Playa del desembarco de Normandía. Restos del puerto

Y parecía que nos miraba, pero no le hice caso, por respeto al lugar - Normandía - 2022

Para estar en la calle, un transistor es imprescindible

Estaba siempre en la misma zona de la calle céntrica y siempre con el viejo transistor encendido con música patriótica si podía encontrarla. Un día dejó de estar. Ya ni vino él ni su transistor. A veces la música cambia de escenarios.

Caminando por la vida, yo te vi

No siempre el caminar por la vida supone saber hacia dónde queremos ir - 2018

Sin imágenes podría ser mentira. ¿Y con imágenes?

En El País aparecía esta viñeta de Riki Blanco, clarificadora del papel de la fotografía, de las imágenes en la configuración de las noticias. Pero cuando es solo la fotografía o la imagen de vídeo la noticia, algo está fallando. La noticia debería ser el hecho. pero es que en los últimos años necesitamos dar todo mascado, para que sea digerido. Sin imágenes podría ser mentira, en cambio con imágenes… también.

Chema Moya, el cazador fotógrafo de espaldas

Hay imágenes como esta de Chema Moya para EFE que hoy publica El País, que formarán parte de la historia. Y es la demostración clara de que el fotógrafo tiene que ser un cazador de historias, de momentos, de verdades mentirosas, incluso de realidades simples que se pueden convertir en iconos.

Esta imagen de las espaldas de Joe Biden, Pedro Sánchez y Begoña Gómez es una imagen que provoca la sensación —no sé si falsa— de que son tres amiguetes que se van de cena. Y sí, se fueron de cena dentro del Museo del Prado. 

Chema Moya necesita un aplauso cerrado por esta imagen y por lo que en realidad transmite aunque sea falso. 

Aurelio Grasa, un fotógrafo aragonés con su Leica

Los pioneros en la fotografía no solo abrieron caminos o no solo fueron capaces de mostrarnos la vida de aquellos años, sino que dieron impulso a la fotografía para darle valor y que se siguiera investigando a una velocidad alta, para acelerar los tiempos en los que ya cada vez más, nos íbamos sumando al vicio de la fotografía en los años en los que todavía era cara.

Esta imagen de la Zaragoza de 1916 es del fotógrafo, artista y médico aragonés Aurelio Grasa un fotorreportero del que se cumplen ahora 50 años de su defunción. Con su Leica retrataba momentos, personas, escenas, paisajes de los Pirineos o estampas de la vida cotidiana.

Hoy Heraldo de Argón (en donde colaboró con sus imágenes unos años) le rinde un pequeño homenaje comentando sus imágenes más icónicas y añadiendo que el 8 de octubre de 1912 hizo la primera foto aérea de un fotógrafo español. Entre sus imágenes más conocidas figuran algunas de Manolete, 1944, y un reportaje a Florentino Ballesteros de 1916, o que captó a Santiago Ramón y Cajal en el Monasterio de Piedra en 1919.

Bodegón digital prehistórico

Mis primera imágenes digitales las trabajé antes de 1990, es decir antes de que naciera Photoshop que enseguida se convirtió en el Rey de los programas para retocar o crear imágenes digitales. Comencé con plataformas carísimas y muy profesionales, en donde no se podía picar texto pues no reconocían más que píxeles y no elementos vectorizados. Hablo de Chromacom y escaner Hell y Chromagraph.

Poco antes del año 2000 compramos un Photoshop, en la versión 4, y aquello, siendo soportado en un ordenador pequeño que nada tenía que ver con los que yo utilizaba me pareció claramente el futuro por su versatilidad y facilidad de uso. 

Un mal futuro para mi oficio que veía pasar poco a poco de máquinas que costaban 30.000.000 de pesetas a 5.000 pesetas, y aunque la calidad no era la misma, poco a poco eran capaces las nuevas máquinas de ser suficientes para algunos trabajos sencillos.

Esta imagen que vemos arriba es una de las primeras que realicé de forma digital, simplemente para aprender jugando, un sencillo bodegón del año 2000 que en este proceso es la prehistoria. Unos procedimientos gráficos que todavía no eran capaces de trabajar por capas, pero que ya indicaban que se iban a comer todo lo anterior, como así fue. 

