La inmensidad del vacío en el mar

 Suavemente… un barco suave - 2021 - Castellón

Un paisaje de noche diurna con castillo. Peñíscola

 Y al venir la noche se escapó la niebla - 2021 - Peñíscola

Seremos polvo, pero antes hay que pasar por el purgatorio

Y en esto nos quedamos, en el mejor de los casos. Esta calavera ha tenido la suerte de gozar de los colores, de ser pasto de los líquenes y parecer algo incluso después de limpia y seca. No todos podremos decir lo mismo. La vida es así de seca, todos nos veremos así en algún momento. 

Claro que… lo de vernos así, es una idiotez pues con las cuencas de los ojos vacías de sustancia, no nos veremos de ninguna manera. Ni nos veremos ni nos verán, pues tampoco nos permiten quedar tirados en medio del campo a la suerte de los bichos diversos. Nos pudriremos con animales tasados y no al libre albedrío, que esa es otra. 

Al final queda claro que lo de: "Polvo eres y en polvo te convertirás" es una de las últimas fases, pero para ello han tenido que pasar por varios purgatorios anteriores.

Y como no tenemos frío, no hay cambio de color

He ido a mi frutería a comprar unas mandarinas y al señalar unas que eran verdes de verdad, la vendedora me ha dado para mi sorpresa una respuesta novedosa.

—Son de España, y más ácidas que esas otras. Esas no son de España —me ha dicho señalando las de un cesto a mi derecha.

Creo que ya solo le faltaba decirme que las verdes estaban podridas. Pero ha insistido porque ha visto en mi cara que yo no estaba muy convencido en cambiar de decisión.

—Las de fuera son más baratas.

Ha cogido las verdes, es lógico, pero no por ser más ácidas, españolas o más caras, no, simplemente por mi cabezonería. Bueno soy yo. Quiero las verdes precisamente por ser verdes. Lo complicado será explicar en casa que he cogido las verdes cuando todos tenemos el marco mental de un color determinado. 

—¿Verdes? ¿Estás tonto? ¿Y encima te han dicho que eran ácidas? ¡No se podrán comer!

Las mandarinas casi nunca son verdes, así que quiero jugar con ese sabor ácido. Al llegar a casa me he dignado a mirar por San Google de qué iba esto, de qué variedad eran esas mandarinas. Para estar preparado ante las críticas de lo mal comprador que me siento.

Y ¡oh!, no, es que las mandarinas que maduran sin frío no logran ser naranjas, y se quedan verdes. Y este otoño no está siendo otra cosa que caluroso. Otro día miraré a ver porque las de fuera son más baratas, pero no me he querido joder más el día.

—Es el cambio climático, es que en España no hemos tenido frío este otoño —les digo a la familia mientras me observan con cara idiota, pues nadie me ha preguntado nada de nada.

Cómo robarle los sueños a una ventana peligrosa

Mirando al Levante, es infinito lo que observa la ventana cerrada que intenta robarnos los sueños del mar, para quedárselos ella. Las ventanas de diseño además de atrapa sueños son peligrosas pues si te las quedan mirando mucho tiempo, te roban las ideas y las hacen suyas. 

Con picardía, las miramos de reojo, alzamos la mirada un momento, escapamos nuestra mirada hacia el infinito y hacemos como que no la miramos. 

Y de esa manera les podemos robar sus propios sueños, sus ideas robadas a otros transeúntes. Todo son trucos para lograr soñar más. Quien roba a un ladrón…

No todos los hombres son tan duros como este

Hombre de hierro oteando el mar - 2021 - Peñíscola

Suavemente llenando el vacío con sus blancos rosados

Suavemente ofreciendo belleza de forma sutil pues sabe que no depende de las estridencias para que se te queden mirando y entiendan que llenar los vacíos es muy complicado y que con suavidad también se puede lograr. Era una simple flor de otoño que se había espigado buscando el sol que ya fallaba.

"El canal de Gravelines" del puntillista Georges Seurat

El cuadro "El canal de Gravelines, Petit Fort Philippe" del pintor neoimpresionista Georges Seurat es un ejemplo contundente del puntillismo como podemos observar mejor en esta otra entrada. Pintado en el año 1890, un año antes de fallecer nos muestra un pequeño puerto francés de Gravelines al Norte de Francia.

En el puntillismo se busca que los puntos sean armónicos con sus puntos aledaños para formar en el ojo humano la impresión de que no existen puntos de colores sino manchas de color. Esto puede lograr si se hace bien una armonía de colores con mucha luz que deja ver suavemente las formas con sus colores, como si se hubiera pintado con tonos pasteles. Todo depende de las distancias de los distintos puntos y del tamaño de estos. Se juega con el blanco del lienzo para ofrecer estos tonos suaves y abiertos.

Es una obra sin personas, ya sean paseantes, pescadores o trabajadores del puerto, y esta manera de representar sus obras por Georges Seurat era típica de sus paisajes marinos, que siempre tenían una soledad luminosa.

Cartel del Festival de Cine Fantástico de Sitges 2021

La cartelería es un termómetro del tiempo, de la sociedad y sus gustos, del Arte Menor del Diseño Gráfico y nuestros gustos estéticos. Me encanta la cartelería por lo que ice y representa, pues es mucho más que publicidad, que intentar vender un producto, unas fechas, unas fiestas.Este es el cartel del año 2021 del Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña que se celebra en Sitges. El que siempre se ha llamado Festival de Cine Fantástico de Sitges.

Esa mezcla de doble personalidad jugada tan sutilmente en el cuadro cartel, y digo esto admitiendo la facilidad que tiene en su mensaje, pero podemos jugar a colocarlo en cualquiera de las dos posiciones, volteado 180 grados para que sin casi querer muestre uno y lo contrario.

