Copia de la Dama de Baza, en Baza, Granada

Tengo mis dudas de en dónde deberían conservarse los hallazgos muy importantes que representan iconos para las historias de un país o incluso de la humanidad, saber en dónde deben estar aquellos hallazgos u obras de Arte de una importancia máxima.

En los últimos tiempos hay una tendencia a ser llevados otra vez a sus lugares de origen, pero insisto, en que personalmente tengo mis dudas.

En la imagen vemos de peril una copia de la Dama de Baza. La estatua original de dicha Dama de Baza se encuentra en le Museo Arqueológico Nacional. Y en el Museo Arqueológico Municipal de Baza existe esta réplica de la misma, en una de las dos salas dedicadas a la época íbera de la ciudad.

Casi 2.400 años nos contemplan y hay que conservar en las mejores condiciones algo que no nos pertenece a nadie en estos momentos, que debería seguir existiendo dentro de otros 2.500 años por lo menos. Y es a partir de ese condicionante sobre el que debemos edificar las decisiones.

Ahora se devuelven a Grecia o a Egipto, países árabes o asiáticos, obras de Arte que efectivamente en muchos casos fueron usurpados desde sus zonas de origen. Tengo mis dudas pues en algunos casos se han destruido por diversos motivos una parte fundamental de la historia de la humanidad.

¿No sería más lógico que los Museos más importantes del mundo, fueran públicos, propiedad de la humanidad y no de un Estado aunque estuvieran instalados en un país determinado, fueran gratuitos y se rodearan de una Fundación para investigar sus legados?

Devocionario de la religión católica. Arte Religioso

Durante los años más duros de la Dictadura del General y sus amigos, se practicó en España un Catolicismo de Escuela y obligación, con numerosos cantos, fiestas y ejercicios hacia los niños, dedicados a ser sin duda conocedores de lo que era la liturgia y sus mensajes. No todos eran negativos, o al revés, muchos de ellos eran humanismo puro, pero desde las doctrinas católicas (que no Cristianas) y además impedían otras opciones de acercarse a la religión plural.

Ante la Primera Comunión era obligatorio llevar unos pequeños libros de nácar que eran devocionarios con lemas, rezos, estampas, consejos, etc. De uno de ellos es este grabado, Arte Religioso, con tres niños acercándose a la Sagrada Familia, que se encuentra debajo de la frase: "Y la palabra se hizo carne y habitó entre nosotros".

Arte romano con 2.000 años de vida. Casa de los Vettii

La Casa de los Vettii en Pompeya y tras ser nuevamente restaurada, va a poderse visitar en breve tras unos años cerrada para conservar la que de momento está considerada la mejor y más lujosa casa encontrada entre las ruinas de Pompeya tras su hecatombe al ser envuelta en las cenizas y lava del Vesubio.

Era una casa de una familia adinerada, poderosa, que había sido esclavos y lograron comprar su libertad y después hacerse adinerados, al menos en parte con la fabricación y comercialización de vino, y que estaba toda ella pintada de frescos hermosísimos que en gran parte de conservan.

Estamos hablando de una casa con jardín de unos 1.100 metros de superficie en una de las mejores zonas de la ciudad. Los hermanos Aulo Vettio Restituto y Aulo Vettio Conviva construyeron un edificio con todos los lujos y comodidades de su tiempo, incluida posiblemente una zona para tener a una prostituta viviendo en la casa. Un edificio que se cree construido hace unos 2.200 años y que se destruyó en el año 79 de nuestra Era.

Arte en la cafetería El Sol de Zaragoza

El Arte puede ser simplemente decorativo, y de hecho muchas de las obras más conocidas han sido en su inicio unos simples encargos decorativos. Este cuadro que vemos arriba es del techo de una conocida cafetería de Zaragoza, El Sol, y un ejemplo de que el buen trabajo artístico puede estar incluso en espacios que no son muy mirados por los que entran en el local. 

A quien lo encargó y lo pagó no le importaba mucho más, que sentirse bien con su local, crear un ambiente determinado y que este quedara agradable. 

El Arte sirve para agradar, incluso para los que miran hacia arriba.

París, la nuit; de la artista María Helena de Vieira

Veamos una obra de la artista portuguesa María Helena de Vieira hecha en el año 1951 al óleo sobre lienzo y titulada "París, la nuit". Aunque lisboeta, vivió casi toda su época de creación artística en París. 

Pintora abstracta, cubista, futurista trabajó sobre todo esa abstracción geométrica que podemos contemplar en esta obra que se muestra arriba, propiedad de la Fondation Gandur pour l'Art de Ginebra.

Apuntes al Natural. Aprender y entenderlos

Durante siglos, antes de pintar o dibujar se tomaban apuntes al natural, se hacían dibujos o bocetos observando los objetos o los paisajes, admirándolos, para entenderlos mucho más allá de simplemente verlos, comprender su belleza, retenerla… y tras ellos ponerse a transmitir esos conceptos a una libreta, a un cuaderno o lienzo. 

Se tomaban apuntes al natural con lápices, plumas, carboncillo, luego con rotuladores, bolígrafos de colores, lápices acuarelables, etc. Todo ha ido evolucionando.