¿La vida nace por debajo? ¿Y por dónde se muere?

Era 1990 cuando comencé a explorar ideas surrealistas propias, a trabajar sobre conceptos de doble mirada, de dobles opciones en la vida y ante la vida. Y a jugar un poco con los conceptos antagónicos. Vida o muerte, guerra y paz, diálogo o pelea o ruptura, etc. 

Escondiendo uno y dando importancia al otro, pero manteniendo ambos en las mismas obras, casi en igualdad de opciones para que el espectador eligiera según el momento. ¿Dónde se escodne la vedad, arriba o abajo?

Este cuadro debe ser de los segundos o terceros intentos, pues empecé con obras que veremos en otros momentos, más imposibles todavía, mas surrealistas clásicas si cabe, espaciales o irreales. 

No realicé más de una decenas de estas obras, de las que guardo un cariñoso recuerdo por el tiempo en el que las hice, y también por lo convencido que me dejaron, abriendo una nueva etapa en la pintura, que llevaba unos años abandonada. 

La vorágine de mi trabajo ajeno a la pintura me llevó a abandonar estos experimentos iniciales, que se quedaron en eso, en muestras bocetadas, algunas con mejor tipo pero que todavía aguantan bien el paso del tiempo. 

Cuestión de sangre y de saber buscar las salidas

La sangre siempre sale por los agujeros.

                  Naturales o hechos para joder. 

Si no hay agujero, no sale sangre… hacia fuera.

No siempre que hay agujero sale sangre.

                    A veces lo peor es pensar que nos estamos desangrando, sin perder sangre.

En esos caso, lo mejor si se puede, es hacer Reset.                 

Una B o cinco B en seis espacios

Nos distribuimos como podemos, ocupando espacios en la vida que nos van dejando otros colegas de ocupación. No siempre el que finalmente tenemos que ocupar es el mejor, ni el que nos gustaría, pero debemos hacerlo nuestro y defenderlo. Si nos movemos de nuestro sitio, muchas veces lo que sucede es que otros vienen raudos y nos lo ocupan. 

La vida es como el juego de las sillas, en donde quedarte sin sitio no es quedarte de pie, sino quedarte al intemperie. Y hace frío, mucho frío.

El fotógrafo Txema Yeste y Chanel envuelta

Uno de los fotógrafos más reconocidos e importantes de España en este siglo XXI es Txema Yeste que trabaja entre otros temas el de la moda y que a veces lo podemos ver en El País Semanal. De esta revista he sacado para mostrar la fotografía que vemos arriba. La cantante Chanel en una imagen que aúna elegancia, una nueva forma de mostrar un retrato de primer plano, color que envuelve y encuadre.

Y realmente es de el encuadre de lo que quiero hablar un momento. No es un encuadre centrado aunque casi lo parece. No sé con seguridad si es un encuadre buscado por el fotógrafo Txema Yeste, si fue un reencuadre posterior o si realmente fue un encuadre en la maquetación de la revista. Pero ese espacio ligeramente descentrado es una gran parte de la gracia especial de la imagen, de la fotografía. 

Queda descentrada la modelo, no tanto el conjunto de la imagen por el efecto visual del elemento magenta, lo que logra que la mirada de Chanel parezca todavía más que se dirige al espectador, con una mirada levemente girada. Una excelente fotografía.

Cuestión de mirar al suelo si comenzamos a andar

Como no sabemos lo que hay debajo de nosotros, no sabemos qué se nos comerá los tobillos.

Nos podemos caer en cualquier momento

Es peligroso buscar la salida mirando el teléfono, justo, al lado del precipicio - 2022

El tiempo es terrible para la conservación

 

Cuando ya no queda carne, pueden quedan líquenes - Anzánigo - 2020

La basura bien enmarcada, es menos basura

A veces guardar basura supone tenerla que enmarcar - 2021

No todas las manchas, dejan mancha

 

Hay manchas con forma y manchas deformes - 2021

Hay roturas que son más guapas sin resolver

 

Cuando algo se rompe cabe la posibilidad de no arreglarlo - 2022

No sé qué quiero decir, pero lo diré

 

Siempre nos quedamos a medio hablar - 2021

Intentar asomarnos es lo primero que debemos hacer

Intentó asomarse, pero enseguida cambiaron de página - 2021

Venimos de tiempos tapados ¿Hacia dónde vamos?