El artista diseñador ha jugado con un pequeño detalle que obliga a mostrarlo así como lo vemos, dando prioridad a la noche. Todo se podría ver igual de bien si lo giramos excepto… el nombre de Sitges. Y claro, con todos los patrocinadores que están publicados abajo del cartel, aunque en la imagen que vemos arriba no están mostrados.

Cartel realizado por la agencia China Madrid mostrando la dualidad del Hombre Lobo y la normalidad, la noche y el día.

Puntillismo neoimpresionista. Ejemplos

Vamos a plantear por un momento un ejercicio visual, ajeno a la explicación de la autoría de la obra, de la que hablaré en una entrada posterior. Ahora solo vamos a ver lo que realmente es el puntillismo entre los neoimpresionistas, qué se desea buscar, qué técnica pinctórica utilizan y qué efecto hace en nuestra mente la obra si la observamos a una distancia adecuada.

Es un efecto similar al que observamos sin darnos cuenta en un impreso, en una revista, incluso más sobre todo si es una muy buena revista que imprime con trama estocástica o con lineaturas de 200 lpp. Su crean con masas de color de distinto tamaño (los pintores con pinceladas) los efectos de grises y tonos medios, que el ojo humano ya ve fundidos hasta observar una imagen donde no hay puntos, sino tonos medios perfectamente fundidos.

En este cuadro podemos ver el ejemplo de la obra real, el ejemplo de cómo más o menos lo vemos y configuramos en nuestro cerebro si se observa a una cierta distancia, y un detalle del tipo de pinceladas, para ver de qué técnica se alimentaban estos tipos de pintura, que de alguna forma siguen utilizándose, incluso de forma digital en algunas obras. 

Alfred Sisley y su obra La nieve en Louveciennes

Continuamos con obras del Impresionismo y en esta caso traigo otra pintura de las clásicas y conocidas titulada: La nieve en Louveciennes y pintada por el artista francés Alfred Sisley en el año 1875 aunque durante muchos años se consideró pintado en 1878. Una pintura de nieve invernal donde observamos en un camino cuesta arriba una campesina se aleja, con una cesta en el brazo. Envolviendo toda la obra nieve por todos los sitios ofreciendo un paisaje frío donde la mirada se nos va inevitablemente hacia la persona, la casi única nota de color de un cuadro de 61 centímetros de altura realizada en óleo.

Un paisaje poco atractivo por su frialdad  aunque sea una escena tranquila, vacía incluso, de otro mundo poco habitual, donde podemos apreciar como todo parece congelado, excesivamente quieto y parado, como esperando mejores tiempos.

Alfred Sisley fue un paisajista impresionista, quedan muy pocas obras suyas de periodos anteriores a este cuadro, pues fueron destrozados por la guerra con los prusianos. Aun así era un pintor de gran trabajo, aunque su fama importante como impresionista le vino tras su muerte en 1899

Las pocas luces que quedan brillan más en otoño

Es posible que el otoño nos pueda brindar pequeñas bellezas imposibles de repetir, flores de colores que iluminan los días cortos. Una señal mas, de que no todo se acaba, de que incluso nada se acaba del todo, pues siempre quedan luces encendidas para creer en otra nueva primavera.

El verde quería destacar sobre el gris, y lo consiguió

Y se hizo verde, para destacar - 2021 - Castellón

El agua sintió envidia del cielo en Peñíscola

Y el cielo parecía acompañar al agua - 2021 - Peñíscola

La Escarcha. Impresionismo de Camille Pissarro. Gelée blanche

Esta obra que vemos arriba se titula La Escarcha o Gelée Blanche y la pintó Camille Pissarro en el año 1873 con 43 años de edad, una obra impresionista no tan conocida como otras pero que también juega con las pinceladas que formarán objetos en la mirada del espectador más que en el propio cuadro que visto de cerca es la suma de pinceladas bastas. Es un óleo de algo menos de un metro de ancho en donde representa unos campos en el invierno que los deja por las mañanas llenos de escarcha blanca.

Sobre todo su obra más conocida representa a la vida rural francesa, sobre todo los paisajes y las escenas en los que aparecían campesinos trabajando, o a las zonas urbanas de más vida nocturna representando a mujeres. 

Se le considera, junto con Claude Monet y Alfred Sisley, uno de los impresionistas puros, diferenciándose del grupo de los "problemáticos"  como Renoir, Degas o Cezanne. Como profesor de Arte tuvo como alumnos a Paul Gauguin, Paul Cézanne, a su propio hijo Lucien Pissarro y a la pintora impresionista estadounidense Mary Cassatt. Políticamente fue simpatizante del anarquismo y del socialismo en unos años complejos y duros.

Tanto se arañaron que al final uno de ellos murió en la batalla

Fue una pelea a muerte, un lanzarse patadas y arañazos a los ojos buscando dejar ciego al oponente, era una lucha ente amigos de la misma acequia que se peleaban por la misma hembra. Y al final uno de ellos desapareció debajo de las agua, curiosamente creo que el que en esta imagen parece ir ganando. Algo sucedió de forma muy rápida que se hundió dejando parte de una ala fuera del agua. Y el otro macho se fue tranquilamente de aquellas aguas a buscar su premio. Con cosas que sucede entre todo tipo de animales, incluidos los que a veces llamamos humanos, que es un simple adjetivo para calificar o diferenciar entre mamíferos.

Édouard Manet: El pintor de la vida moderna. Almuerzo sobre la hierba

No todos los pintores impresionistas de sus inicios han logrado en la actualidad la misma fama con sus obras, y este cuadro titulado Le Déjeuner sur l'Herbe o Almuerzo sobre la hierba del francés Édouard Manet, pintado en el año 1863 sería un ejemplo de que la fama se mueve con los tiempos y los años. Fue una obra de gran crítica y rechazo en sus inicios, pues no se entendía que una mujer estuviera totalmente desnuda delante de dos hombres, todos ellos tumbados en el campo. Era un poco como una estampa pornográfica para aquellos años donde todo estaba permitido, pero no todo se podía mostrar a todo el mundo.

