Diez poetas contemporáneos. Poesía Moderna

La poesía contemporánea y moderna, la que se refiere a la poesía escrita en la actualidad, generalmente después de la década de 1940, es muy diversa y puede incluir una amplia gama de temas y estilos. En la poesía contemporánea, los poetas suelen experimentar con la forma y la estructura, y a menudo se desafían las convenciones poéticas tradicionales. Aunque la rima es un elemento común en la poesía, no es un requisito esencial para que un poema sea considerado poesía. La poesía puede expresarse a través de muchos recursos literarios, como la métrica, la cadencia, la repetición, la aliteración, la metáfora, el simbolismo, entre otros.

Algunos escritores de poesía contemporánea que se podrían recomendarte sería:

Ocean Vuong: un poeta vietnamita-estadounidense cuyo trabajo a menudo aborda temas de identidad, trauma y amor.


Claudia Rankine: una poeta y ensayista afroamericana cuyo trabajo se centra en temas de raza, género y violencia racial.


Terrance Hayes: un poeta estadounidense cuyo trabajo a menudo explora la identidad afroamericana y las dinámicas de poder.


Warsan Shire: una poeta somalí-británica cuyo trabajo se centra en temas como la identidad, la migración y la violencia, y exploran la experiencia de ser una persona negra y musulmana en el mundo moderno..


Tracy K. Smith: una poeta estadounidense que ha sido poetisa laureada de Estados Unidos, cuyo trabajo a menudo se enfoca en la historia y la identidad afroamericana.


Mary Oliver: una poeta estadounidense fallecida en 2019, cuyo trabajo a menudo explora la conexión entre los humanos y la naturaleza.


Sharon Olds: una poeta estadounidense cuyo trabajo a menudo explora temas íntimos y personales, como la familia y la sexualidad.

Louise Glück: una poeta estadounidense que ganó el Premio Nobel de Literatura en 2020, cuyo trabajo a menudo explora temas de la identidad, la muerte y la naturaleza.

Ada Limón: una poeta estadounidense cuyos poemas a menudo exploran la naturaleza, el amor y la pérdida, y la relación entre los seres humanos y el mundo natural.

Danez Smith: un poeta estadounidense conocido por sus poemas que abordan temas de identidad, raza, sexualidad y la experiencia Queer.

¿Qué nos quería decir Joan Miró en sus obras?

El artista Joan Miró fue un pintor, escultor y ceramista español que se destacó sobre todo en el movimiento surrealista. Su estilo artístico es altamente personal y original, y es reconocido por su uso de formas orgánicas y abstractas, colores brillantes y líneas curvas.

Joan Miró se inspiró en la naturaleza y en el paisaje catalán de su infancia, y su obra a menudo presenta formas abstractas que se asemejan a animales, plantas y objetos cotidianos. También era conocido por su uso de símbolos, como estrellas, lunas y pájaros, que se convirtieron en elementos recurrentes en su obra.

En su proceso creativo, Miró experimentó con una variedad de técnicas, incluyendo la pintura, el grabado y la escultura. También fue un pionero en la técnica del automatismo, en la que el artista trabaja sin un plan preconcebido, permitiendo que su subconsciente tome el control del proceso creativo.

El arte de Joan Miró se caracteriza por su originalidad y su uso de formas abstractas y orgánicas, así como por su inspiración en la naturaleza y en la exploración del subconsciente. Su trabajo es altamente imaginativo y lleno de vida, y continúa siendo una influencia importante en la historia del arte moderno.

Las obras de Joan Miró son altamente simbólicas y a menudo transmiten un sentido de misterio y poesía. Aunque es difícil dar una interpretación única y definitiva a su obra, hay algunos temas recurrentes que se pueden encontrar en su trabajo.

En general, Miró estaba interesado en explorar la naturaleza humana y las emociones, y en su obra a menudo se pueden encontrar referencias a la infancia, los sueños y la imaginación. Sus formas abstractas y orgánicas sugieren una conexión con la naturaleza y una exploración de la vida y la muerte.

Al mismo tiempo, sus obras también reflejan una crítica social y política, y a menudo hacen referencia a la guerra, la opresión y la injusticia. En algunos casos, sus símbolos sugieren una lucha por la libertad y la resistencia frente a la opresión.

En resumen, las obras de Joan Miró son altamente simbólicas y transmiten un sentido de misterio y poesía. A través de su uso de formas abstractas y orgánicas, exploró temas como la naturaleza humana, las emociones, la crítica social y política, y la lucha por la libertad y la resistencia.

Nota.: La obra de Joan Miró que vemos arriba se titula "Velada snob en casa de la Princesa" del año 1946

Banksy al lado del edificio de Natalia, en Irpin (Ucrania)

El Arte Urbano de Banksy al lado del edificio de Natalia, en Irpin, Óblast de Kiev, (Ucrania), un ejemplo de que también el arte es capaz de mostrar las idioteces de las personas, capaces de la destrucción por tener aseguradas sus razones que no conducen a nada.

La belleza no muere tampoco dentro de las guerras. Se mata a personas, pera las ideas permanecen.