Nos tapamos la boca para no hablar. ¿Nos tapamos o nos la tapan? - Valencia - 2021

Dibujo para copiar, aprendiendo volúmenes, luz y sombras

En el siglo XVII y XVIII era muy habitual que en las academias de dibujo y pintura —bien fueran estas escuelas públicas o privadas de artistas reconocidos que buscaban a nuevos aprendices para que les ayudaran en sus trabajos—, tener dibujos de artistas más o menos reconocidos, para que sirvieran de ejemplo sobre los que copiar.

Copiar obras de otros artistas es una excelente forma de aprender, aunque suene antiguo. 

Copiar no supone quedarse con un método o un estilo ajeno, sino practicar y conocer procesos y formas. 

Dominar la mano y los volúmenes, dar luz y sombras a semejanza de obras de otros artistas, y comparar lo que se logra para saber en qué hay que trabajar más, y así lograr efectos parecidos o incluso mejores. 

Esta Cabeza de Niño, de artista Salimberri se empleó durante años en la Real Escuela de Arte de San Luis en Zaragoza, como un ejercicio sencillo pero complejo a la vez, pues trabajaba con dos colores y trataba de buscar volúmenes además de una mirada especial, donde los ojos, la nariz y la boca tienen mucha importancia. 

Cualquier mala copia supone un rostro diferente, con una mirada y una sensación del modelo, totalmente diferente.

Un juego de colores, de luces, de brillos, de sombras

Muchas veces es una simple luz la que nos lleva la mirada de un lugar a otro, provocando nuestro actor de mirar de forma instintiva pero provocada. 

No son volúmenes ni formas, solo es luz la que nos atrapa, la que nos llama desesperadamente. 

Huimos de lo gris, buscamos el color, pero sobre todo buscamos el color que contraste con su entorno, el color con luz. 

Que se unan colores complementarios… y que salga ganando el que mas nos atrape en ese momento. 

Si todo el entorno fuera cálido y brillante, unos toques de gris neutro y apagado en el centro serían los que nos obligarían a mirar.

Dile a tu madre cuanto la quieres y visita más a los yayos

Hay pequeñas frases que son gritos suficientes como para hacernos recapacitar a todos. Aquí tenemos dos.

Visita más a los yayos. 

Dile a tu madre cuanto la quieres.

No es posible dibujar mejor la vida en esa sociedad que debemos cuidar, recuperar si la hemos perdido, mimar pues nunca sabemos cuándo ya no podremos hacer lo que deseamos, lo que nos dicen los gritos, los auxilios casi.

Zaragoza - 2022

Una fotografía de boda de hace un siglo en Zaragoza

Una clásica fotografía de boda, sí, de hace un siglo, pero una fotografía de boda, simplemente. Podemos ver trajes, modos, modas, y sobre todo otro tiempo, otros tiempos tan válidos como los actuales. Para eso también sirve la fotografía, para comparar tiempos y ver que simplemente tienen otra estética.

Era una fotografía de la que se hicieron varias copias en Zaragoza, para repartir a la familia más allegada. No había álbum de fotografía como ahora, sino una fotografía de estudio como recordatorio. 

Los objetos solo sirven si van acompañados de personas

Cuando falta la persona todo queda vacío, sin aliento, sin sentido incluso. ¿Qué pintan estos elementos en la calle, sin ninguna persona? Nada, estorban. En cambio si tuvieran a una persona a su lado todo cobraría sentido. Los objetos solo sirven de algo, si van acompañados de personas.

El Arte Urbano se fabrica para ser efímero

Este mural se hizo para una jornada en el barrio de La Jota deZaragoza, sobre maderas, era una simple manifestación rápida que formaba parte de las fiestas del barrio. Duro pocas horas y me imagino que en su desaparición o desmontaje quedó el abandono y la pérdida. Arte Efímero, Arte Urbano. Va en el mismo precio, hacer y tirar. Creo.