Pero a su vez, con la llegada de la fotografía, entra esta de lleno en esa toma de apuntes al natural, pero restando gran parte de su utilidad. NO ES LO MISMO, aunque parezca mejor y sobre todo más sencillo y rápido.

En una fotografía como elemento de apunte al natural, captamos más o menos la realidad, pero en un apunte al natural lo que intentamos es dibujar "lo que vemos" remarcando más o menos algunas sombras, algunos matices, incluso algunos colores o formas. 

En ese primer boceto ya estamos creando Arte, ya estamos transformando la realidad hacia nuestro punto de vista.

En esos apuntes al natural, ya quitamos elementos, damos protagonismo a otros, movemos de sitio lo que preferimos que incida de otra manera, añadimos aquello que en ese preciso momento desearíamos que estuviera allí, etc. 

La única manera de aprender a realizar apuntes al natural, del natural, es… hacerlos. No hay otro. Hacerlos, hacerlos incluso mal, intentar mejorarlos, volver a realizarlos, hacer muchos, aprender mejorando y practicando.

En la imagen vemos un dibujo boceto del escultor aragonés Pablo Gargallo.

El Arte Abstracto, una silla y los esquemas geométricos

Todos los elementos de la vida tienen una configuración visual que es casi siempre geométrica.Creo que tuvimos que inventar la Geometría para explicarnos lo que veíamos. No es cierto, pero podría serlo. Digamos con más acierto que todo es geométrico, o está compuesto por la suma de varias figuras o líneas geométricas. Que a veces vemos con facilidad y otras están algo más escondidas.

Esto ya nos ayuda bastante a entender algunas obras de Arte Abstracto, que queriendo o sin querer, utilizan la Geometría como el elemento explicativo de lo que reflejan. 

El Cubismo sería el ejemplo más sencillo. 

La Arquitectura la rama del Arte que más utiliza la Geometría. Pero por ejemplo la Danza también utiliza mucho la Geometría de sus movimientos.

A veces creemos que la Geometría son formas, volúmenes, pero también son líneas, incluso líneas que no están dibujadas, sino que percibe la vista, nuestros ojos, casi sin querer, provocado todo por la percepción de los diferentes volúmenes en unas posiciones determinadas.

La vista, que es muy inteligente, quiere simplificar lo que observa, pues sabe que está constantemente trabajando y escrutando miles y miles de imágenes, casi de forma constante. 

Un paisaje es eso, un simple o complejo paisaje, pero es también la suma de volúmenes alrededor de una distribución que se agrupan alrededor de líneas. El ojo antes de mostrarnos las detalles de las hojas de los árboles de otoño, intenta configurar todo el conjunto en base a elementos y volúmenes geométricos, para que tú mismo decidas qué observar con detalle.

Pensemos ahora en una silla. En nuestro salón, por poner un ejemplo. Mirémosla. 

Esa silla es la suma de diversos volúmenes que se juntan alrededor de unas líneas diseñadas para ser agradable el conjunto. Simetría, posición, práctica, decoración, belleza, repetición, etc.

Daría igual qué silla estamos observando, el diseño de esa silla se mueve con parámetros similares las unas a las otras. Todas las sillas son diferentes, pero todas se mueven con parámetros similares. Quieren ser sillas, quieren ser consideradas como sillas.

Hay un "concepto" una idea mental que podríamos decir en voz alta y todos entenderían.: SILLA

Hay un esquema ya prefigurado, pues todos sabemos qué debe ser una silla para ser considerada "Silla", y que utiliza unos estereotipos aprendidos y que nos saben decir si aquello que vemos es original, se escapa del esquema gráfico fijo que ya teníamos en la mente, y si es agradable o no.

La diferencia entre una silla "normal" y una silla "especial" es que sea capaz de romper los estereotipos que ya teníamos aprendidos, se sea capaz de entrar en el esquema mental anterior y se quede agrupado a "Silla".

En el Arte esto es así, siempre. pero si no tenemos claro lo que vemos, y si tampoco deseamos ponernos a buscar y rebuscar conceptos, esquemas o estereotipos mentales y gráficos de lo que se nos muestra, diremos que no lo entendemos. Y eso es posible e incluso cierto en muchos casos, pues no habremos entendido qué nos quiere mostrar el Artista.

Yo no entiendo ni los jeroglíficos egipcios, ni los grafismos árabes o chinos. Sé que son letras, palabras, signos que quieren decir "cosas" lo cual ya es algo importante, pero no sé nada mas. Si quiero entenderlo o lo leo traducido o me lo tienen que explicar, o tengo que estudiar. Igual que en esa parte del Arte que llamamos Abstracto con muchos apellidos.

Nota.: La obra que vemos es de las autores que firman como "Señor Cifrián" de su Serie Damnatio Memoriae del año 2015.

Todos preferimos sanar y agarrarnos a la vida

Nadie quiere hundirse en la miseria sin plantar cara. Esta hoja roja intenta abrirse al cielo para recibir luz solar y agua de lluvia, sus alimentos habituales, ajena a que su ciclo ha llegado a su fin. El cambio de color le delata, el que se haya quedado sola, sin otras hojas amigas debería indicarle algo. Pero nadie quiere morir, todos preferimos sanar.

