces, por ejemplo en el logotipo de La Caixa. 

A su vez parece un dibujo infantil, de un niño. No hay duda ni excusa para no decirlo, sentirlo. Y a su vez para poner en duda el valor de muchas de las obras que en la actualidad están en unos precios de mercado complicados de entender. 

El Arte no guarda relación de precio entre el esfuerzo y su precio de venta. Depende de muchos otros factores. No todos reales. En estas décadas no estamos en posición válida ni para opinar con causa, ni para juzgar sin el riesgo de equivocarnos. Pero sí, sé qué pensamos la mayoría.

De momento nos quedamos con las dudas, con las realidades de entender que el Arte debería tener menos que ver con los a veces escandalosos precios de mercado. Pero nadie nos obliga, les obliga, a pagar esos precios. Cada uno toma las decisiones que creo mejores.

El día que dije NO. Arte líquido de Rosa Balaguer


La artista zaragozana Rosa Balaguer nos presenta esta obra al óleo y técnica mixta para lograr relieves sobre un lienzo, titulada "El día que dije NO"

Arte líquido por la utilización en sus obras del agua como vehículo expresivo, es una obra que atrapa la mirada nada más verla. 

La posición de los elementos, el color, la luz, la manera de llevarte con la mirada hacia la salida, hacia la luz, te pilla sin querer queriendo, y te deja unos instantes atrapado y casi dentro de esa agua.

Incluso deseando ser el personaje que lucha por volver a respirar. Es como una pelea entre el agua que te atrapa y el necesario aire para seguir vivo.

Instalación de David Latorre y sus ladrillos


Lo que vemos arriba es una sección de una instalación artística que ha presentado el artista oscense David Latorre para los Premios Isabel de Portugal de Zaragoza

El título es "El Instrumento: Boom inmobiliario". El conjunto es bonito y logra sus objetivos de grito, de crítica, de forma sobrada, pero me he quedado en principio con su parte tipográfica, muy utilizada en muchas de sus obras recientes.

Es original crear una tipografía con ladrillos, en forma escultórica, no plana sino trabajada para formar parte de la instalación. Una tipografía hermosa para lo que desea indicar con la totalidad de la obra, pero además, muy efectista con el tipo de letra elegido.

Una hermosa manera de trabajar la idea de la transformación sobre la doble mirada de construcción y destrucción, y los conceptos de tiempo, territorio y a veces abuso.

7.7.23

Taller de escritura gratuito. Sencillo y entretenido

Hace ya un tiempo realicé en otro blog una serie de ejercicios destinados a construir una pequeña herramienta para aprender a escribir mejor, sobre todo basándose en la práctica constante e intensa de la escritura y en la corrección personal de lo escrito. 

Un pequeño Taller de Escritura creativa gratuito y sencillo y para los que comienzan a querer escribir y desean hacerlo cada vez mejor.

Nadie mejor que nosotros mismos para corregir y modificar. Aunque es cierto que si se alcanza un cierto nivel intermedio, hay que contar con otras personas que hagan sobre todo de correctores de estilo.

Pero cuando se comienza, hay que contar primero con la auto corrección, y luego con la lectura de amigos o parejas y escucharlos bien, para modificar aspectos diversos. 

Escribir bien es complicado pero es muy beneficioso y gratificante, por lo que no hay que pensar en escribir muy bien, sino en aprender a escribir cada día mejor. 

Se aprende practicando, leyendo mucho, fijándonos cómo lo hacen otros escritores, y acudiendo a Talleres de Escritura, de muy variado tipo, y seguir aprendiendo.

En el Blog "Espacios Plurales" hay hasta 27 pequeñas entradas con algunos consejos e ideas para practicar e intentar aprender. Si ponéis en su propio buscador —arriba— Taller de Escritura, os mostrará las entradas.