El uso e incluso a veces el mal uso o el abuso del Arte Urbano desde las instituciones, es un mal ejemplo de lo que se debe hacer para poner en valor a los espectadores del día a día y a los propios artistas. Iremos aprendiendo. O no.

Paco Simón y sus respuestas imprescindibles

Al artista aragonés y genial Paco Simón lo conocí de adolescente, cuando él era ligeramente más mayor, en el mítico Luz y Arte zragozano que veía pasar a los mejores artistas aragoneses de aquellos años. Me sorprendió su exigencia y su entendimiento. Entendía lo que yo no entendía. Sin duda era imposible no saber que estabas delante de un Gran Artista. Siempre esperé de él, ese toque de suerte que a veces llega y a veces no llega.

Recuerdo que hablaba de irse a New York como como yo digo de irme a Madrid, con esa naturalidad de que allí estaba "lo diferente y lo necesario".

Hoy lo entrevistan en Heraldo y os dejo un par de respuestas que me parecen interesante que no se pierdan.

--------

P.: ¿Cuál es el lugar del pintor en esta sociedad en plena crisis y con una guerra incierta?

R.: El lugar del artista es complicado, más aún si su trabajo no se integra en el ‘mainstream’. El artista que es crítico con lo establecido y quiere romper moldes no lo tiene fácil pero es necesario para ayudar a que la sociedad no se convierta en un rebaño. Hay que intentar ver siempre las cosas desde diferentes ángulos y viajar es un buen ejemplo para ello. Conocer y respetar otras culturas y formas de vida te hace más humilde, y por supuesto más sabio. No soporto a la gente que critica y desprecia desde la ignorancia.

Imparte habitualmente talleres a los niños. ¿Qué les enseña y qué le enseñan?

Es fantástico trabajar con niños. Yo les enseño lo que sé aplicado a su edad desde la perspectiva del artista no de la del profesor del colegio. Intento estimular su imaginación y que creen en libertad a la vez que van aprendiendo las técnicas. Trabajar con niños te regenera, te transmiten la inocencia y la espontaneidad actitudes que a veces se van perdiendo con el tiempo.

¿Cómo diría que está la enseñanza de la pintura en un tiempo donde el arte es puro mestizaje?

No estoy al corriente pero tengo la sensación de que no está para tirar cohetes. El conocimiento de las artes y las humanidades es fundamental para desarrollar el intelecto y no molestar al mundo.

Durante años el arte era un termómetro de rebeldía, de denuncia, de crítica social. ¿Hemos perdido eso o solo es una apariencia?

Hemos perdido eso. Hay muy buenos artistas y mucha rebeldía pero hay que salir de los medios habituales para encontrarlos. Veo mucho artista adocenado, no hay más que ver las ferias de arte que cada vez se parecen más a la de los caballitos donde se busca el impacto inmediato y por consecuencia el rápido olvido; es un poco como el MP3 a la música, llega a todo el mundo pero de baja calidad. Añoro esos días donde el arte molestaba al sistema.

Esgrafiado catalán o italiano, grabado en el estuco de las fachadas

Alguna vez he hablado ya del esgrafiado de las fachadas de algunas localidades catalanas, de grandes casas por ejemplo como la que podemos ver arriba en la localidad de Martorell (Barcelona), de las que ya hablé aquí hace un tiempo, te ofrecen una mirada urbana de principios del siglo XX que logra hacernos entender mejor lo que eran las grandes familias y sus deseos de destacar sobre las demás.

Sobre las paredes y el estuco se crearon obras esgrafiadas de arte que han perdurado hasta nuestros días, con imágenes grabadas sobre las paredes representando las labores del campo, las fiestas típicas de la localidad o mostrando a los dueños de los edificios, fueran comerciantes, tejedores, vinateros o ganaderos.

Curiosidad y técnica de rascar las paredes para formar imágenes que imitaban grabados y que en realidad es una técnica antiquísima con miles de años de antigüedad. 

Hay ejemplos en antiguas casas romanas. Y son modos de una decoración de interior o de exterior que se siguen utilizando bastante en Italia, pero en España también en Castilla además de en Cataluña.