La fotografía es del aragonés Gervasio Sánchez

¿Escribimos de lo que queremos o de lo que quieren los personajes?

La frase se puede leer en la pared de una biblioteca de Madrid. En una de las salas de lectura iluminada con luz natural y silencio.

"Un escritor no escoge sus temas, son sus temas quienes le escogen".

Los escritores elegimos de qué hablar, e incluso creemos que escribimos de lo que queremos. Somos libres, excepto porque vamos llenos de mochilas. Parece que elegimos los temas sobre los que creemos entender algo. 

Esto ya de entrada es falso. Pero además todo escrito, si se hace con vehemencia, se va apoderando del escritor. Se retuerce. Se va apoderando poco a poco de las ganas, va girando, va incorporando esquinas y detalles, se rebela, obliga a crear nuevos puntos de vista o nuevos personajes.

Lo podemos tener muy claro, aunque más claro todavía lo tienen los propios párrafos, sus sonidos, sus colores, sos ganas de rebelarnos de nuestra función.

Arquitectura Emocional de Mathias Goeritz

El multiartista polaco y mexicano Mathias Goeritz nos deja aquí una obra que tituló: "La serpiente de El Eco" una escultura de 1949 1953 en donde explora durante mucho tiempo sobre esa arquitectura casi emocional en donde no solo se busca la funcionalidad de las construcciones sino también "el bien estar" y la belleza, el uso de los espacios que se elevan sobre el aire, buscando emociones.

Es un boceto, una idea, unos conceptos que como es lógico casi nunca se pueden llevar a término por diversas cuestiones, pero que a su vez cuestionan la funcionalidad de la arquitectura como disciplina que llena espacios vacíos, y además los dota de una funcionalidad. 

A veces las culturas y los costes de cada momento en una disciplina como la arquitectura en donde todo es muy costoso, los vuelven imposibles, pero son ideas que casi son poemas escritos con gestos, con letras en relieve, que se relacionan con el aire y sus entornos.

No eres poco. Eres lo único que tienes

Nada cambia, si tu no te quieres mover y pelear con construir ese cambio. 

Aunque te fastidie saberlo, todo depende de ti y de tus ganas. 

No eres poco, eres lo único que tienes. ¡Trabájate más!

Antonio López, Teruel y el Arte

El artista español Antonio López ha reflexionado sobre el Arte con una frases que me parece fundamental en estos tiempos, icónica de lo que entre todos debemos entender sobre el Arte.

"Antes la pintura estaban en los templos, en las calles, ahora ¿donde están las pinturas y las esculturas? Tiene que haber un sitio para mostrar lo que hacemos los pintores".

Los Museos han dejado de ser un espacio abierto y cambiante, para ser muchas veces meros contenedores, almacenes que muestran parte de lo que tienen, según los conceptos de sus gestores o incluso de la realización de proyectos que consideren comerciales y atractivos para visitantes turísticos.

Mientras tanto las calles siguen tomando protagonismo con sus obras de Art Street.

Nota.: La imagen es un mural de la ciudad de Teruel

Dibujos surrealistas de dos planos

El surrealismo tiene muy diversos caminos de expresión, y el dibujo es uno de ellos, ya practicado por Salvador Dalí por sacar un ejemplo sencillo. es una manera de sacar desde dentro las ideas, los sueños, las locuras incluso, las dudas y bellezas que se van amontonando. 

En el surrealismo no solo hablamos de sueños, de mundo interiores, sino también de formas de ver lo común, de aceptar lo diferente mezclando elementos comunes, expresionistas, que por separado dicen una cosa y unidos en el mismo plano ofrecen una mirada muy distinta.

Estos dibujos son del artista Ángelote50 del que sus primeras obras al óleo datan de 1970 y al que ha acompañado el arte toda la visa. Empezó manchándose las manos con tintas serigráficas, continuando después con el diseño de calzado para muy importantes marcas europeas. 

Tras unos años trabajando la escultura en madera ha querido volver casi a sus inicios artísticos, aunque los que lo conocemos recordamos con cariño una seria de "huevos" extraños en sus trabajos surrealistas de los años 90.

¿Quien dijo que disfrutar del Arte es complicado y solo lo deben hacer los artistas? ¿Quién es Artista y quien artista?

Un barullo de personas rodeados de muchos otros barullos

A veces los barullos, los amontonamientos producen efectos visuales que distorsionan la belleza. Se convierten casi en basura aunque sea la suma de personas con artilugios. Un barullo complejo de ver, de entender, de querer seguir viendo. Pero existe esa mirada.

Balconada de Bilbao para impresionar

La arquitectura que en estas décadas está sobre todo constituida por grandes edificios, grandes obras que desean impresionar, tuvo épocas distintas, en las que simplemente era constructora de pequeños detalles, de balconadas o de espacios más prácticos y personales. Esta imagen es de Bilbao.

Diferencia entre pared y muro

Las paredes no son casi nada sin ventanas. Una apertura hacia dentro o hacia fuera, es la única razón de ser que posibilita asomarse para poder seguir viendo otras paredes. Sin ventanas, las paredes son muros.

