¿Hasta cuándo?
¿Por qué?
¿A qué precio?
¿Cuántos abriles perderemos?
¿De qué color es el futuro?
Todos los días parecen nublados, tan grises que incluso a las palomas les confunde la situación.
No hay responsables, no hay culpables, solo hay incapacidades repartidas a doquier, y tristezas en muchas personas heridas en los pulmones, en las ideas o en sus tristezas. Mientras tanto vamos poco a poco dejando de creer en todo, preparándonos para reconstruirnos.
¿Cuántas dudas y penas han entrado por esta puerta? ¿Cuántas han salido ya resueltas o peor miradas? Tampoco lo sabremos. hay días en los que no somos capaces de saber nada nuevo.
Nota.: Imagen de Luis Iribarren de sus viajes aragoneses. A veces va a buscar Aragón a lugares tan lejanos que yo creo que están fuera incluso del planeta, donde no se puede ni salir a la calle del calor que hace.
El Arte actual nunca pretende SOLO ser entendido. Busca agradar o remover, provocar como decíamos o crear sensaciones nuevas. Nadie entiende la música en su totalidad (no hablo de la letra), y la música es admitida como motivadora, provocadora de sensaciones.
Incluso no siempre la poesía busca ser entendida. Puede simplemente buscar el ser bella, el resultar sonora, agradable, envolvente. El abrir incluso nuevas formas de expresión. Algo que a veces (muy pocas) hace la literatura.
Un Museo es un contenedor, un almacén de obras. Y puede ser de historia y puede que algunos espectadores no les diga tampoco nada. Depende de varios factores. Que sea "fácil" no supone que sea ni agradable, ni que sea lo correcto.
¿Nada o todo? ¿Todo o nada?
¿Es la luz la nada o lo es la sombra?
¿Qué contiene más, el negro o el blanco?
¿Es posible que ninguno contenga nada?
¿Y si añadimos algo de blanco al negro, ya contiene algo?
La imagen es de un barrio residencial de Birmingham.
Era la máxima expresión de "la nada", de las formas, el color, el espacio, la luz. Y a veces ni eso mismo.
¿Y a dónde quería llegar Kazimir Malevich con aquella "nada"?
¿Era una forma de provocar o de explorar ideas?
Kazimir Malevich era sobre todo era un teórico del Arte, de la expresión, del color y la formas, de la enseñanza artística y de sus exploraciones.
Pero aquellos tiempos eran complicados para una Rusia (y Europa) que buscaba incidir en sus sociedades y sabían que a base de formas geométricas abstractas no era el mejor camino para convencer a la población de nada.
Así que el propio Sistema político crea otras escuelas pictóricas que pudieran ser utilizadas mejor para mostrar las ideas. Y nacieron desde el Realismo Socialista, al Constructivismo o el Futurismo Ruso.
Nota.: Con la imagen de arriba hemos jugado girándola 90 grados a la izquierda. El autor buscaba el juego de formas, de espacios, de vacíos, así que cabe poder girar las obras según el momento. La imagen inferior es una muestra de "0.10. La última exposición futurista de pintura”, montada en la ciudad de Petrogrado en el año 1915 por Kazimir Malevich.
Los volúmenes salen de la escena empujados precisamente por ese claroscuro que convierte en más negros los negros y en más blancos los colores claros, al verlos el ojo humano rodeados de sus contrarios.
Un claroscuro puede ser de blancos y negros, pero también de colores complementarios (o no) con sus matices. Caravaggio, Rembrandt, Zurbarán o Tintoretto fueron grandes maestros de esta técnica casi teatral de pintura, grabado, pero también de escultura y en la actualidad de fotografía.
Como ejemplo dejo una obra de Gerard van Honthorst del año 1625 titulada "La alcahueta" y donde ese contraste de negros y tonos carnes, de sombras y luz, nos lleva sin duda la mirada hacia la zona donde quiere el artista que miremos lo primero. Gerard van Honthorst fue un continuador de los modos pictóricos de Caravaggio.
En la imagen de la puerta tampoco vemos anda claro qué desea transmitirnos ese presunto ¿policía? con una imagen de una mujer asustada entre sus manos, mientras él lleva un corazón tatuado.
Bueno… seamos sinceros, es un jugar un poco con todo. En realidad la imagen de la chica asustada es una constante de la #lanenawapawapa y los dos hombres no tiran de una cuerda sino que están apretando los cordones del cuello de una señora.
Aquí vemos un bosque en otoño. Este niño vive en el campo, sabe lo que es caerse las hojas, lo que son las tormentas, que los árboles dejen caer unas hojas mientras otras todavía se mantienen en las ramas de diverso color entre verde y ya marrón. Sabe lo que es la tierra y el cielo y las hierbas secas del suelo en un amarillo cromo. Incluso sabe mezclar con la nube negra esas aguas azules que caen y algunos rayos que pinta de negro pues no tiene pintura blanca sobre papel blanco. Sintetiza, elige, simula.