Un abuelo enamorado en el año 1912

Esta es una clásica fotografía de novio, una fotografía de estudio que se hacían y entregaban al cliente como una Tarjeta Postal, con el reverso impreso como una postal para mandarla con un texto. Es de febrero de 1912 en Zaragoza. El hombre dice que tiene 28 años y que le manda esta imagen a su prometida el 4 de febrero de ese año, como último retrato de soltero.

Este hombre de procedencia oscense era cobrador y revisor de Tranvías de Zaragoza, de la Línea de la Academia General Militar. Fue mi abuelo.

Recuperar imágenes antiguas supone un brote de aire fresco a las familias que desean conocer y reconocer a sus antepasados. Un papel que la fotografía como herramienta ha ido realizando desde hace ya más de un siglo y por el que podemos ir conociendo detalles de sus vestimentas, de sus formas de peinarse, incluso intentar adivinar si se parece en algo a sus descendientes. 

Una pequeña curiosidad imposible de entender hoy en día. Estaban cerca de contraer matrimonio, pero a su prometida se dirigía como "Señora".

Nicolás Borrás Falcón y su Pentecostés del siglo XVI

Las obras de Arte religiosas, siempre de encargo como elementos explicativos para los feligreses en tiempos en los que no había suficientes libros y muy pocas personas que supieran leer, nos han ido dejando en la historia ejemplos de fábulas, milagros sobrenaturales, pero a su vez retratos de la sociedad, trajes y muebles.

Este cuadro del alicantino Nicolás Borrás Falcón de finales del siglo XVI es un Pentecostés en tabla pintado al óleo que procede del Monasterio de San Jerónimo de Cotalba en la localidad valenciana de Alfauir del que era monje jerónimo Nicolás Borrás Falcón.

Esta obra ingresó en el Museo de Bellas Artes de Valencia tras la desamortización de Mendizabal, procedente del aula capitular del monasterio de Cotalba, donde lo describe Orellana como la Venida del Espíritu Santo sobre el Colegio Apostólico en lo que se conoce como Fiesta del Pentecostés.

Presenta una escenografía sencilla con viva coloración esmaltada, y quiere explicar el inicio de la actividad apostólica de la Iglesia Cristiana con el descenso de las lenguas de fuego sobre los reunidos (Hechos de los Apóstoles 2, 1-4), situados alrededor de la Virgen y de tres santas mujeres, cuya presencia no se indica en el pasaje neotestamentario pero que se justifica por su consideración de reina y madre espiritual de los apóstoles.

Goya en la ermita de San Antonio de la Florida en Madrid

Francisco de Goya dejó en la ermita de San Antonio de la Florida en Madrid unas obras que son hoy un ejemplo del trabajo en fresco. A finales del año 1798 y en solo cuatro meses plasmó una decoración religiosa que en estos tiempos se ha detectado que corren riesgo de perderse al ir deteriorándose poco a poco. Necesitan con urgencia un trabajo de conservación ante la debilidad de la pintura en fresco que no siempre se comporta con el tiempo con seguridad.

En la imagen vemos el Milagro de San Antonio de Padua, resucitando a un hombre fallecido con el que vemos hablar en el momento de volver a la vida por el milagro. Las obras de la ermita fueron casi seguro un encargo que partió de su amigo Gaspar Melchor de Jovellanos, entonces ministro del rey Carlos IV.

“A corto plazo no peligran las pinturas, pero hay que cuidarlas, además hay aprobado desde hace tiempo un plan de restauración de las cubiertas, por lo que instamos a ambas instituciones a que actúen lo antes posible” ha informado la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, realizando una urgente reparación de las cubiertas.

En su cúpula tiene la ermita una de las obras más reconocidas de Goya, con una barandilla fingida en la que se apoya una multitud de personajes, se observa el milagro de San Antonio de Padua, cuando el franciscano que se hallaba en Padua se enteró que a su padre le acusaban de un asesinato en Lisboa. Hasta esa ciudad se trasladó milagrosamente y pidió ver al difunto para que declarase si su padre era o no el asesino. 

Y en la obra vemos a San Antonio hablando con el asesinado, para que le explicara quién realmente le había atacado. Resucitado el joven asesinado, declaró ante los presentes que no habían sido los padres de San Antonio aunque lo habían enterrado en los jardines de su casa, por parte de un enemigo que tenía que a su vez eran parientes suyos.