Robert Motherwell y su expresionismo abstracto

Es verdad que a veces resulta complicado poder explicar el valor de algunas obras de arte. Aunque lo complicado no es entender el valor y a cambio intentar defender su precio, que son cosas distintas.

Esta obra titulada "Iberia" y realizada en el año 1958 es del artista de EEUU Robert Motherwell. Uno de los precursores del expresionismo abstracto norteamericano que sobre todo se hizo famoso precisamente por eso, por ser de los EEUU, un país que en una época determinada quería liderar el mundo, incluido el Arte en todas las vertientes posibles e imposibles.

En sus ideas, Robert Motherwell trabajada el lienzo con muy pocos colores y remarcadas o matizadas con pinturas negras de óleo, diluidas en aguarrás, para simular sombras y no negros puros, comunicando una relación entre el lienzo, los blancos, las sombras, los colores escasos y los espacios. 

En sus obras, tan importante es observar las masas de color como los espacios que deja sin manchar, sin rellenar, para encontrar las explicaciones al conjunto del cuadro. Realmente es como pintar grafismos que no siempre comprendemos, que tampoco siempre están reflejados en su totalidad.

En realidad es una mezcla de expresionismo abstracto y surrealismo, pues pintaba lo que se imaginaba desde dentro, las dobles intenciones, los significados nada fáciles de comprender. 

Fue un gran teórico del Arte, filósofo y profesor de varias universidades americanas, ha sido muchas veces algo olvidado por la influencia de otros artistas norteamericanos de la época como Pollock, Rothko o Kooning.

Los Late Night tienen que volver. LateXou un ejemplo

La televisión también es Arte, es una de las artes más fáciles de entrar en los hogares, en las personas. Es Ocio como el Arte que también es ocio, y además es negocio y entretenimiento y provocación. Se parece tanto que son lo mismo. El Arte es televisión y la Televisión es Arte.

Los Late Night llevan como dice el último presentador que se adentra desde España en esta fórmula, millones de años dentro de la televisión. En Cataluña, en TVE desconectada de la emisión general están trabajando el programa que han titulado LateXou y que presenta y gestiona desde las tripas el conocido y muchas veces fabuloso Mac Giró. 

Se trata de entretener formando e informando, se trata de ser ácido y provocador, recordarnos a la última hora del día que se puede ser distinto sin dejar de ser el mismo de siempre. Pero no siempre todas las cadenas de televisión saben aceptar que esta fórmula antiquísima sigue funcionando.

En la cadena de Movistar tuvimos durante unos buenos años a Andreu Buenafuente que se retiro a buscar otras lindes. Y la cadena optó por suprimir el programa. Nadie ha querido coger el testigo ni en esa cadena ni en otra. El programa de Broncano, muy bueno, es "otra" cosa, es otro formato más atrevido si cabe e incluso más moderno dentro de otra vuelta de tuerca.

Recuperar buenos programas modelo, buenos formatos, no es reconocer que se nos están agotando las ideas. 

Llevamos miles de años pintando a figuras humanas y lo que nos queda. El formato es un contenedor en donde caben muchos elementos, y es en ellos en los que hay que demostrar la originalidad, el cambio, la transformación.

El único detalle imprescindible en todo Late Night es que el Presentador Conductor sea de Alta Calidad. 

Pero admitiendo que hay muchos tipos de modelos posibles en esa figura, y que siendo complejo acertar pues no se puede cambiar de portero a mitad de partido, hay en España profesionales en dónde elegir. En la misma medida en que hay muchos modelos que ya no sirven para estas labores. 

Para qué y quien pintaban los humanos prehistóricos?

Publicaba El País esta imagen de una pintura rupestre que se encontraba en Brandberg (Namibia) y ahora está en el Museo del Hombre de París. Miles de años hace que los humanos repartieron sus obras de arte por todo el mundo, a miles de kilómetros de distancia las unas de las otras.

El ser humano tuvo la necesidad en todo el mundo, sin haber tenido nunca contacto entre ellos, sin saber nunca lo que hacían los unos y los otros en África, Europa, en China o en España, en América o en Soria, de plasmar lo mismo, con las mismas herramientas.

Necesitaban explicar qué eran ellos, cómo eran. Necesitaban intentar que sus modos de vida transcendieran más allá de la muerte física.

Se pintaban ellos en sus actividades de riesgo, en la caza generalmente. Y pintaban a sus animales, sus armas o incluso como vemos en la imagen de arriba, pintaban a las mujeres embarazadas con sus adornos en la cabeza o en el trasero. Sabían qué deseaban informar. La mujer iba detrás y tampoco sabemos si es casualidad o causalidad.

Y añadían en todos esos casos símbolos. Fuera en Portugal o en Francia, acompañaban con similares símbolos, con manos en positivo o negativo, con círculos, con líneas, aquellas formas de vida retratada. Volvemos a preguntarnos los motivos para que coincidieran a tanta distancia y sin conocerse, con la necesidad de pintar lo mismo.

E incluso hemos podido datar las fechas aproximadas y sabemos hoy que hay distancias de miles de años entre esos mismos signos, es decir, se mantuvieron en el tiempo, o no en todos los lugares sintieron la misma necesidad a la vez. 