La mujer que nos mira a los espectadores es la modelo de Édouard Manet llamada Victorine Meurent que pone el rostro mientras que se asegura que el cuerpo es mucho más parecido al de la esposa del pintor llamada Suzanne Leenhoff. 

Los hombres son el hermano del Édouard Manet y el escultor Ferdinand Leenhoff que era hermano de su esposa. Incluso la modelo del fondo es reconocible como Alexandrine Zola la esposa posterior a esta fecha del escritor Émile Zola.

Es otra visión fotográfica de un escenario casi de estudio, de un paisaje que se representa como si fuera una fotografía en cuanto a iluminación y formas que simulan un bodegón con personas. Es una obra grande de 2,65 metros de anchura hecha con pinceladas gruesas y casi nada difuminadas. 

Curiosamente la obra además de un bodegón con frutas, la ropa de la modelo por el suelo, una barca algo desproporcionada contiene un pájaro en lo alto y una rana abajo a la izquierda que casi no se logra ver. Una ave volando que parece simular al Espíritu Santo y una rana que representa a las mujeres libres de la época que iban de fiesta en fiesta por las noches parisinas.

Esta obra ha sido replicada por muy diversos autores desde entonces, buscando otros puntos de vista y con otras técnicas o modos. Desde Picasso a Monet, desde Alain Jacquet a J. Seward, de este picnic campestre que tanta sensibilidad movió en aquellos años. Pero el primero fue Édouard Manet, al que se consideraba "El pintor de la vida moderna".

Los piratas, las cruces y los peligros del Sistema

Contra los piratas desalmados siempre ha funcionado la cruz pues daba moral. La realidad era otra pues a veces se ganaba y a veces los piratas entraban a saquear hubiera cruz o sin ella. No era una garantía más que para los sitiados en las orillas del mar, que se sentían más fuertes amparados por el signo. Con los años los piratas dejaron de tener el ojo tapado, se modernizaron y ya no les afecta la cruz. Incluso la utilizan ellos mismos para saquear a los que están en las orillas del Sistema. Todo cambia y hoy los piratas llevan corbata y coches finos. Por eso las cruces se han ido oxidando y ya no es lo mismo que antes.

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Against heartless pirates the cross has always worked because it gave morale. The reality was different because sometimes it was won and sometimes the pirates entered to loot, whether or not there was a cross. It was only a guarantee for those besieged on the shores of the sea, who felt stronger protected by the sign. Over the years the pirates stopped having their eyes covered, they modernized and the cross no longer affects them. They even use it themselves to loot those on the shores of the System. Everything changes and today the pirates wear ties and fine cars. That is why the crosses have been rusting and it is no longer the same as before.

¿De verdad tiene algo que ver con Santander?

¿Santander? ¿Qué tiene que ver esto con Santander? ¿Son figuras geométricas o son personas deformadas? ¿Es una obra de Street Art o es una casualidad? ¿Es natural o es digital? ¿Existe o es una casualidad inventada? ¿Podría ser un logotipo envejecido y convertido en basura?

El sol del membrillo. Antonio López y Víctor Erice

Esta obra se titula “El sol del membrillo” y se construyó por Antonio López casi en exclusiva para la película del mismo título de Víctor Erice. La película es la mirada de un extraño que simplemente observa al artista en su día a día, creando algo que no existe, un membrillero iluminado por el sol de la mañana. Y es que aunque el árbol con sus membrillos sí parece existir, en realidad no existe más que a lo sumo un par de horas cada día bueno de luz y sol, el resto es imaginación de Antonio López.

Es imposible poder explicar qué siente un artista en los momentos en que está pintando una obra, en los que se la va imaginando poco a poco, aunque todavía no exista, aquello que nos quiere mostrar. La ve, observa la obra ya terminada aunque en realidad solo haya construido unos trazos y todo el resto está en la mente del artista. Ve las formas, los colores, las luces y como estas modulan los objetos y los llenan de color. De un color que solo esta en la mente y en la idea del artista. 

Antonio López es un pintor lento, muy lento de pincelada rápida. Pero mira los detalles decenas de veces, los remira y agarra con su pincel mientras va realizando marcas sobre sus objetos para asegurarse de su posición, de su forma, de sus equilibrios. No tenemos ocasión de poder comparar. 

¿Qué técnicas emplearía Goya para pintar su Maja Desnuda? ¿Y Velázquez para Las Meninas? 

¿De qué manera mezclaban los colores, tomaban referencias, se movían sobre el escenario de la obra, sobre la distancia que siempre hay entre el modelo y el lienzo? 

¿Qué rodeaba a Picasso o a Degas mientras hacían sus obras más famosas? 

¿Qué sonidos acompañaban a cada artista mientras estaba creando la obra que ahora contemplamos en silencio?

Impresionismo en "Los bebedores de absenta" de Edgar Degas

Si antes hablaba un poco del Impresionismo con una obra de Claude Monet, ahora creo que es obligatorio ver una obra de otro pintor impresionista que es también una de las más conocidas de los finales del siglo XIX, la que llamamos "La absenta" o "Los bebedores de absenta" o incluso "En un café" o "El ajenjo" y pintado en el año 1873 por Edgar Degas. 

En este conocido cuadro de Edgar Degas podemos ver a dos personajes, una mujer y un hombre, sentados en una mesa de un café urbano posiblemente de París, con la mirada perdida, desolados y sin saber que expresión tienen, por lo que casi siempre se ha dicho que en realidad eran dos personas ya algo borrachas que estaban como perdidas.