Nota.: Setinel de la Bodegas - Otoño 2022

Cabeza de Cristo andaluz con su pie, en malas condiciones

Dentro de la religión católica es habitual en algunas zonas un uso excesivo del dolor de Cristo en la Pasión, para demostrar sus sufrimientos casi con un detalla que a veces roza lo inapropiada. Conservar piezas que con el paso de los años han quedado muy deterioradas es también una muestra que escapa del ejercicio de la oración, aunque el fervor no conoce tamaños.

Si se mezcla sangre con piezas ya en condiciones muy malas para ser conservadas, todo resulta como poco un ejemplo de esa Celtiberia que a veces criticamos.

México y el Arte de Cabezas en la calle

¿Un perro aullando en la parte trasera de un cráneo mexicano? ¿A quien llama este perro, rodeado de cabezas peladas de carne, de cabezas que ya solo son huesos craneales? ¿Tal vez precisamente aulla de miedo, o de respeto? Arte Mexicano de Cabezas, Arte Urbano de sus culturas y respetos a sus muertos.

Cabezas mexicanas. Arte Urbano de México

Cada pueblo y cultura tiene sus particulares maneras de crear Arte, de simplemente crear modelos de su cultura que los haga sentirse mejor, potenciando sus ideas. En México cultivan mucho el uso de signos que sirvan para recordar a sus personas ya fallecidas, y tienen muy diversas maneras de mostrar con el Arte estos modos de recuerdo.

En una muestra del Arte Funerario trasladado a sus formas de entender las relaciones tras la muerte, dejaron por Zaragoza una exposición de Arte Urbano con decenas de cabezas iguales de tamaño, pero cada una decorada por un artista de forma distinta.

Prueba de Percepción Artística. ¿Qué vemos?

Vamos a realizar un ejercicio de percepción artística, dirigido más bien a las personas de cualquier edad que deseen aprender algo de Arte. Es muy sencillo y no tiene resultados, os lo vais a dar vosotros mismos.

Vemos arriba una imagen que está compuesta de tres secciones de diferentes obras o fotografías. Queda claro que son las tres diferentes, incluso muy diferentes.

A cada una de ellas le vamos a poner tres adjetivos, tres sensaciones de las que ellas mismas nos provocan a la hora de contemplarlas. Este ejercicio sería bueno que se hiciera con más personas, pero si eso es complicado, nos tenemos que conformar con nosotros mismos.

Sería bueno hacerlo con más personas, para ver si se coincide en las percepciones de lo que nos provoca cada trozo de imagen. Al final de esta entrada, muy al final, podréis leer si os apetece, mi opinión sobre lo que a mi me provocan estas imágenes.

Si quieres seguir con el juego, te propongo una variación sencilla. Una vez que ya las has adjetivado, les has puesto tus tres adjetivos a cada una de ellas… ¿serías capaz de encontrar en alguna revista, libro, fotografía tuya, otras imágenes totalmente diferentes pero que fueran capaces de provocarte los mismos adjetivos calificativos?

¿Cuál es el objetivo de esta Prueba de Percepción Artística? 

Cada obra provocan en nosotros unas sensaciones diferentes. Y eso es importante para que cada obra realmente sea distinta según el espectador. Incluso si pensamos en un libro de personajes, cada uno de ellos lo tenemos que crear nosotros en nuestra imaginación. Pero es casi seguro que será diferente al que crea en su imaginación otro lector del mismo libro. Por eso cuando un libro leído por nosotros se pasa al cine, a veces no nos gusta, dudamos, pues lo que vemos no es lo mismo que nos habíamos imaginado. 

Al final de esta entrada, veréis lo que yo opino de las tres imágenes. Ir bajando.

GRANADAS.: Color interesante y cálido. Mesa revuelta. Dulzura.

BUHO.: Seriedad. Escondido y tenebroso. Sencillo.

COLUMNAS.: Blancos. Soledad. Luz de un día que comienza.

Unas luces difuminadas me dieron buena vibración

Aquella pared de la entrada al edificio garantizaba con sus luces suaves y difuminadas, que iba a ser un día interesante.

Y se cumplieron las expectativas.

Si somos capaces de perseverar con nuestro corazón buscando buenas ideas, al final las encuentras, pues ya entras predispuesto a dejarte envolver con las serenidades positivas. 

La Última Cena de Leonardo da Vinci

Una de las obras de Arte más conocidas del mundo, de las que mas se han escrito, sea esta "La última cena" de Leonardo da Vinci pintada en el año 1498 en el refectorio o comedor del convento de Santa María delle Grazie en la ciudad de Milán.

Es realmente un icono del que se ha hablado mucho mas de lo que seguramente imaginaría nunca el propio Leonardo.

Refleja el momento de la Última Cena en la que Jesús advierte de que alguno de los presente le va a traicionar. Y los doce apóstoles en grupos de tres empiezan a comentar el drama entre ellos. Es una muestra vital de comportamientos humanos.

Está pintada al fresco pero uniendo temple y óleo lo que le permitió retocar la imagen, lo que con el tiempo ha sido un terrible problema pues la pintura se fue cayendo del muro, dejando un resultado actual, casi desesperante. Sus casi nueve metros de largo no facilitan la conservación y traslado para una restauración en condiciones.