El ser humano del que no sabemos si pintaba el hombre o la mujer, o ambos, necesitaba explicar que ellos habían existido, y nos dejaban sus manos impresas en Argentina, en España o en Australia. Todos ellos tenían la misma necesidad interior.

Pero en realidad seguimos sin saber lo sustancial. Hoy nosotros podemos disfrutar y conocer de su existencia, pero no sabemos los motivos interiores que les llevaron a este trabajo artístico inicial. Aunque nos imaginemos con nuestra actual forma de pensar para qué podrían servir, en realidad lo que estamos haciendo es reinterpretar lo que ahora haríamos nosotros en nuestras tribus de amigos y vecinos si uno de nosotros supiera pintar símbolos. Lo aprovecharíamos para mandar, para crear religiones, para producir dependencia de esos símbolos. Pero no sabemos qué forma interior de pensar tenían ellos. 

Cerámica de Joan Miró con grafismos ancestrales

Cuando hace 20.000 ó 40.000 años los humanos decidieron pintar sus paredes de las cuevas no podrían siquiera sospechar que alguien miles de años después, que un artista como Joan Miró volvería a trazar elementos gráficos muy similares a los suyos.

Joan Miró dibujaba lo que soñaba, posiblemente lo mismo hacían nuestros ancestros. Dibujaban en las paredes sospechando que hablaban con sus Dioses, y que ellos hablaban a través de sus grafismos.

Se sueña lo que se conoce, y se pinta en las paredes lo que se vive, filtrado por el tiempo y la experiencia, con unos toques de misticismo y de creencia en transcender.  

Mariposa marrón que desearía ser verde

 

A veces los colores son los que nos llevan a las ideas. ¿Verde mariposa? Sí, hay mariposas verdes, las hay de casi todos los colores. Simplemente hay que buscarlas. Pero incluso las mariposas marrones y feas, las mariposas polilla, pueden ser vedes si se dejan reflejar por el ambiente. Como los humanos.

No veremos el Fin del Mundo del Arte

Podríamos intuir que estamos ante el final de un Ciclo Histórico si nos fijamos en el mundo del Arte. En la Historia de la Humanidad muchas veces ha sucedido esto. El Arte avanza los cambios a veces dramáticos, y otras veces construye los cambios positivos con nuevas tendencias, nuevas maneras de crear lo que en realidad no es otra cosa que Ocio convertido en belleza.

El Arte más fácil de observar lo vemos en las calles, es el llamado arte con minúsculas pero que indica que volvemos a nuestros ancestros casi prehistóricos, escribiendo por las paredes.

Otro detalle curioso es el valor al cambio entre obras de arte grandes y billetes o números de la economía de empresas o de personas. Se pagan millonadas por lo que hasta hace poco eran consideradas bobadas. Sacan el dinero de la circulación habitual para cambiarlo por obras de Arte sin valorar si el cambio es correcto.

Simplemente una Obra de Arte vale un poco más de lo que alguien estaba deseando pagar antes de que el más rico o tonto de la clase hiciera un último esfuerzo. Claro ue… muy tonto no será cuando tiene más dinero que otros.

Pero la verdad es diferente. El Arte nunca muere, si acaso se modifican las formas de expresarlo. Nadie es capaz de intuir qué modelo artístico estará imperando en el año 2100. Tampoco los artistas. Los mejores de esos años están a punto de nacer, y ni sus padres saben que marcarán tendencia y sus obras de arte serán imprescindibles. ¿Pero de qué estarán constituidas? ¿Qué desearán mostrarnos en ellas, con ellas? 

Pues… lo curioso es que no lo vamos a ver ninguno de nosotros.

Nota.: La imagen es del patio central del AZKUNA ZENTROA de Bilbao, en febrero de 2023.

¿Está el surrealismo de moda, por escapar de las modas?

El mundo artístico que se mueve alrededor del surrealismo sobrevive, incluso cuando a veces escuchamos que el Arte ha muerto, por entender mal qué es y para qué sirve el arte con minúsculas, el que huye del marcantilismo. 

El surrealismo como disciplina que busca y mezcla el mundo real con el irreal, o los sueños con las mentiras, las locuras con lo imaginado…; sabe que puede jugar con el dibujo, la pintura, el teatro o la literatura, el cine o la fotografía.

El surrealismo está vivo por saber utilizar la abstracción o el realismo sucio o blanco, la impunidad de la osadía dulce y la delicadeza de lo deseado pero imposible. Sabe jugar con quien simplemente contempla.

Y por querer escapar de las modas, el surrealismo está de moda, precisamente por no querer estar de moda. 

Y porque el atrevimiento del surrealismo tiene un toque de humor cínico, de provocación calmada, casi silenciosa, que en estos tiempos de excesiva violencia verbal, provocar en silencio es casi un nueva Arte.

Al final hubo que ponerlo en horizontal

Las manchas negras se caen en este caso, solas sobre el papel casi húmedo, por mucho que quien las quiere construir crea que domina el pincel. 