Sergio Aragón y una de sus linografías


En los Premios Isabel de Portugal que entrega cada año la DPZ hubo un premio Accésit para un conjunto de unas obras del artista zaragozano Sergio Aragón, con 10 linografías de tamaño A2.

Este aragonés,Sergio Aragón, fue Primer Premio de Grabado del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte a proyectos educativos.

La técnica de la linografía se desarrolló a comienzos del siglo XX. Artistas como Matisse y sobre todo Picasso, obtuvieron excelentes estampas en colores planos utilizando diferentes planchas de linóleo. 

La linografía es una técnica artística de grabado, cuya plancha matriz o cliché de la que se obtiene la imagen a reproducir está fabricada en linóleo, aunque también pueden utilizarse la madera y esta se cubre por el linóleo proveniente del aceite de lino. 

Dicho aceite es mezclado con otras partículas, por ejemplo las del corcho triturado para solidificar el aceite, y las cuales actúan como agentes que compactan el líquido a modo de alta masa y se solidifica después sobre arpilleras, adoptando la consistencia del caucho.

6.7.23

Isaac Gamuza y Las Bestias del Silencio, en Zaragoza


El artista zaragozano Isaac Ganuza nos presenta en el Premio Isabel de Portugal de la Diputación de Zaragoza del año 2023 una obra fotográfica impresa en papel fine art que titula "Las bestias del silencio, Chena vala #10", en un ejercicio maravilloso de juego de luces y sombras, de movimiento, de colores suaves pero a la vez contundentemente oscuros.

Titulado en el año 1976 en Gráfica Publicitaria en la Escuela de Artes y oficios de Salamanca en dónde obtuvo formación de fotografía analógica en blanco y negro, ha ido evolucionando a través de cursos especializados en fotografía digital tanto el Centro de Tecnologías Avanzadas como en la Academia Spectrum Sotos de Zaragoza dónde logró una Beca en el año 2015 para realizar formación en Fotografía Creativa.

Fotógrafo contemporáneo, pintor con luz de la fotografía más expresiva, conocedor del lenguaje moderno que nos ofrece la imagen como herramienta pictórica tremendamente útil, es un buen ejemplo de los nuevos caminos de la fotografía artística.

Arte Urbano en la calle para motivar


En la calle podemos dejar frases de ánimo, de apoyo. El caso es decorar nuestros paseos para hacernos pensar durante al menos unos segundos. El Arte Urbano, el Arte Callejero se necesita cada vez más, para salir de nuestras pantallas, y mirar la calle con otros ojos.

4.7.23

Dibujo de Tina Turner por las calles de Madrid


Muchas veces la hermosura de una obra de arte muy correcta te la encuentras en la calle, sabiendo que va a durar poco tiempo, que se irá perdiendo. Esta dibujo y pintura de Tina Turner ya estaba repintado por los tontos de la calle. Le he tenido que retocar. 

Solo la salvamos con una fotografía de recuerdo, para poderla contemplar como el autor quiso hacerla en un principio, sin firmas sobre impresas por torpes callejeros. Pero no hay otra que aguantarse.

Grabado digital de una hoja seca


Pequeños grabados digitales, que parece un contrasentido. ¿Grabados digitales? Bueno, todo es posible en estos tiempos. Al menos no es una obra de Inteligencia Artificial sino muy natural y trabajada. Como siempre, lo único que sirve es la idea, las ganas de quedar contento con tu propia obra, y seguir explorando.

3.7.23

Antonio Saura de joven y su "Enigmática Danza"


Esta obra de un Antonio Saura joven la realizó en el año 1950 con solo 20 años de edad y se titula "Enigmática Danza" realizada al óleo sobre cartón y propiedad del Museo Reina Sofía de Madrid

Es uno de los cuadros de su primera época, surrealista y fantástica en donde todavía no había definido su propia escuela de pintura y figuras tan clásica y conocida en sus obras.

¿Podemos adivinar con esta obra el camino que irán tomando sus personajes tan característicos?