Goya pintó como escena central, la que primero veían los fieles al acceder a la ermita por la entonces entrada principal, el momento en que el San Antonio de Padua, elevado sobre una roca, interroga al fallecido, que está desnudo y demacrado, con las manos juntas y sujeto por un hombre que es quien lo ha llevado a la presencia de San Antonio.

Los frescos en casi todos los casos se pintan como bocetos pues se van a ver a una distancia grande, desde el suelo. De cerca podemos ver brochazos y pocos detalles, todo parece abocetado, lo que desde abajo logra el efecto visual de tener casi relieve pues en realidad son manchas de luz y de color.

Para detener al poder se necesitan muchas vestimentas

Para detener a una persona con mando en Plaza se necesitan muchos militares vestidos de Bonito. Para detener a uno de lo más normal, de los que tenemos que obedecer pues así lo indican las circunstancias, a veces con un grito ya es suficiente. 

El poder sirve incluso para diferencias la manera de parar a los asquerosos. No a todos se les pude indicar de la misma manera que son unos bordes.

Torrellas: Sabotaje al montaje. Arte de Matías Mata

Hace años, cuando la explosión de grafiteros inundaba las calles de España, el comentario generalizado era definir a las pinturas como vandálicas, sucias y hechas por gamberros sin arte. Considero que hay arte en los graffitis, también es cierto que depende del talento del artista, de su contenido social, ubicación y, como ocurre con cualquier manifestación artística, de lo que conmueva al espectador. No siempre se reacciona igual y esa es la grandeza del arte.

Matías Mata tiene arte en sus graffitis. Firma sus obras con un contundente, Sabotaje al montaje. Reinvindica su origen canario y siento aprecio por él por quedarse en las islas frente al canto de sirenas de la capital madrileña. Así que me llevé una sorpresa cuando en una de mis salidas por tierras moncaínas me encontré con una obra suya. 

Torrellas, para quien no ha estado, tiene graffitis de variada temática y técnica. Ya había fichado a la mayoría, por eso mi sorpresa al ver a las afueras del pueblo en una nave este trabajo suyo. Porque hacía calor y no era cuestión de estar ahí parada, pero ver a esos dos bebés sonrientes me sacudió por dentro. Hay tanta vida, alegría en esas caras que contrasta con el secarral en donde está ubicado. Ese globo azul solitario, lejano es la representación, esto es cosecha mía claro, de la despoblación de unos pueblos que gracias a estos proyectos se posicionan hacia el exterior.

Porque como dice Matías Mata.: El graffiti no estropea nada, se pinta sobre lo que está estropeado: muros abandonados, casas antiguas... lo único que hace el graffiti es llamar la atención, decir: mira, esto aquí está abandonado. Vamos a mirarlo así. 

Para el artista hay cosas más vandálicas en la vida como los préstamos, los casinos en la calle al lado de los colegios...

Disponer en los espacios públicos abandonados de este arte debiera ser de obligado cumplimiento. La sociedad es un montaje que hay que sabotear y Matías Mata lo hace con cada pincelada que da.

Olga Neri

Cuidado con quejarnos, no vayamos a perder las razones

Hubo una ministra hace unos años que habló de hacer viviendas dignas de 50 metros para las personas con menos recursos y los llamó mini pisos. Enseguida nos la comimos con patatas e insultos. ¿Sólo 50 metros? Creo que sigue riéndose de todos nosotros en su casa, y ya no puede más, le duele todo el cuerpo de las risas. 

Hoy las viviendas que muchos jóvenes, divorciados o personas sin recursos tienen que utilizar son de susto o muerte. Cuidado con lo que decimos que es imposible, no vaya a ser que sea peor.

Dos Trinidades con casi dos siglos de distancia

Esta obra que vemos arriba, del valenciano Vicente Requena "El Joven" posiblemente de finales del siglo XVI representa La Trinidad en un óleo sobre tabla con una configuración de los tres personajes que respira tranquilidad y poder. Esta obra que estaba en el convento de Santo Domingo de Valencia permite explicar a los feligreses toda una iconografía religiosa compleja.