La mancha se mueve levemente a su antojo queriendo expandirse, recorrer caminos, mancha a su gusto, busca salidas nadie sabe hacia dónde. 

Al final el ambiente la va secando y lentifica su caída. Todo se va quedando en nada, otra vez quieto, reposado al poner el papel en horizontal.

Con eso no contaba la mancha negra.

Lucian Freud y sus obras figurativas cuando no eran la moda

La primera retrospectiva del artista alemán y británico Lucian Freud se celebra en Madrid en el Museo Nacional Thyssen Bornemiza, organizada por los comisarios Paloma Alarcó y Daniel F. Herrmann, en donde se reúne 55 retratos del célebre nieto del fundador del psicoanálisis.

La muestra se ha titulado "Nuevas perspectivas" y se divide en seis secciones según los modos de evolución de sus obras. 

El Museo Nacional Thyssen Bornemiza nos ofrece la oportunidad de contemplar la producción de uno de los artistas más relevantes y con más personalidad del siglo XX; que se negó a seguir las ideas de las corrientes abstractas y conceptuales que proliferaron durante sus casi 90 años de vida entre 1922 y 2011. 

La imagen que vemos arriba se titula "Doble Retrato" y es de 1985, propiedad de una colección privada, una de sus obras figurativas que nos muestra más claramente el tipo de pintura que realizaba, buscando momentos aunque estos duraran 50 horas de posado.  

Lucian Freud era un pintor tremendamente lento para realizar sus obras con los modelos posando para ellas, hasta casi agotarlas en sus esperas pictóricas por mucho que Lucian Freud como gran conversador, los mantuviera entretenidos con sus conversaciones. 

Muchas veces eran desnudos que se hacían con la calma de quien necesita su tiempo para encontrar el brochazo, la pincelada exacta para marcar el detalle, el gesto, las arrugas, pues era un enorme trabajador del cuerpo humano, de sus posibilidades pictóricas.

El número 1435 en el New York más largo

New York es una ciudad para jugar con los números, para dejarte sorprender mientras paseas por sus calles con números poco habituales sobre las paredes y las casas. 

Es un detalle más de su urbanismo originalidad, de esta ciudad y de muchas otras de una América que se quiere extender sobre sí misma.

En este caso es el número 1435, pero podría ser más alto u otro. Pero siempre los números están enmarcados entre detalles que los ponen en valor visual.

Señora ajena a sus momentos peligrosos

Creo que habría que advertir a esta señora descansada…, que por mucha bolsa de colorines que lleve a su vera, por mucho equipaje que le acompañe en la vida, estar tan cómodamente sentada esperando a que corten la cinta roja no es un buen inicio de día.

¡¡Alma de cántaro!! ¿acaso no ves que la cinta ya lleva un nudo, que la han cortado en más ocasiones, y que tras la puerta está el vacío a donde tiran a señoras descansadas?

Cuidado con los peligros.

Por un flor yo daría…

Por una flor primaveral yo daría…

Por una mirada de esa flor yo daría…

Por volver a ser una flor viva yo daría…

Por volver a encontrarme con la escena yo daría…

Un niño en New York, tal vez excesivamente verde

Uno de los placeres de algunas ciudades es perderse para encontrar obras de arte sobre sus muros urbanos, escapar por ellas buscando escenarios no habituales.

New York es una de ellas y el ejemplo que os pongo arriba es de ella, de hace ya 5 años. No sé si seguirá todavía en su pared. 

Pero en España tenemos muchas otras, por ejemplo Vitoria y Zaragoza, Madrid o Valencia entre otras, y también en las principales ciudades de Europa. Es cuestión de buscar antes de iniciar el viaje.

Se van convirtiendo las calles en pequeños museos aleatorios que muestran obras que son excelentes.

Un 1435 enmarcado con toldo y macetas

Pocas ciudades como New York para jugar con los números, para ver números poco habituales sobre las paredes y las calles. Es un detalle más de su originalidad, de esta ciudad y de muchas otras de una América que se quiere extender sobre sí misma.

En este caso es el 1435, pero podría ser más u otro. Pero siempre los números están enmarcados.

Joan Miró, surrealismo simplificado

El museo Guggenheim de Bilbao homenajea a Joan Miró en este 2023 con una exposición monográfica del artista catalán que profundiza en el trabajo de un artista surrealista que no siempre hemos sabido valorar como se merecía en la España que no siempre ha gozado de una gran cultura artística.

La imagen que dejo arriba, de esa exposición, un autorretrato realizado en el año 1919 marca de alguna forma su cambio de una pintura más expresionista y figurativa hacia unas nuevas maneras de expresión ya por todos conocidas.

En esta obra podemos ver si nos fijamos, un cambio claro en su forma de analizar el pensamiento artístico. La camisa está dividida en dos partes claramente distintas. Un cubismo en las parte de la tela de la izquierda, y un expresionismo más apegado a sus tierras catalanas en la zona de la derecha. Es como un preguntarse él mismo hacia dónde quería caminar, moverse, ir.