Es casi una fotografía instantánea que busca retratar un momento habitual en según qué locales a ciertas horas. Las copas, la botella, el color de lo que la mujer bebe hace pensar que podría ser absenta, anís verde. Sabemos que ella era la actriz Ellen André y él era el pintor Marcellín Desboutin. 

Muestra también la soledad de una época en París, el aislamiento de dos personajes que además están descentrados en la obra que deja un gran espacio a la izquierda del cuadro mientras corta al personaje masculino. No gustó nada en sus presentaciones de los primeros años pues representaba el vicio, la frialdad humana, el aislamiento. 

Impresionismo inicial y puro de Claude Monet

De los grandes artistas tendemos a reconocer y conocer con rotundidad unas pocas de sus obras, pero en muchos casos realizaron cientos de ellas y solo las pocas que el propio mercado reconoce como las mejores, son las que todos nosotros tenemos en el recuerdo. Del pintor impresionistas Claude Monet tenemos muchas referencias de campos de naturaleza, e incluso varios de ellos con títulos muy similares. Le encantaban las flores pintando con sus colores los lienzos de los campos.

Esta obra titulada: Las Amapolas, o El Paseo o Les Coquelicots en el francés original se pintó en el año 1873. Era un joven Claude Monet que con 33 años ya había elegido su modelo de pintura, su modo de expresión. 

Claude Monet juega con la composición, con dos parejas de personas —posiblemente la de primer plano sea su propia esposa y su hijo— que dividen la obra en dos campos distintos —tres si añadimos el cielo—. A la izquierda los rojos de las amapolas y a la derecha nuestra un campo de hierbas verdes azuladas a la vista del espectador hecho con manchas de colores que quedan mezclados en nuestros ojos. 

Para cortar con el horizonte y dar entrada al cielo, una hilera de árboles, una casa y la segunda pareja de personas.

Como se trabaja sin detalles —buscando que sea el ojo del espectador el que consiga ver las mezclas de colores, los detalles del conjunto— los rostros de las personas no tiene más que manchas en bruto, pues no interesa ver nada que no sea la impresión de un paisaje hermoso donde los colores en pequeñas pinceladas se van mezclando para formar las hierbas, las zonas con flores o los distintos planos de la obra. 

No era puntillismo, era impresionismo inicial.

Me acuerdo entonces de los dinosaurios, y ya ves

No sabemos dónde se esconden los mundos tenebrosos de los bichos que no vemos. Existen, lo sabemos, se mueven y hacen su propia vida ajenos a nosotros, una muestra más de que no debemos ser tan importantes cuando esos bichos diminutos pasan de nosotros. Observamos el mundo en bruto, pero los que se escapan a nuestra vista, esos… no los vemos.

Los llamamos microscópicos pues utilizamos un artefacto con ese nombre para saber que existen. Ellos no quieren saber cómo somos nosotros, y viven a su aire y en el aire. O apegados a las rocas. Creo que son tantos que les importa tres huevos que los vayamos pisando o nos los traguemos al respirar. Nos creemos superiores simplemente por ser más grandes. Me acuerdo entonces de los dinosaurios.

Llegan a las playas las tormentas quita meriendas

Las playas han perdido a las personas y han ganado la natural fuerza del otoño brioso. Nada que objetar, pues los que molestamos al ambiente somos nosotros cuando saturamos los espacios.

Ya no quedan tiempos para el descanso lúdico, sino para repensar de qué somos capaces para mejorar todo esto, si queremos que algo deje de empeorar por nuestra responsabilidad abusiva. 

Sobran las sombrillas artificiales y los maderos cómodos para llegar al agua sin pisar la arena. Llega el agua con su fuerza y sus espumas cabreadas.

La comodidad deja paso a lo natural. Lo llaman en estos lugares otoño, en otros las tormentas de septiembre. En los más escogidos "Los quita meriendas".

Siempre es lo habitual, aunque lo anunciemos todos los años como las tormentas brutales. Los brutos somos nosotros.

Los apellidos del Arte: ismo. Goya reinterpretado por Lalo Cruces

El Arte está lleno de muchos “ismos” como apellidos que intentan encasillar a las distintas maneras de crear arte, de ser distintos a otros artistas o grupos de artistas. Pero estos apellidos no son compartimentos estancos y fijos, y todos ellos contienen muchas formas similares pero distintas de hacer y crear Arte, pues cada artista impregna con su sensibilidad y técnicas cualquier apellido que se le quiera poner a sus obras.

Muchos artistas huyen de estar encasillados en un ismo particular y de hecho n este siglo XXI ya casi no se utilizan para el Arte Moderno, Actual o Contemporáneo. Se da el caso de que figuras hoy muy reconocidas dentro de una familia artística determinada, nunca en vida supieron de que se les incluiría en un ismo que al final determina y encasilla.

O tenemos muchos artistas que han ido pasando por diferentes formas y maneras de crear, y es imposible al final encasillarlos en ningún apellido artístico pues ellos mismos nunca pretendieron eso, o incluso huyeron de eso.

¿Se hace en el siglo XXI impresionismo? Pues si. Como Goya hizo surrealismo cuando quiso. Algunos tipos de Performance ya los hacían los griegos clásicos o los árabes de hace diez siglos. En realidad el Arte cambia pero sobre todo se actualiza hacia el espectador, no tanto en contenidos ni en formas, como en detalles y en técnicas según los nuevos adelantos

Nota.: La escultura de un Goya reinterpretado es del artista Lalo Cruces para el 275 aniversario de Goya, instalada temporalmente en la plaza de La Seo de Zaragoza.

El sucio mundo de las texturas sin motivos

El mundo de las texturas no tiene fin, es sorprendente y extraño, inquietante a veces en ese mundo de la fotografía macro, pero a veces aburrido para algunos espectadores. Sucio incluso, absurdo y sin sentido. Pero dentro de cada textura existen decenas de posibles vidas animales que se mueven y no vemos. 