Dos elementos atrapan al espectador, los gestos de las caras de todos los apóstoles, y el de sus manos actuando en la escena, como un complemente claro del momento. Las manos hablan, como a veces se quiere decir de cada uno de los elementos de la obra maestra.

Gracias a Wikipedia y a otros estudios del tema podemos imaginarnos digitalmente cómo sería la obra en su finalización, sin que el tiempo hubiera destrozado gran parte de su belleza. 

La tía Chorriones encienda la hoguera, de Goya

Se han subastado en París dos páginas del considerado Álbum B o Álbum de Madrid de Francisco de Goya por un precio final cercano a los dos millones de euros. Un dibujo a doble cara de poco más de A5, hecho en tinta china sobre papel.

Uno de los dibujos representa a "La tía Chorriones encienda la hoguera" utilizando a un niño doblado y el otro "Caricatura. La pide cuentas la mujer al marido" dibujados por Goya en el año 1796 y que son dibujos preparatorios de la que luego fue su serie Caprichos.

Dos obras caprichosas, escatológicas, donde caricaturiza su particular manera de transmitir humor y sarcasmo.

Un búho de Natalia, medicina con bienestar emocional

El Arte, pequeño o grandes, tienes tantas opciones que no siempre queremos entender que algo que consideramos banal es realmente Arte. Hacer un buen huevo frito también es gastronomía. Esta pequeño búho sirve de una decoración navideña muy efectista, en una puerta de un hospital. En concreto en el acceso a los gimnasios públicos de dicho hospital zaragozano. 

Lo ha realizado una profesional sanitaria que se llama Natalia, suficientes datos para apreciar que todos debemos contrubuir a entender que el Arte sencillo también tiene cabida en nuestras vidas.

Profesionales de Sanidad en Aragón decoran su espacio de trabajo

Cuando los profesionales de la Sanidad Aragonesa deciden fuera de sus horas de trabajo decorar todas las puertas de Consultas Externas de un hospital de Zaragoza, deben recibir un aplauso como mínimo. 

El impacto de las personas que tienen que acudir a un hospital por diversos motivos, en fechas que mentalmente son un poco más sensibles, agradecen ver que un hospital no siempre debe ser un lugar frío, sin humanidad, con detalles que lo acerquen a la vida de las personas.

Tras cada puerta hay un departamento diferente, y está decorado de forma distinta. ha sido un trabajo de Equipos, y eso aun es más de agradecer. 

No es un trabajo de la Dirección, organizado ni programado. Es el trabajo añadido de personas que aman su trabajo y a sus pacientes…, como personas.

Humanizar la Salud es trabajo de todos.

Aprendamos a dibujar como Picasso. Trazos gruesos

Esta imagen de arriba es una de las clásicas palomas pintada por Pablo Picasso, hcha en este caso en el año 1959. Cuatro trazos gruesos y rápidos y una sensación de volumen y casi de velocidad que se consigue simplemente con el diferente grosor de las líneas del dibujo.

Vamos a realizar lo que es sin duda un ejercicio que parece muy sencillo para copiar si estás empezando a dibujar o por si quieres perfeccionar técnicas diferentes de dibujo hasta elegir la tuya propia.

Mi propuesta es que con este mismo tipo de trazo de diferente grosor, con rotuladores gruesos o con pinceles muy blandos, sobre papel de dibujar, intentes primero copiar esta misma paloma, luego hacer otras palomas en distintas posiciones, a continuación hacer otros pájaros diferentes volando o en reposo, para terminar realizando todo tipo de dibujos, casi tipo boceto, con muy pocas rasgos pero lo elegidos.

Brochazos o trazos directos, sin corrección, en muy poco número y que se vean naturales, rápidos, decididos.

Puede parecer más sencillo de lo que realmente es, no te fíes de las apariencias. 

Para asegurarte en los trazos puedes antes con un lápiz muy suave o un carboncillo al que soplarás una vez dibujada la figura para que queden solo pequeñas marcas, esbozar las líneas que debe tener tu dibujo. 

De esta forma podrás seleccionar aquellas que realmente sean imprescindibles en el dibujo y suprimir finalmente aquellas que no aporten nada para dar cuerpo a la figura.

Fíjate que son en muchos casos líneas sin unirse, sin forma definida en los detalles. Tienes que ser líneas gruesas, bastas, que simplemente señalen las formas. 

Y recuerda que es mejor una línea de menos que una línea de más.

Ejercicio para saber si tenemos buena percepción selectiva en el Arte

Estamos convencidos de que sabemos mirar, que estamos entrenados para mirar y ver, y que eso nos simplifica nuestra capacidad para crear, para copiar, para darnos cuenta de lo interesante que tenemos enfrente a la hora de fotografiar algo. Incluso estamos convencidos de que sabemos explicar en un relato, una historia. 

¿Estas seguro de todo eso?

Baja abajo del todo, muy abajo, más abajo… y responde a las preguntas que te hago.

Has visto la imagen que ilustra esta entrada. Y sí, sabes de qué se trata. Y eso me lo puedes decir, lo recuerdas, sobre todo si eres de España. Sí, es Valencia.

Sigue leyendo.