Vemos a Dios con una vara de mando, a Jesucristo con la Cruz y al Espíritu Santo como una paloma que adelanta las patitas como para frenar ante la escena, para posarse. 

Dominan el Mundo o en realidad es como si dominaran "Los Mundos" mientras que la paloma viene desde el fondo, el todo, el Universo infinito, el Cielo, a una reunión de trabajo. Dios es un hombre mayor, Jesús es joven para marcar las distancias entre Padre e Hijo, y el Espíritu Santo es lo inmaterial, algo bueno que viene del aire, uno de los Tres dioses, o incluso según algunos "El único Dios".

Abajo podemos ver otra Trinidad, pero en esta caso está compuesta de tres personas iguales, tres dioses en igualdad de forma. Es la Santísima Trinidad del artista ruso Andrei Rubliov, de principios del siglo XV que algunos sin duda reconocen como la Trinidad y otros como los tres Ángeles que fueron a visitar a Abraham. 

La Trinidad, "Los Tres" o como seamos capaz de intentar entender o creer, son una constante a la hora de hacer milagros, de crear poder religioso o de gobierno, el mínimo número impar después de UNO. 

En la Zaragoza de los 42 grados

Que en la Zaragoza de los 42 grados durante una semana todavía haya flores que se atrevan a sobrevivir es de premio. Es de resistencia ante las adversidades, pues casi ni los humanos con aire acondicionado lo hemos podido soportar. Excesivos días incluso para las flores. Resistir es vencer.

Censura en el Arte. "People’s Justice" de Taring Padi

La censura en el Arte es una constante que revaloriza al Arte. Volvemos a lo de siempre, no nos gusta lo que a veces se expresa con el Arte sin darnos cuenta de que es todo muy relativo, y que una de las funciones del Arte es provocar, no gustar, plantear alternativas a veces duras. Lo que no tendría cabida en una formalidad social, sí la tiene y la debe seguir teniendo en el Arte, como expresión máxima de la libertad.

El colectivo de Indonesia Taring Padi ha presentado en el Festival Documenta de Alemania una gran pancarta mural con el título "Justicia Popular" o "People’s Justice" en donde se critica a Israel con algunas viñetas de policías con cara de cerdo. Las críticas se centraron en la representación en la pancarta mural de un soldado con la cara de un cerdo y con un pañuelo al cuello con una Estrella de David y un casco inscrito con la palabra "Mossad", el nombre de la agencia de inteligencia de Israel. Los autores han dicha que es antimilitarismo y no crítica contra una nación, un Estado.

El Arte pictórico, como el humor o la literatura, están o deberían estar libres de censuras previas y tener mucho cuidado en las censuras posteriores. 

Eso no quiere decir que deba tener un descontrol total, sino que hay que respetarlo como lo que es, una expresión imaginaria que desde la perspectiva inventada intenta reinventar o provocar con soplos, y poco más.

Luego quedará el debate del uso que se puede hacer con el Arte, pues aquí ya sí podrían entrar censuras y prohibiciones, según países, momentos o tipo de usos.

Lo curioso en estos tiempos es que si se censura una obra se le da una publicidad que nunca hubiera tenido, es decir se logra lo contrario a lo que pretendían los censores.

Salvador Dalí era también un personaje icónico

Hay iconos imprescindibles. Nadie sabría qué figura tendría Dalí sin su bigote. Era parte de Dalí, posiblemente no tanto de Salvador. 

Esta es una pintura urbana, callejera, de ese icono, del Salvador Dalí que todos reconocemos. 

Enjuto y con un largo y fino bigote que se elevaba. Pero además en su figura había una mirada especial, una voz muy personal, unos movimientos casi de diseño, una boca única y angulosa que mercaba también su personalidad. 

Él mismo había creado su personaje y lo sabia mantener.

¿Cuándo nos cubrirá el pasado para dejarnos sin futuro?

La pregunta es sencilla, imposible de responder pero sencilla y básica, una de esas preguntas que nos hacemos todos varias veces al mes, a la semana incluso. 

Depende de nuestro carácter. 

¿Cuánto nos queda? 

Pero no en tiempo, que eso sería lo sencillo, sino en sabores, sustancias, logros, ideas. 