Para nosotros son texturas, pero para otros seres son sus habitáculos, sus espacios de movimiento. No los vemos, pero da igual. La Tierra vista desde el espacio es también una textura. Todo depende del lugar desde donde se mira lo que nos rodea.

Alex Katz y sus sonrisas extrañas y muy serias

Esta obra es del artista de New York: Alex Katz de su serie "Smiles" realizada en los años 1993 y 1994. Su título es "Katryn sonríe" realizado en óleo sobre lienzo de lino. Alex Katz nacido en 1924 es un precursor del Arte Pop con obras planas casi siempre sobre madera y cuyas obras están en los más importantes museos del mundo. Además de pintor es diseñador, escultor y pintor gráfico. Pintor y escultor figurativo refleja a sus personajes como ensimismados, fríos, ajenos al mundo que los está mirando.

Alex Katz pinta preferentemente retratos y realiza primero un boceto, lo trabaja de nuevo antes de llevarlo al lienzo. Pinta, sin interpretar, la imagen fría del sujeto, sus inquietudes, la expresión misteriosa de las miradas. Sus personajes se destacan sobre fondos a la vez abstractos y muy coloreados, o serios y que nos distraigan. Alex Katz es sensible a los detalles de la moda de cada etapa (peinados, vestimentas, signos…) lo mismo que a los símbolos de su época. El artista pinta en menor medida paisajes, flores y marinas.

Alex Katz comenzó a pintar a finales de los años 50 del siglo XX, empleando en sus obras la figuración, los fondos planos, los colores suaves y la iconografía extraída del cine y la televisión. Antes que Andy Warhol. Antes que Wesselmann. En esos años, los expresionistas abstractos devoraban Manhattan y alrededores pero Katz marchó en dirección contraria.

"El arte, a veces, fascina porque no se entiende. Nos enseñaron que la belleza es para siempre, pero en verdad es algo cambiante y fugaz. Mi obra está hecha de pequeños detalles a gran escala. Y aún aprendo pintando. Y aún dudo. Dudo mucho. Creo que es esa misma duda la que me sostiene. He pasado la vida huyendo de Picasso, aunque mi artista de referencia es Matisse. El problema es que Picasso nos ha obligado a orbitar a su alrededor. Y de algún modo ahí seguimos. Prefiero el trabajo de creadores como Franz Kline. El pop llegó como un movimiento de estilo muy personal, accesible para todos, masivo... Fue una reacción inevitable ante el exceso pretencioso del expresionismo abstracto. Digamos que el Pop fue útil".

Puede parecer una rodilla. Pero es una rodilla

Podría ser una rodilla, incluso podría ser una rodilla metálica. Pero lo curioso es que efectivamente, es una rodilla de una escultura que la han creado deforme para que simplemente se intuyera. Con una rodilla que casi no tiene pierna poco se puede imaginar uno, pero todo es cuestión de seguir explorando con la mirada.¿Por qué tiene tal cantidad de matices en sus tonos y colores?

Distancias entre Arte y Artesanía. Punto de Cruz

La distancia entre el Arte y la artesanía no es solo una mayúscula de mas o de menos, es sobre todo que el Arte crea algo nuevo y la artesanía copia con técnicas diversas y logrando más de un ejemplar. Pero tampoco es tan sencillo esto, pues los tapices suelen ser obras terminadas que se basan en cartones pintados con anterioridad y en realidad son una copia de estos cartones de la que se pueden lograr varios ejemplares. Incluso de cuadros al óleo en la antigüedad se solían hacer varios ejemplares muy similares cuando los talleres de los grandes pintores trabajaban por encargo para las grandes familias ricas. Todo queda diluido.

Sin entrar a valorar que una obra única y original puede ser peor estéticamente hablando, que una obra de artesanía no industrial que nos puede motivar o provocar mucho más. El uso de máscaras para pintar con spray por algunos grafiteros de renombre no convierte a sus obras de Street Art en artesanía. Las técnicas son simples herramientas para lograr un fin.

Esto que vemos es punto de cruz, una técnica para crear pequeños (o grandes) trabajos con hilos gruesos de algodón y lanas que asemeja a los tapices convencionales o al menos se acerca algo con bordados que utilizan distintas técnicas finales. 

Pueden ser trabajos que copian obras ya impresas, o pueden ser trabajos originales que partan de unas ideas que se trasladan a esta técnica que entonces deja de ser artesana para convertirse en artística.

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The distance between Art and crafts is not just a capital letter of more or less, it is above all that Art creates something new and crafts copies with different techniques and achieving more than one copy. But this is not so simple either, as tapestries are usually finished works that are based on previously painted cartons and are actually a copy of these cartons from which several copies can be obtained. Even oil paintings in ancient times used to make several very similar copies when the workshops of the great painters worked on commission for the great wealthy families. Everything is diluted.

Without going into evaluating that a unique and original work can be aesthetically worse than a non-industrial handicraft work that can motivate us or provoke much more. The use of spray painting masks by some reputable graffiti artists does not turn their Street Art works into handicraft. Techniques are simple tools to achieve an end.

What we see is cross stitch, a technique to create small (or large) works with thick threads of cotton and wool that resembles conventional tapestries or at least comes somewhat closer with embroidery that uses different final techniques.

They can be works that copy works already printed, or they can be original works that start from ideas that are transferred to this technique that then ceases to be artisan to become artistic.