¿Y lo rosa qué es? El niño no está en el bosque solo disfrutando de la tormenta. Lo ve todo desde el corral de su casa, desde lo que podríamos llamar jardín. Y allí hay un cactus grande. ¿Y por qué lo pinta de rosa? Pues porque el ya sabe que el cactus es un elemento diferenciador. lo pone incluso en el centro de la escena. No encaja bien en el bosque que observa desde su casa. Y el color rosa aunque no se parezca en nada al cactus real, es el único color diferenciador de la naturaleza. Él no lo sabe, realmente él cree no saberlo. pero su interior le dicta que de los colores que tiene en la mano, él único que no ha utilizado es el rosa. Así que si quiere remarcar el cactus, hay que hacerlo en rosa, para que se vea.
Simpleza, economía de las ideas, interiorismo mental puesta a trabajar para dejar salir lo que realmente él está viendo. No hay tanta distancia entre un dibujo infantil y algunas obras surrealistas basadas en conceptos, en minimalismo incluso naif.
Encuentro entre los fantasmas de Dalí (Don Salvador) y Duchamp (el provocador Marcel). Viñeta de El País Semanal
Calma. Nunca se debe notar que escapamos.
Calma. Nunca hay que irse sin la mirada al frente y erguidos.
Calma. Lo importante es no caerse mientras se huye.
Calma. Tal vez lo mejor sea no irse y plantar cara por si el abismo nos espera fuera.
Calma. ¿Y si aprendiéramos a convivir con la derrota?
Todas las culturas tenemos nuestros árboles para vivir y morir, para abrazar o dejarse abrazar. Derechos o copiosos, esbeltos o secos, grises o de colores. Es la naturaleza de la que venimos, a la que volvemos, de la que vivimos.
Gerardo Diego como poeta trabajó muy bien el modernismo que rompía con el simbolismo clásico para adentrarse más en ese mundo casi surrealista que otros trabajaron mucho más que él como Vicente Aleixandre.
Pero Gerardo Diego nos dejó bellos ejemplos de esa nueva poesía nada empalagosa que se adentra en la Poesía Visual, en el dibujo con palabras, en elegir las menos palabras posibles para decir lo más posible.
Nota.: Las imágenes son de Luis Iribarren
Cien años después nos queda la idea, el proyecto, la luz de lo que en su momento los coleccionistas compraban y vendían para satisfacer sus impulsos de Dioses. Era la recuperación de un patio perdido, era el jugar a ser otra vez dioses para devolver la usurpado a base de luz y miradas.
Abstracción de luz, de emociones y miradas, de volver a construir ideas para comprobar que se puede (se tiene que…) seguir soñando.
Todavía es posible visitar en esta Europa del siglo XXI las heridas de cercanas guerras, y si se van disfrazando, siempre van surgiendo otras nuevas, para que no se nos olvide. Somos así de torpes.
Ahora es Azerbaiyán y Armenia, la imagen es de Dubrovnik en Croacia. Todos vecinos, todos cercanos.
La música en estos tiempos de miedos pandémicos es un bálsamo urbano que escuchas con la boca tapada.
Con una mancha puede decir mucho o nada, con la suma de muchas manchas puedes decir y desdecir, puedes crear y destruir. Puedes llenar o vaciar.
Nota.: Esta fotografía es un fragmento de una obra del pintor José Moñú titulada: Warhol tenía razón.
No siempre las aberturas sirven para entrar - 2020 - Valencia
No sé lo que soy. Lo de artista es una pretensión. El arte, por llamarlo de alguna manera, se posa donde quiere, cuando quiere y cuando menos lo esperas.
Gonzalo Suarez, escritor y director de cine.
La mayoría del Arte Contemporáneo que ahora creemos poner en valor es una mezcla de Arte imposible de mantener en el tiempo. Daría igual si son animales dentro de formol, montajes de elementos naturales rodeados de arenas y polvo de ladrillos, si son frases en una pared o Arte Urbano.
Mientras seguimos descubriendo maravillas egipcias en las tumbas o mosaicos romanos en palacios, el Arte posterior lo vamos creando todos para que no permanezca. Dese Arte digital a montajes que desaparecen cuando se baja el telón, desde juegos de elementos sobre una mesa o en el suelo a formas de luces y espacios que configuran montajes de escenas efímeras.
¿Por qué no queremos que el Arte Actual permanezca? ¿No será que estamos totalmente convencidos de que no tiene valor?
La realidad es que eso depende de para qué queremos las imágenes. Si van a ser destinadas para las Redes Sociales o para internet, la calidad de los nuevos teléfonos a poco que sepas sacarles gran parte de sus posibilidades técnicas, es más que suficiente. No tanto por sus cantidades de megas como por el aumento en su calidad en el color, en la luz, en sus procesadores incluso ya con IA.
La gran ventaja de una cámara fotográfica de calidad en un teléfono móvil es que siempre la llevan encima y no ocupa espacio en tus bolsillos o en tu bolso. Posiblemente la gran desventaja es que se convierte en un testigo del momento y nada mas, pues sentirse fotógrafo es otra cosa a disparar a todo lo que se mueve.
Todo evoluciona, a la fotografía móvil le queda mucho recorrido que no me cabe duda lo van a intentar los técnicos, es posible que las cámaras de gran calidad y tamaño sufran en los próximos años una crisis importante y que las compactas ocupen ese espacio del que quiere tener algo más que un objetivo pequeño pegado a la carcasa de un móvil.
Todavía no se han inventado soluciones a las ópticas de calidad dentro de una carcasa plana y ese será el gran reto a resolver, pero en eso no sirven de momento más que sistemas mecánicos que no saben en un teléfono plano.