¿Cuántas cosas somos todavía capaces de hacer en el tiempo que nos queda?

Las patas se le hincharon de comida y casi no podía volar

Se fue de restaurante para ver qué podía tomar por un coste asumible, y la mariposa se estuvo visitando mis jardines hasta que ya no podía más. Al final le pesaban tanto las patas que casi no podía volar. A los humanos nos sucede lo mismo, pero se nos concentra más en la barriga.

Una fotografía de Oscar Wilde de 1882 de Napoleón Sarony

El irlandés Oscar Wilde (Oscar Fingal O'Flahertie Wills Wilde) ha pasado a la historia por sus obras literarias, por sus trabajos y no por su imagen. No hay un exceso de fotografías de Oscar Wilde y además muchas de ellas son de las mismas sesiones fotográficas, por lo que no hay un exceso que nos sirva para conocer a Oscar Wilde.

Esta imagen es del año 1882 y fue realizada por el fotógrafo Napoleón Sarony, en su mejor época personal y económica, con las primeras obras ya publicadas y dos años antes de contraer matrimonio con la hija de un rico abogado de Irlanda.

El autor de obras como El retrato de Dorian Gray, La importancia de llamarse Ernesto, El príncipe feliz, Balada de la cárcel de Reading, El crimen de lord Arthur Savile y otras historias o Una casa de granadas murió con 46 años, en la indigencia, hundido moralmente, y sin saber la importancia que iba a tener su obra teatral o literaria.

Fotografía familiar de 1958 en Soria

En fotografía familiar, en fotografía antigua está la historia de todos nosotros. Esta es mi familia, año 1958 ó 1959, un pueblo de Soria, un verano de siega compartida en donde todos teníamos que ir a trabajar. Yo no, era un bebé. 

Nos quedan los recuerdos, nos quedan las imágenes de la familia, de los dos mulos de carga, pero sobre todo nos queda una estampa de aquellos años en la España rural, donde las mujeres, incluso ancianas, tenían que ir a trabajar al campo.

Si no hubiera existido la fotografía, que por aquellos años era poco habitual entre las familias pues no era fácil disponer de los recursos, todo esto se hubiera perdido, olvidado poco a poco. 

Henri Cartier-Bresson en Valencia durante su visita de 1933

Era el año 1933 cuando el fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson viajaba por España con 25 años, fotografiando aquella España pobre, curiosa, rural o casi, y entre sus trabajos que han ido quedando está esta fotografía de una niña en Valencia. 

Con una cámara Leica mezclaba su trabajo de periodista y sus influencias artísticas antes de cofundar junto a los grandes de la fotografía periodística de aquellos años la Agencia Magnum.

Henri Cartier-Bresson era un cazador de instantáneas, de personas, de calles, de escenas, de instantes de vida. Un cazador de imágenes que el fotografiado no intuía. 

Cazaba la vida, y eso es la imagen que vemos arriba, simplemente vida atrapada por un fotógrafo en 1933.

Cuando 12 son más que 1

Cuando el todo resulta sencillo, habitual, cuando ese todo no nos dice nada en un Arte selectivo, podemos trocear la mirada artística y crear diez o doce partes del todo, y enseñarlas a trozos. Es posible que se vea de otra manera.

El Mac y una obra en Amberes con líneas, de 2018

El artista californiano El Mac, crea retratos muy realistas y expresivos utilizando sólo líneas, algo también característico del barroco y de pintores como Rembrandt.

Su enorme mural realizado en Amberes en el año 2018 lo trabaja con líneas que se superponen con diferentes grados de luz y oscuridad, para lograr los difuminados si miramos las obras a una cierta distancia. Como sus murales son muy grandes, esto si hay espacio se logra sin problemas.

Arte Urbano en el Mercado de Lorca

Esta imagen es del exterior del Mercado de Lorca, un clásico de Arte Urbano para anunciar un espacio público. Y logra su objetivo con éxito, por su ubicación pero también por el trazo de la obra de Arte. No solo en los Museos debe esconderse el Arte Moderno, sino aunque admitiendo que el Arte Urbano siempre es efímero, las calles son el objetivo a ocupar, a conseguir.