¿Qué había sobre el agua?

¿De qué colores eran las esculturas?

¿Cuántas esculturas había en las plataformas?

¿Qué tipo de árbol había en la imagen?

¿Cuántos edificios grandes y artísticamente diferentes a lo habitual, había en este paisaje?

¿Cuántos animales había flotando en las aguas del estanque?

¿Sabrías escribir dos o tres líneas con una pequeña escena que transcurriera en estos espacios?

Si eres observador habrás adivinado bien todo lo que planteo, pero es posible que algunas cosas hayan pasado desapercibidas a tu capacidad de retener, de mirar y ver, de recordar. Es importante entrenarse a la hora de querer ver lo que a tí te interesa ver, para saber qué te debes llevar en el recuerdo. 

¿Qué es ARTE y cuando algo es ARTE?

Como estamos en tiempos de censuras, siempre hay personas (y más ahora) que se preguntan y lanzan incluso sus propias respuestas al aire sobre qué es (para ellos) el ARTE y qué debemos concebir como ARTE, intentando adoctrinar y acotar la actividad artística, sin darse cuenta que el arte es inmenso. 

El ARTE puede estar en el cielo, pero hay cielos que son una mierda y no nos dicen nada. 

No todo es arte, pero muchas cosas son arte y no sucede nada malo por ello, incluso aunque no lo veamos así.

Sin duda alguna una obra censurada en ARCO es (hoy) ARTE, lo que tal vez nos puede llevar a pensar que tal vez hace una semana, antes de ser censurado, no fuera ARTE, sino algo más banal. 

Un trabajo que sin leerlo nos pasaría desapercibido. Y cualquier creación que pasa sin pena ni gloria, no es ARTE. Al menos ya hemos dicho qué NO ES ARTE. Lo que no produce sensaciones encontradas.

¿Qué es ARTE y cuando se es ARTE?

Una actividad o un producto que sea capaz de motivar, de provocar, de comunicar, de resultar estético, bello o agradable, de incluso ser horroroso y que se salga de lo lógico, puede y debe ser ARTE.

Y como todo en la vida, hay ARTE bueno o ARTE malo, hay arte agradable y arte muy desagradable. ¿Quien dijo que el arte (todo el arte) tiene que ser válido, algo a tener en cuenta?

Para hacer arte podemos emplear nuestras manos, nuestras ideas, nuestra formación o incluso nuestra mala hostia o nuestra particular forma de ver la sociedad, el ambiente. 

El arte es parte de nuestra cultura y por eso va cambiando, se transforma, tiene el valor de la intemporalidad, y por eso es posible que dentro de unas décadas o siglos, el arte actual sea considerado una mierda, o incluso que sea considerado otra mierda el arte religioso y repetitivo de la Edad Media. No lo sabemos. 

No tenemos ni idea qué pensarán de nosotros o de los renacentistas o egipcios en el siglo XXX. Si es que queda algo de todos nosotros.

Transmitimos ideas con el ARTE, pero también malas babas, quejas, críticas o simplemente decoraciones. 

Los que critican al ARTE lo adoran mucho más que los que nos dedicamos a crearlo. Para muchos de nosotros el ARTE es parte de nuestra forma de ver. Simplemente eso. 

Sea escribiendo, creando música, pintando o dibujando, creando obras teatrales o de ballet o simplemente provocando. Ojo, cuidadín, que provocar a muchos no es fácil. Provocar a una persona sí, provocar a miles de personas es todo un ARTE.

Durante muchos años el ARTE se empleaba para crear fieles, para casi obligar a leer a los que no sabían leer. Para meter miedo con los demonios. Y hoy nadie duda de que aquellas obras son arte. 

Como es arte lo que los prehistóricos dejaron escrito en las paredes de las cuevas empleando sus dedos. No se nos tiene que romper la crisma por pensar que eso es arte, como lo es construir platos de tortilla deconstruida. 

El ARTE también se puede comer. 

Pero lo más curioso es que si tú, como espectador o como ciudadano, no quieres que eso sea ARTE tampoco pasa nada. El ARTE lo es por tí, para tí. Eres tú quien lo construye con tu mirada. No es obligatorio leer una novela o ver un cuadro. 

Tampoco lo es que lo consideres ARTE. Yo no te obligo. Así que al menos, no me obligues a mi a NO considerar ARTE lo que me da la real gana que sea ARTE. Si yo considero ARTE algo que tú no consideras arte, no sucede nada. El ARTE puede ser ambivalente, incluso debe ser las dos cosas a la vez. SÍ o NO.

Si como persona haces cualquier actividad con ganas de que trascienda, eso es ARTE.

Si te estás “expresionando”, y lo haces bien y con ganas de hacerlo mejor todavía, y logras impresionar o provocar, hacer dudar o sonreír, realmente estás haciendo ARTE. Pero no te preocupes, eso no quiere decir que vayas a pasar a la historia.

Todos hacemos arte, la inmensa mayoría ni nos damos cuenta. Pero no todos somos capaces de recortarlo, mostrarlo a los demás y provocar con ello “algo”. 

Muchas veces el ARTE es simplemente encuadrar, parar el momento, elegir el punto de vista, entregar limpio de polvo y suciedad algo muy elemental y que separado de su hábitat común se convierte en “otra cosa”. 