Quería una realidad, pero también una abstracción, y a su vez, deseaba entrar en el mundo de los sueños del surrealismo, convirtiendo en grafismo puro sus pensamientos, las imágenes con las que soñaba. Era un surrealismo que daba un paso más, no deseaba mostrar sueños reales, sino sueños imaginados. Transformaba sus sueños a sus propios sueños. Creía en los grafismos prehistóricos, en las señales contra la tela, en la simplificación de los trazos y los dibujos. 

Una exposición perfecta para conocer la obra de Joan Miró, pero a su vez para estudiarlo y profundizar en su obra.

Don Quijote contra las botas de vino

Hay miles de ilustraciones de Don Quijote repartidas por los libros, museos o paredes de espacios diversos. Es un personaje que ha sido retratado innumerables veces en las mismas fechorías. Esta de las botas de vino es una de ellas.

—¡Tente, ladrón, malandrín, follón; que aquí te tengo y no te ha de valer tu cimitarra!

La ilustración es de Daniel Urrabieta Vierge

Arte Aleatorio en dos colores

Las manchas se caen solas sobre el papel, por mucho que quien las quiere construir crea que domina el pincel. La mancha se mueve a su antojo, queriendo expandirse, recorrer caminos, manchar a su gusto.

Iglesia en New York. Arte Visual

Hay muchos lugares en donde sentirse casi abrumado por las formas y las artes que te envuelven, y una iglesia es uno de ellos. Daría igual si el templo es cristiano, budista e incluso en algunos casos musulmán, la sensación de que eres como persona un detalle muy pequeño, son tremendas. 

El Arte está creado en las iglesias para convertirte en pequeño. Esa arquitectura enorme, ese interior que te recoge, su decoración, logran que el espacio en donde en teoría habitan los Dioses de cualquier religión ea tremendamente grande en comparación.

Esta iglesia está en New York, pero daría igual si es Francia, España o Alemania. Todo el Arte visual que contienen están hechos para impresionar. El espectador, el que entra, tiene que sentirse diminuto, abrazado por lo que representa el espacio. Y eso es también Arte Arquitectónico, Arte Visual, Arte Decorativo.

Nada es casualidad, ni el color verde de la mesa del altar, ni el contrapeso del gran ramo de flores amarillas de la derecha.

Gotas secas del Metro de New York

En el Metro de New York hay opciones de verse reflejado a través de las gotas de la lluvia, secas casi siempre, pues la suciedad es un activo que va con la ciudad. Es una ciudad con muchas otras opciones para ver lo que no siempre es habitual.

Lo peor del Arte posible e imposible es la indiferencia

El ser humanos siempre ha tenido la necesidad de expresarse con los métodos que sabía utilizar. Y desde hace miles de años sabemos que también los hacía con la pintura, aunque no todos sus compañeros de cueva o de convivencia entendieran lo que pintara en esos espacios oscuros.

—¿Para qué pinta? —se preguntarían.

—¿Qué quiere decirnos cuando deja sus manos pintadas en negativo sobre las paredes de la cueva?

El autor, el ya artista… sí sabía lo que deseaba decir, posiblemente quería trascender a su propia vida, deseaba que aquellos grafismos estuvieran más tiempo dentro de la cueva de lo que iba a estar él. Y eso lo consiguió.

Pero en la actualidad seguimos igual. Deseamos expresarnos y el ejemplo más sencillo de comprender son las actuales Redes Sociales. 

Somos muchos los que lanzamos textos, frases o soflamas al aire, buscando a nadie y a todos. 

Posiblemente tampoco lo sabríamos explicar bien, pero la sociedad en general necesita expresarse. al menos una parte de esa sociedad.

Así que a través de esa aceptación, podemos encontrarnos por las paredes gritos o signos que no tenemos que comprender, que incluso no nos gustan o nos parecen abominables. Basura clara y sin explicación. 

Que se acepte como basura algo de lo que nos dejan por las calles, es ya un detalle a su favor. Lo malo sería que no nos motivara ni asco, ni desagrado. Lo peor de todo el Arte posible e imposible es la indiferencia.

Damian y Delaine Le Bas. Arte Gitano

Vemos arriba una obra titulada: ¡El trabajo de vuelta al futuro! Safe European Home 1938 una de las obras más populares del artista inglés Damian Le Bas y la imagen del título de la exposición grupal itinerante Akathe Te Beshen. Un gran defensor junto a su esposa de la cultura romaní, gitana, incluido el campo de las Artes en todas sus expresiones.

Damian Le Bas pinta un mapa de Europa con numerosas caras sonrientes. Y al mismo tiempo, parece que el propio Damian Le Bas toma posesión de Europa, mostrándola ya no como una estructura de estados con sus fronteras, sino como uno solo, unido, que consiste en personas (risas).

Es como un grito de: "Gitanos en todas partes", romaníes en todas partes, como una cultura europea hoy poco representada en los campos de la cultura.

La imagen tiene algunos detalles que representan el ingenio típico del artista, como la representación de Irlanda (patria de su familia) como un oso de peluche volador o, en la parte inferior de la imagen, la representación de una caravana por la compañía Tabbert, apreciada como símbolo de estatus en la forma de vida nómada.