Es Covid19 o es ya Covid21? Muy viejo lo veo

Uno tiene sus dudas, siempre las tengo, pero ahora más. ¿Esto es Covid19 o es ya Covid21? Que tampoco me importa mucho, pero si ya hemos tenido tantas variables, saltos y sustos, cambios y nombres, no sé, igual ya no es Covid19 y podríamos decir que la enfermedad del 2019 ya la hemos superado, ya no existe, que ahora es otra nueva, y así vamos demostrando que somos capaces de vencer a las enfermedades, aunque no seamos capaces d evitar que lleguen otras nuevas. 

Cada vez se ve como más viejo el Covid19, lleno de polvo y paja, como descolorido y sucio. Tapado por la actualidad diaria.

Y ya puestos a cambiarle el nombre, pues no sé, podríamos ponerle un nombre más comercial. Que no quiero yo dar ideas, pero siendo que lo nombramos tanto, pues yo que sé. Que cada uno se lo piense. 

Street Art en los soportales de La Ribera de Bilbao

Enfrente del Mercado de la Ribera de Bilbao están los soportales de la vieja calle de la Ribera decorados con elegantes pinturas en los techos de estos soportales de La Ribera de Bilbao, también llamados Arcos de la Ribera. 

Estos techos están decorados con obras de Justo San Felices (“Homenaje a las artes”), Roberto Zalbidea (“La Leyenda de Kixmi”), Ángel Cañada (“El ayer y el hoy del Bilbao Filarmónico”), Alejandro Quincoces (“Alegoría sobre un Bilbao imaginario”) y Ambrosio Ortega, “Brosio”, (“Haciendo país”).

La parte de una de estas obras que vemos arriba es del autor Alejandro Quincoces y su obra "Alegoría sobre un Bilbao imaginario" del año 1989

Rosetón vidriera de la catedral de Bilbao

Este rosetón de la catedral de Bilbao, una vidriera espléndida que da luz natural y tamizada al interior de la iglesia es de una belleza enorme visto desde la distancia del espectador de pie. Pero muchas veces hay que acercarse un poco para ver detalles que no son sencillos de contemplar. La catedral está dedicada a Santiago y es lógico que aparezca en el centro de esta vidriera eje de la nave de la catedral. Un Santiago a caballo atacando a los infieles. 

San Miguel de la Catedral de Bilbao

Curiosamente el mundo de los coleccionistas es tremendo y muy variado, tanto que incluso hay personas que se coleccionan San Miguel o San Migueles, de muy variado tipo. Yo lo hago con imágenes de San Miguel por mi nombre y el de mi padre. Siempre hay un motivo para todo. Este San Miguel es de la Catedral de Bilbao, está en el claustro presidiendo un lateral. Blanco y posiblemente moderno, no tiene ninguna indicación. Un San Miguel contra su demonio particular, que a veces es dragón y otras un traidor amigo que te la juega a base de trampas. Cosas de la vida.

La vidriera de la Estación Abando Indalecio Prieto de Bilbao

Uno de los elementos artístico que vemos nada más llegar por tren a Bilbao es su inmensa vidriera de bienvenida. Hay bastantes ciudades por Europa y América que han utilizado las grandes vidrieras en estaciones de trenes como bienvenidas y entradas de luz a interiores oscuros. Esta vidriera de Bilbao fue construida en el año 1948 por Jesús Arrecubierta en el taller de la Unión de Artistas Vidrieros de Irún, copiando un diseño que hizo el diseñador paisajista y muralista de Irún Gaspar Montes Iturrioz. 

Son más de 250 metros cuadrados de vidriera con 301 piezas diferentes que representan las tradiciones de la industria y agricultura vasca, sus deportes y sus iconos en una variada temática sobre todo vizcaína. Y en lo alto de la vidriera la Basílica de Begoña presidiendo la entrada de luz y el reloj que marca las horas de las esperan para los viajes.

No hay que fiarse de los ojos excepto que sean nuevos

Hay ojos que no ven, están abiertos pero que no son capaces de ver bien pues están huecos de sustancia, que no son lo que parecen. Los ojos a veces nos engañan y no muestran la irrealidad de lo que otros ven, y así quedamos prendados de la imposible realidad que unos observan y entienden y otros no. 

No hay que fiarse de los ojos excepto que sean nuevos. Unos ojos pasados los 40 son ya unos ojos cansados, que han visto casi todo y es muy complicado sorprenderlos. 

A cambio son unos ojos muy agradecidos pues saben disfrutar de lo que miran, ya vienen aprendidos de casa en que hay que seleccionar, que no todo lo que pasa por delante de nosotros merece ser mirado.

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There are eyes that do not see, they are open but are not capable of seeing well because they are hollow with substance, which are not what they seem. The eyes sometimes deceive us and do not show the unreality of what others see, and thus we are captivated by the impossible reality that some observe and understand and others do not.

Eyes should not be trusted unless they are new. Eyes after 40 are already tired eyes, they have seen almost everything and it is very difficult to surprise them.

In return, they are very grateful eyes because they know how to enjoy what they look at, they have already learned from home that it is necessary to select, that not everything that passes in front of us deserves to be looked at.

En el Bilbao más vigilado, unas manchas de color y textura

En el Bilbao más vigilado en la actualidad te puedes encontrar con detalles de gran calidad que pasan desapercibidos. ¿Y qué tienen estas manchas de arte? Pues es Arte Natural, es Arte Casual, es incluso Arte Brut y Arte Fotográfico. El Arte no está en la obra sino en la mirada de quien observa.

En el Bilbao más cuidado, en donde te piden el DNI para poder pasar, existen detalles contrastados de nudos y negros, de amarillos vivos y de vetas que se abren paso por la madera. Y yo, bien observado por gentes de bien me acerqué a ver los detalles y a pillarlos desprevenidos. Tengo como este una veintena. Pequeñas manchas hermosas que sirven para entender que la vida se compone de muchas pequeñas zonas de color.

El Arte y la Decoración. ¿Unidos y Amigos? ¿Se repelen?