Incluso es ARTE simplificar tanto, tanto…, que hemos convertido un árbol en dos manchas cuadradas, una negra y otra roja. 

Simplificar también es ARTE.

Pintada revolucionaria. Prohibido prohibir

Prohibido prohibir, decían algunos jóvenes locos que enseguida se hicieron mayores. 

Ahora parece que está prohibido el no prohibir, incluso es recomendable prohibir para sentirse útil. 

Así que si nos encontramos una obra de arte como esta, sin duda, hay que llevarla a ARCO. 

Es revolucionaria. Es literatura de la buena.

Flamenco con sombrero al que han cortado la cabeza

Esta obra de Arte Urbano (Art Street) está en Valencia, casi esperando a que la miremos con unos segundos de atención, para poder ver que tiene la cabeza cortada. Con el tajo ya hecho hay pocas soluciones, por mucho que el pájaro rosa ponga cara de felicidad. Lo curioso es que no se le caiga el sombre de copa.

Arte Gráfico en las Artes Gráficas

Las viejas imprentas, las imprentas tipográficas de principios del siglo XX hicieron por la cultura y el arte lo que no está reconocido aunque siempre de forma callada y artesanal. Entrar en aquellas imprentas muchas veces en sótanos y con poco espacio para moverse los oficiales y los aprendices, mezclados y agitados, todo a la vez…, era complicado.

Con olor a tinta y a papel viejo, con no mucha luz, con batas azules o monos grises, con desorden ordenado y con calor, mucho calor en verano. Y frío, mucho frío en invierno que solo se resolvía con las horas de las máquinas haciendo ruido.

Por que esa era otra, al olor maravilloso de la tinta (casi siempre negra) se unía el ruido de todas las máquinas en un espacio pequeño al que te acostumbrabas con sordera sobrevenida.

Y mientras tanto ibas juntando palabras, colocando clichés y jugándote la mano en cada golpe de Minerva,  solo resuelto con la profesionalidad de los cientos de miles de idas y venidas de cada una de las dos manos. Necesitabas ambas.

Ese era el Arte Gráfico, un oficio maravilloso que enganchaba y que te permitía vivir rodeado de papel, libros, textos y dibujos.

Miquel Fuster "Miguelito" y sus obras personales

Miquel Fuster fue un ejemplo de supervivencia, un ARTISTA que en sus peores momentos seguía pensando que el Arte le mejoraría su vida. Un ejemplo de que el Arte no sirve para triunfar, ni para sobrevivir económicamente, sino si acaso, para sobrevivir mentalmente.

Durante 15 años, entre 1988 y 2002, sobrevivió sin un techo fijo en Barcelona y otros municipios cercanos. En 2003, con poco más de 40 kilos de peso para sus 1,82 centímetros de gran altura, encontró el apoyo en la Fundación Arrels, que le ayudó a dejar el alcohol y le ofreció un apartamento que convirtió en su estudio para volver a pintar.

Creó un Blog personal en donde mostraba sus obras y empezó a publicar algunos dibujos en algunas publicaciones catalanas. Obras siempre con una personalidad muy definida.

Miguel Fuster o "Miguelito" era hijo de aragoneses, que tuvieron que emigrar hacia la mejor Barcelona rica, para trabajar de sirvientes de las masías catalanas tras la guerra. 

Y con la escuela de los muchos tebeos que leía de niño y un bolígrafo, empezó a trabajar el papel para llenarlo de sensaciones, sentimientos, miradas personales.

Trabajó de ilustrador hasta que la mala suerte, o la provocación de algún vecino que no soportaba sus fiestas en el piso de Artistas, hizo que se incendiara su vivienda y perdiera las pocas opciones de seguir viviendo dignamente. A partir de ese instante, vivió sin agua, sin luz, dentro de una vivienda quemada sin poderla restaurar, hasta que la calle y el alcohol se mezclaron para destrozarlo.

Cuando falleció con 77 años de vida, algo impensable para personas que han vivido en la calle tantos años, tenía varios proyectos encargados a medio terminar. Las ayudas de la Fundación Arrels fueron fundamentales para auparse hasta sus últimos días. Y para crear una red de ayuda, de consejos y de Arte maravilloso que se acabó el 30 de marzo del 2022.

Una ilustración de la catalana Sonia Pulido

La ilustradora Sonia Pulido lleva dos décadas enseñando Arte en varias escuelas catalanas, y ha recibido el reconocimiento por sus trabajos en numerosos países además de haber publicado ya 14 libros propios. Ilustradora abierta a muy diversos formatos, recibió el Premio Nacional de Ilustración en España del año 2020. 

Sabe perfectamente que cualquier historia literaria, de texto, tiene un contrapunto necesario en una buena ilustración que aporta detalles o puntos de vista que a veces pueden chocar con el texto, sobre todo si son de autores distintos, pero para eso está la ilustración y el Arte en general, para romper ideas preconcebidas. 

El aragonés Juan García Martínez y Los Amantes de Teruel

Del artista aragonés Juan García Martínez dejo una obra titulada "Los Amantes de Teruel" del año 1857 pintada en París y en donde refleja dentro de una capilla muy oscura como Isabel de Segura cae muerta al ver el cadáver de su amado Juan Diego Martínez de Marcilla. 