Con el título y el año 1938, el año en que se puso en marcha este mapa histórico, el artista se refiere al peligro inminente de una Europa antes del posible colapso, análogo a la Europa antes de la Segunda Guerra Mundial.

Por lo tanto, el trabajo, que ha sido cuidadosamente elaborado y es estéticamente agradable, debe entenderse como una advertencia por parte del artista. Es parte de la serie más importante de instalaciones y exposiciones de la pareja de artistas Damian y Delaine Le Bas, a quien le dio el nombre de Safe European Home?, inspirada en el título de The Clash.

Esta obra se pudo ver en una exposición en Madrid, en el año 2017.

Salvador Dalí convertido en hermosa basura

Cualquier elemento que nos parezca basura, se puede convertir en más basura si dejamos que los tiempos transcurran por encima. 

Pintar un Salvador Dalí en una pared es un detalle de Arte Urbano- Si luego van pasando torpes que le van añadiendo rayas y firmas, al final logran convertirlo en basura. 

Y si tras eso, dejamos que los años o meses pisen sobre todo el conjunto, se logra una maravillosa obra casi terminada que refleja la basura en todo su esplendor.

La Virgen con el niño, rodeada de Santos

Del artista italiano Corrado Giaquinto, dejo una obra del año 1750 en óleo sobre lienzo que fue un boceto para la decoración de la cúpula de la capilla de Santa María del Popolo en la catedral de Cesena en Italia, en donde vemos a la Virgen con el niño Jesús, rodeada de los Apóstoles o de Santos bajo un cielo de nubes lleno de Ángeles. 

Corrado Giaquinto trabajaba mucho con colores pasteles básicos, y fue director general de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando por lo que en España tenemos sobre todo en el Museo del Prado un buen número de sus obras. Fue uno de los artistas que más influyeron en las primeras décadas a Francisco de Goya.

Invertir y saturar. Colorear y distribuir

Simples manchas y trazos aleatorios para llenar espacios - 2023 - Rojos invertidos

Detalle del desembarco de Normandía

Ante los restos de una guerra nos viene a la memoria otra nueva guerra. Llevan anclados en la playa del desembarco casi 80 años y se mantienen como testigos. Tal vez para recordarnos de lo que somos capaces. Pero seguimos sin querer aprender. No aprobamos el examen de Historia y tenemos qu repetir Curso.

¿Importa la idea o importa el tamaño y los materiales?

Esto que vemos arriba es un boceto artístico, un proyecto que como está hecho en cartón no tiene ningún valor, excepto que tuviera una conocida firma detrás. Si este boceto de escultura estuviera realizado en metal, en chapa pintada, ya tendría un cierto valor.

Pero si esta obra se hubiera realizado en metal galvanizado y luego bien pintado con varias capas de imprimación, y realizado en cuatro metros de altura, todos pensaríamos que detrás de la obra había una firma y un encargo. Y tendría un importante valor.

No entraríamos a valorar la idea, incluso el tamaño nos indica por sí solo que es algo importante y que debemos contemplarla con mirada de calidad. 

Pero sigue siendo la misma idea que la realizada en cartón y pintada con unos tubos escolares. ¿Nos importa tanto el tamaño como para dividir entre válida e interesante o basura, simplemente porque algo en el mundo del Arte es grande o pequeño?

Es cierto, que si tuviera 12 ó 20 metros de altura, podría tener un uso urbano en una gran plaza y se podría convertir en un auditorio cerrado y abierto a la vez. Es decir, el uso en este caso le puede dar valor.

Arte Urbano por los muros de Zaragoza

No sabemos con claridad el mensaje del artista en este muro de Zaragoza. Hombre y mujer, peces y un mensaje que ya lleva unos años en la ciudad, creado por Harsa Stop

La Silla Rota. Broken Chair en Ginebra

La Broken Chair (La Silla Rota) es una escultura en madera que se encuentra en Ginebra en la entrada principal a la sede de Naciones Unidas. Realizada por el escultor Daniel Berset y por el carpintero Louis Genève simboliza la lucha constante contra las guerra que con minas anti personas intentan llenar de terror a las sociedades en conflicto. 

La idea parte de la asociación Handicap International con un proyecto de Paul Vermeulen y se montó a la entrada de Naciones Unidas en el año 1997 para estar allí durante los tres meses de una Convención que intentaba prohibir el uso de ese tipo de armas. No gustó a todo el mundo, hubo sus críticas, se retiró por obras en la zona en el año 2005 y se volvió a instalar en 2007.

Está en una plaza junto a la entrada principal que sirve sobre todo para que los grupos que acuden a criticar algunos temas que atañen a las NU se reúnan y se manifiesten alrededor de esta escultura que se ha convertido en un símbolo.

Sin ninguna duda es una visita obligada si acudes a Ginebra en Suiza, por el lugar en donde se encuentra, por lo que representa y por sus alrededores, bellos y que llaman su atención por el despliegue de arte urbano.

El tamaño en el Arte sí importa como elemento visual

En el Arte el tamaño como elemento visual, ante el espectador, tiene una importancia tremenda. Pero hay que distinguir dos tipos de tamaños. El tamaño de la obra y el tamaño de lo que nos muestra la obra.