Es muy complicado a veces diferenciar el concepto de Arte Motivador del Arte para Decorar, en el mejor sentido de la palabra. Una de las funciones del Arte es decorar nuestras vidas, llenarla de algún sentido lúdico, festivo o sentimental. Cuando nos está motivando o provocando, cuando nos entra dentro estaríamos deseoso de que eso sucediera muchas veces o ninguna.

El Arte ha decorado y decora iglesias a base de explicar con imágenes lo que no se sabía leer de los libros. El Arte se utiliza para muchas funciones, y en parte muchas de ellas son similares al hecho de acompañar, complementar, decorar nuestras vidas.

Esta entrada de un hotel de Bilbao podría tener el cuadro que tiene, podría tener otro o incluso podría estar vacía la pared o con una mínima expresión. 

En cada caso la entrada al hotel sería diferente. Los clientes sin casa percibirlo entrarías de otra manera. No todas las decoraciones se dejan notar fácilmente por quien las observa de pasada. Pero están allí, ocupando un espacio visual al igual que una música ocupa un espacio sonoro.

El tamaño en el Arte sí importa, o casi mejor dicho, “los tamaños” pues no hay un estándar. Depende del uso, del espacio en donde vaya a estar y depende de lo que se pretenda desear con la obra. ¿Queremos verla a una cierta distancia o preferimos obligar al espectador a acercarse por algún motivo?

Una obra de Arte enmarca lo que le rodea, y lo que le rodea la enmarca a ella. Se complementan en el uso. Por eso hay que analizar qué se pretende lograr, en dónde va colocada, qué deseamos que perciba el espectador, qué elementos rodearán la obra en cuanto a formas y colores e incluso en cuanto a edad.

Un tapiz retablo en Huesca. Siglo XVI de Quinten Matsys

Este tapiz de la Virgen y San Vicente está en el Museo de Huesca y representa a la Virgen con el Niño Jesús frente a San Vicente Mártir que va vestido de diácono y con la rueda de molino que simboliza el martirio que sufrió. En la zona izquierda aparece San Erasmo de Formia más conocido por San Telmo o San Elmo, con un texto que asocia a la Virgen con San Ramón. En la zona de la derecha está San Valero.

Este tapiz es de la primera mitad del siglo XVI atribuido el cuadro de donde se logra el tapiz a Quinten Matsys o a su taller y se hizo en Amberes, en los Países Bajos y mezcla diseños italiano como la cortina y las columnas, peo en cambio la forma de plegar las telas es de tradición flamenca. Este tapiz, posiblemente utilizado como retablo frontal de algún altar, se encargó por el donante D. Pedro Agustín Albanell, Prior de Roda de Isábena y Obispo de Huesca Jaca cuando estaban unidas en el mismo obispado, y cuyas armas podemos ver en los arcos.

Una ciudad verde es siempre más humana, más animal

Sol y Sombra, contrastes incluso a la hora de pasear. Calor y Frío. Luz y Oscuridad. Las ciudades humanas necesitan árboles de sombra en verano, espacios naturales que les sirvan de paraguas, hojas verdes que les pinten de color las calles. Entre los árboles habitan los pájaros de ruido fino, pero es que en las ciudades necesitamos compensar el ruido de los coches. Una ciudad verde es siempre menos ciudad y más humana.

Huesca y su Arte Urbano que desaparece

Es la realidad aunque nos duela, el Arte Moderno, el Street Art de más calidad desaparecerá en pocos meses y será sustituido por otras obras. Nace para morir, no quedará en los museos ni en los despachos de postín. Este muro es de la ciudad de Huesca, un trabajo más cuidado que muchas obras que cuelgan en museos, pero cuando nace el Arte Urbano sabe que es efímero y que en breve tiempo desaparecerá. 

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It is reality, although it hurts us, Modern Art, the highest quality Street Art will disappear in a few months and will be replaced by other works. Born to die, it will not remain in museums or posh offices. This wall is from the city of Huesca, a more careful work than many works that hang in museums, but when Urban Art was born it knew that it was ephemeral and that it would soon disappear.

En Huesca los pulpos callejeros anuncian pulpo a la plancha

En ese camino intermedio entre el Arte Urbano y el Arte Publicitario que a veces se juntan bastante y si hay duda revisar la cartelería de los últimos 100 años, te puedes encontrar ejemplos como este. Una gran pared de Huesca anunciando un bar restaurante en donde venden pulpo a la plancha y lo anuncian a lo grande para que se vea desde lejos. Toco el Arte la forma, toca la publicidad, es un uso intermedio. Un cuadro decora una pared de un despacho y lo vemos correcto. Este pulpo decora una calle para advertir de que allí podemos parar y descansar. Todos menos el pulpo. El Arte tiene muchas aristas.

Escorchón, raspazo, desolladura. Vamos, que te has dejado la piel

Cualquier avería en una pared termina escorchándose, que para quien no lo sepa es formándose escorchones que van en aumento. Así mucho más claro ¿no? ¿Que ahora no sabemos lo que es un escorchón? Pues una desolladura, un raspazo fuerte en la piel, un dejarse la piel por algo o por alguien. El caso es que sucede como con las patatas fritas, que todo es empezar. O lo reparas o es un sin vivir. No hay quien pare. Toca arreglar los escorchones más pronto que tarde. Aunque los enmarquemos.

Dos de seis o cuatro de seis? Eso depende

 ¿Dos de seis o cuatro de seis? - 2021 - Huesca

Las escamas que se quieren escapar son escamas que ya no merecemos retener. Exfoliarse debería ser el camino más corto para explorar nuevas posibilidades. 

No me refiero a la piel, sino a las ideas.