Es un cuadro propiedad del Museo del Prado que se encuentra en malas condiciones de conservación necesitando una completa restauración para sacar sus bellos colores de esas patinas oscuras, hasta no hace mucho en la Universidad de Zaragoza y actualmente en la Fundación Amantes de Teruel de Teruel en depósito.

Es un óleo sobre lienzo de unos 2,5 metros de ancho.

Arte en los niños y jóvenes. Imprescindible herramienta de expresión

El Arte es lo contrario al aburrimiento, es una herramienta a favor de las emociones de quien crea y de quien observa, escucha o se mueve. El Arte es comunicación utilizando diversas maneras que todas ellas tienen que ver con motivar, mover a quien nos observa.

Un mal día puede cambiar si acudimos al teatro, vemos un museo o escuchamos una sinfonía, podemos modificar nuestra tristeza tras un concierto Pop o viendo una espectáculo de circo o de danza.

Si estamos muy quemados, tal vez con un carboncillo y una hoja de papel grueso logremos calmarnos, es posible que si un niño se aburre cambie si le dejamos jugar con arcilla para crear árboles o muñecos. UN adolescente puede transmitir sus sensaciones con una cámara fotográfica o con un libro de relatos suyos o de otra persona.

Todas estas actividades son caminos artísticos que se entrelazan, se contagian incluso, se ayudan entre ellos para modificar nuestras sensaciones corporales.

Un niño es sobre todo un ser creador de contenidos, hacia fuera de su cuerpo, hacia dentro de su cerebro. Podemos intentar que simplemente memorice textos o datos, pero a su vez podemos lograr que se llene de sensaciones, de gustos, que aprenda a controlar sus sentimientos, a expresarlos, a mostrarlos.

Todos admitimos que los niños y jóvenes están en un periodo de aprendizaje, atraviesan unos años maravillosos para formarse, para aprender, para expresar lo que van sintiendo. Pero no siempre las facilitamos las herramientas mentales para que pueden sacar desde dentro esa creatividad que les suponemos, esa imaginación maravillosa, que a veces parece que se la estamos suprimiendo, moldeando.

A estas edades, además de recibir información y formación, deben ser capaces las personas jóvenes y los niños de poderse expresar. Y si entendemos como básico que sepan hablar, no es lógico que no ayudemos a que también sepan expresarse con más herramientas que la palabra oral.

El Arte nace de la curiosidad y de modelar esa curiosidad para hacerla propia y entregarla modificada con arreglo a tus propias ideas. Digamos que añades y pules la curiosidad real que observas, para convertirla en “tu” realidad. Y someterte a la hora de entregarla, a la mirada de los otros. Eso bien encauzado, bien trabajado, debería ser maravilloso para los niños y jóvenes, y para su desarrollo personal y formativo.

El Arte enseña a mirar, a expresarse, a escuchar, a movernos, a sacar, a regalar, a canalizar emociones, a identificar sensaciones y problemas, a disfrazarse de otra persona. 

El Arte no es solo pintar o dibujar, es también teatro y danza, es literatura y música, es escultura o modelaje, es descubrir el diseño en todas sus variables incluidas el urbano o el verde. 

Se abren pues diversas especialidades que pueden configurar gustos de futuro, de un desarrollo profesional a través de lo que se va aprendiendo en esa infancia que debemos aprovechar a tope.

¿Se puede hacer ruido antes de llegar al final?

¿Y al final?

¿Qué es posible que tengamos al final?

¿Por qué nos lo imaginamos azul?

¿Es necesaria tanta luz para ir a ningún sitio?

¿A dónde nos conducirían las puertas de los laterales si las abriéramos?

¿Seguimos avanzando o nos escondemos en cualquier esquina?

¿A qué juega el paisaje de este pasillo de vida?

¿Estamos realmente solos como parece?

¡¡Chiss!!

No hagas ruido por favor.

¡¡Joder!! No hagas tantas preguntas y avanza.

Solo es cuestión de otoños vividos

Lo sé tan bien como tú.

No queremos que suceda.

Pero sucederá.

Así que solo nos queda reordenar lo que tenemos ahora.

Saber que así lo veremos, así seremos, así nos verán.

Hojas caducas, cambiadas de formas y colores, a punto de caer.

Es cuestión de otoños.

José Manuel Ciria, un artista de Palabras

Esta es una obra de gran tamaño del artista inglés y español José Manuel Ciria, que perteneciente a su Serie "Palabras" nos deja el mensaje de "Miseria" que no es poca cosa. Hecha en el año 2002 es un grito, un clásico ejemplo de Art Street llevado a un panel de tres metros de altura. 

El Arte tiene que ser también vehículo de los gritos del momento, de la sociedad a la que representa y de la que emana su vida creativa. El Arte de todo tipo debe ser también reflejo fotográfico aunque no utilice la fotografía, de lo que sucede en nuestros entornos. 

Santi Burgos fotografía a José Antonio Marina

Este retrato, esta fotografía de Santi Burgos para El País, retratando al filósofo y escritor José Antonio Marina me ha llamado hoy la atención por su encuadre, por la historia que parece contar, por sus gestos y emociones.