Por una parte vemos el ejemplo casi desmesurado de la obra "La Silla Rota" de Daniel Berset situada junto al edificio de Naciones Unidas en Ginebra (Suiza) y de 12 metros de altura y casi 6 toneladas de peso, y en el otro extremo una macrofotografía de unos líquenes en los Pirineos aragoneses,  dos elementos bien distantes entre sí, pero que reflejan que el tamaño en la configuración del Arte se utiliza para llamar la atención.

En ambos casos se muestra algo que no es habitual ver. O bien nos acercamos para mostrar algo que sacado de su contexto nos puede decir otras cosas, nos muestra al ser enmarcado otros tipos de mirada. Y por otra parte vemos una escultura tremenda que nos obliga a preguntarnos qué significa. En el caso de "La Silla Rota" es un alegato contra las minas antipersonas o de racimo.

Alterar el tamaño de las cosas para romper las relaciones que ya teníamos con estos objetos, siempre sorprenderá y muchas veces en el arte surrealista actual, se juega con eso para ofrecer miradas diferentes de objetos muy habituales. Hoy en día, el collage digital facilita estos juegos de elementos, de usos, de miradas, y la fotografía sobre todo ha venido a dar un impulso a estas maneras de jugar con lo más común, simplemente modificando sus tamaños en relación a sus entornos, a sus añadidos, a lo que espera el espectador de lo que es común y se le muestra desde otro punto de vista.

Para terminar solo una nota más. Actualmente el Arte se cotiza por su tamaño. Unas simples manchas negras o unos trazos sobre un papel A4 no tiene ningún valor. Esas mismas manchas sobre un lienzo o una pared de cuatro metros cuadrados ya es una obra de Arte con un concepto diferente. Y unos usos comerciales que nada tienen que ver con la obra A4. 

Las Paredes hablan, por un Carlos Saura muy joven

El aragonés Carlos Saura estrena nueva película en este 2023 y a sus 91 años de edad. ¿Quien dijo que hay que jubilarse y parar a los 65 años? Es un documental, "Las Paredes Hablan" de 75 minutos de duración en donde plantea algo que representa en la actualidad la forma más primitiva de crear Arte: pintar en los muros urbanos, en la calle, de forma gratuita en casi todos los casos, y de forma efímera pues son obras que nacen para no quedarse.

El uso de las manos como herramienta artística y las paredes abiertas al público son la constante de una obra en la que intervienen explicando motivos e ideas el paleontólogo Juan Luis Arsuaga, y los artistas Miquel Barceló, Suso33 y Anna Dimitrova.

¿Para qué y para quien pintaban los artistas prehistóricos? 

¿Sólo querían dejar huella de su paso por aquellos espacios? 

¿Buscaban comunicarse con sus allegados o era para comunicarse con sus Dioses?

Podríamos decir que miles de años después seguimos en las mismas necesidades de comunicación con trazos, con colores, con deseos de expresión de ideas que hoy llamamos a veces abstractas pero que en realidad son simples maneras de sacar del interior formas de hablar que no siempre son fáciles de explicar.

Seguimos hablando con las paredes, en las paredes. Y las paredes siguen hablando por nosotros como lo hicieron los griegos o los romanos, en las iglesias de todos los siglos, en las calles urbanas de este siglo XXI.

Las Paredes Hablan dice entre otras muchas cosas algo fundamental. La única diferencia real es que pintar en paredes convierte a las obras en no portables, fijas y efímeras por ellos. Volvemos de alguna manera a querer pintar en la cueva de cada uno de nosotros.

La obra que vemos arriba es una sección de una obra de Miquel Barceló en la Catedral de Palma de Mallorca.

Creo que no tuve derecho en chafarle la cabeza

A la clavija la tuve que chafar de un golpe seco, pues se quería salir del cuadro. No sé bien, todavía, si hice lo correcto. Si intentaba salir, es que tenía vida propia, y… ¿quien soy yo, para chafar de un golpe seco, la libertad de un artilugio metálico? 

Obra fácil de pintura naíf o casi

Hace ya 28 años que hice este cuadrito de un paisaje, por casi encargo, para un regalo en un pasillo de unos amigos. Una obra menor y alejada de lo que por entonces era mi pintura surrealista, pero que me permitía jugar con los colores y los pinceles, recreando paisajes bucólicos y falsos.

Recuperar la imagen me agrada por lo que tiene de personal, de recuerdo, de técnica sencilla o incluso "no técnica" simplemente realizado para disfrutar del tacto de la pintura y del olor del óleo. 

Es posiblemente una de mis últimas obras realistas si se puede llamar así, a lo que es casi una obra naíf.

Un perro callejero de Zaragoza

Un perro callejero de Zaragoza, con avispas, con pantalones vaqueros, con mirada inquieta. Un perro que nos mira por las calles de Zaragoza, para ver si lo hacemos todo bien. Curiosamente no está muy a la vista, pero en cambio él sí sabe mirar desde su atalaya. Cuidado pues observa y toma notas.