José Verón Gormaz, un aragonés que se ha escapado con sus silencios y calmas

Hoy se nos ha escapado el artista poeta y fotógrafo José Verón Gormaz, un aragonés Premio de las Letras Aragonesas y la Medalla de las Cortes de Aragón y Cronista Oficial de Calatayud. Sus más de 100 exposiciones fotográficas delatan su enorme trabajo artístico que unido a sus 30 obras de narrativa y poesía muestran una persona incansable para sacar desde dentro todo lo que él veía con otros ojos y colores. La imagen que vemos arriba es de una exposición en la Real Sociedad Fotográfica de Zaragoza con el título genérico de "El silencio viviente" donde mostraba el silencio, la calma, la quietud de los tiempos que parecen haberse detenido para ser contemplados.

“Aquella fotografía que el fotógrafo no siente en el instante de captarla, difícilmente puede conmover a quienes la contemplen después”. José Verón Gormaz

Giorgio Morandi y sus bodegones llenos de silencio

A partir del 24 de septiembre de este 2021 vamos a poder ver en Madrid, en la Fundación Mapfre una exposición retrospectiva del artista italiano Giorgio Morandi uno de los artistas más significativos en la historia del arte del siglo XX en Italia. Pintor, profesor de Arte, grabador, dibujante escultor y artista gráfico, empezó dentro del Movimiento Futurista y el Novecento italiano, para terminar más en la Escuela Metafísica, donde trabajó sobre todo los bodegones de objetos normales y sencillos como un director teatral de vasos, botellas y utensilios de cocina que modelaba. Objetos cotidianos, flores y paisajes, en los que el pintor italiano juega con los colores, las formas y los volúmenes de manera armoniosa, buscando simplemente los silencios y las formas. 

La imagen de arriba nos muestra una obra que tituló Naturaleza Muerta realizada en el año 1941. 

"Uno descubre en el pintor la audacia del que es extemporáneo porque su arte brota de quién él es y no de lo que imponen otros" Antonio Muñoz Molina.

Don Bergland y el surrealismos con dudas y preguntas

Esta obra del artista canadiense Don Bergland y titulad "El escepticismo" se ha podido ver en el CAC de Málaga en una exposición titulada "El silencio de la eternidad" y forma parte de una serie de obras impresas con tintas pigmentadas sobre lienzo, tras crear sus cuadros de forma digital. 

Don Bergland crea arte surrealista puro y actual, en donde de forma teatral mueve a sus personajes hacia preguntas incómodas que tiene que ver con la inmortalidad, con el papel que cumplimos o no en esta sociedad, con lo que nos atrapa o retiene, lo que nos sorprende y asusta.

Juega digitalmente con sus decorados, sus luces y sombras, sus gestos y complementos, hasta lograr que el conjunto final hable y se exprese en silencio, para que sea el espectador quien intente responder lo que parecen preguntar los personajes.

Como en cualquier buena viñeta de humor, juega con pocos elementos, pocos personajes distintos, y muchas preguntas, muchas dudas, mucha acidez en sus planteamientos silenciosos. Parecen temas inocentes, fáciles, infantiles, parecen juegos de humor, pero en el fondo se esconden verdades filosóficas, dudas de la existencia. 

Si miramos esta obra podemos preguntarnos muchas cosas. Por ejemplo si nosotros somos las ovejas, que parece claro que sí. Y que estamos casi adorando a un poder falso que nos atrapa por sus posiciones y sus vestidos. Estamos viendo el teatro del Poder y nos quedamos absortos con el escepticismo contundente de saber o no saber si adorar a quien tiene lo elementos para ser respetado (traje, corbata, elegancia) aunque le falta la cabeza de pensar.

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This work by the Canadian artist Don Bergland and entitled "Skepticism" has been seen at the CAC in Malaga in an exhibition entitled "The silence of eternity" and is part of a series of works printed with pigmented inks on canvas, after creating your pictures digitally.

It is pure and current surrealism, where in a theatrical way it moves its characters towards uncomfortable questions that have to do with immortality, with the role that we fulfill or not in this society, with what traps or holds us, what surprises us and scares.

Play digitally with their sets, their lights and shadows, their gestures and accessories, until the final set speaks and expresses itself in silence, so that it is the viewer who tries to answer what the characters seem to ask.

As in any good humorous vignette, he plays with few elements, few different characters, and many questions, many doubts, a lot of acidity in his silent approaches. They seem like innocent, easy, childish themes, they seem like games of humor, but deep down they hide philosophical truths, doubts of existence.

If we look at this work we can ask ourselves many questions. For example, if we are the sheep, it seems clear that we are. And that we are almost worshiping a false power that traps us by their positions and their dresses. We are watching the theater of Power and we remain absorbed with the overwhelming skepticism of knowing or not knowing whether to adore someone who has the elements to be respected (suit, tie, elegance) even though he lacks the head to think.

Huesca y su Arte Urbano más moderno

No estamos poniendo en valor urbano del Arte, o el valor del Arte Urbano o del Street Art efímero que alguien muchas veces desinteresadamente hace en las calles de nuestras ciudades simplemente para disfrutar creando y sabiendo que añade un valor a una fachada, a un paseo. No sabemos todavía si el llamado Post-Graffiti o Street Art será considerado el Arte del siglo XXI, pero camino de ello lleva.

No existe un solo tipo de Street Art o Post-Graffiti , no hay una única manera de expresarse con el Arte Urbano, hay escuelas, tendencias, modos, espacios, calidades. Y eso es lo interesante, además de que existan muy diversos artistas, algunos ya con firma propia incluso en España.

Mi consejo es que estamos atentos a esta forma de Arte Moderno, pues será el tiempo futuro el que la pondrá en su lugar, aunque para entonces ya, no existan las obras que podemos ve ahora.

Esta obra de Arte Urbano que vemos arriba está en la ciudad de Huesca y es de la artista e_bhurton