Una persona mayor, rodeada de libros, de sabiduría, pero enmarcado por los quicios de una puerta, como dejándolo dentro para que lo observemos desde fuera, y abrumado por algo, posiblemente por los problemas que observa aunque tenga detrás todo el conocimiento del mundo. propio y de otros.

Descansa, casi nos mira, e intenta disimular sus dudas, sus esperanzas, señalándonos queriendo o sin querer, que en nuestra cabeza estarían nuestras soluciones si somos capaces de sacarlas, de verlas con los dos ojos bien abiertos, y no con uno entonado y el otro ya mayor.

Lo explicado anteriormente es mi apreciación. Igual el autor de la fotografía la hizo en ese encuadre por otros motivos, no lo sabremos, pero lo que es cierto es que dice cosas, habla la imagen, y eso es lo importante.

La importancia del color en la percepción de los ambientes

Hablaba antes de la importancia de diferenciar tonos, pequeños matices siendo espectador, para disfrutar más del Arte. Pero si eres creador, artista que intenta plasmar tus ideas, dominar el color y sus tremendos matices, es fundamental para crear ambientes, para llevarte el mundo de las sensaciones de quien observa tu obra, hacia un punto determinado.

No siempre son las formas las que mueven tu percepción de lo que se ve, muchas veces los colores, los matices, las luces y sombras, los contrastes, logran moverte de espacios y de lugar.

Si observamos las dos imágenes de arriba (por cierto, creadas con inteligencia artificial) veremos una serie de matices que las diferencias. En teoría la de la izquierda representaría a un Londres Victoriano, y la de la derecha a una Europa tipo Países Bajos. Pero eso sería en cuanto a la arquitectura, a las formas de los elementos.

Si observamos la gama de colores, apreciaremos que la izquierda es más triste, pero no tanto por los cielos o las sombras, sino por los tonos rojizos. También podríamos decir que a la izquierda estamos de tarde y a la derecha de mañana. 

Si vemos el color del cielo, observaremos que es más rojizo precisamente la obra que en su conjunto es más amarilla o verde. Esta ilusión es para remarcar más el resto de tonos y colores. Sobresalen más los verdes si los enmarcamos o envolvemos en cielos marinos, y sobresalen más los tonos de ladrillos, rojizos, si los rodeamos de cielos cían o verdosos. 

Aprendamos a diferenciar los matices de los colores piel

Frente al color, a los colores, a los matices de cada color debemos tener una predisposición para apreciar los ligeros cambios. Esto se aprende practicando, y es maravilloso poder distinguir ligeros cambios de un color a otro, apreciar colores correctos (o provocadores) en obras determinadas.

El color carne por poner un ejemplo tiene unos componentes similares en todo tipo de obras que intentan reflejar la piel de la raza caucásica por poner el ejemplo más sencillo entre nosotros, pero esa piel de un rostro o de un brazo contiene decenas y decenas de tonos distintos, incluso de colores diferentes para que a nuestra vista veamos algo correctamente pintado como si fuera una piel blanca, marrón, rojiza, etc. 

El color carne es una de las constantes más complejas la hora de intentar reproducir de forma correcta unos tonos y colores que logren engañar o convencer a nuestra vista. 

Tenemos que reproducir unos colores y tonalidades que nos hagan creer que según el ambiente, la luz, las ropas, los complementos, aquello que observamos está correctamente pintado.

El tono y color de la piel pintada, será muy diferente si extraemos de su conjunto una parcela de uno de esos colores, y lo separamos de su ambientes de luz y tonos que lo envuelven. 

Incluso la muy conocida casa Pantone ha elaborado su propio catálogo de tonos o colores de piel, que contiene 110 colores diferentes de piel numerados del 1Y01 SP al 4R15 SP. 

Pero nunca un color de carne o de piel que está pintado o dibujado a color es un color plano, básico. Siempre contiene decenas de matices de color, dentro de su gama…, excepto en los puntos más fuertes de luz y sombra en donde se puede ir de la gama principal.

Por todo esto es fundamental que seamos capaces de distinguir y disfrutar de los pequeños matices en los colores, y eso se aprende, se educa al ojo a distinguirlos, e incluso a veces se pierde con los años y con los problemas de la vista.

Las formas de las partes pueden configurar un todo

Hay veces… en las que tres parece más que tres veces uno - 2022 - Zaragoza

El zaragozano José Cerdá y un dibujo de unas Ferias

Este dibujo del artista zaragozano José Cerdá Udina es un ejemplo de los múltiples usos que el Arte tiene en la vida más común. Es un diseño ya no simplemente gráfico para una publicidad, sino para un constructor de juegos de ferias, para que el constructor sepa qué debe crear y el comprador vea antes de que el producto esté terminado, qué se le va a vender. El dibujante hace de intermediario visual entre dos profesionales diferentes.

José Cerdá trabajó el dibujo desde múltiples facetas, desde las viñetas humorísticas en diarios aragoneses a la publicidad, murales, serigrafía, etc. Las opciones de la creatividad artística no siempre son reconocidas en los museos, aunque José Cerdá sí tuvo varias exposiciones en Zaragoza.