Mármol de lo más natural, de un artista croata

El artista fotógrafo croata Filip Beusan nos muestra en esta obra impresa en inyección de tinta una clásica obra surrealista. Algo que no parece lo que es, pero que simplemente es lo que se ve. Efectivamente un filete de carne de ternera. El surrealismo juega con las miradas, con lo que estamos acostumbrado a ver casi sin mirar, pues estamos acostumbrados a ver miles de imágenes a los que dedicamos décimas de segundo.

Parece mármol, una textura, y necesitamos al menos medio segundo para ver que es carne con su textura. Una obra realizada en el año 2018 que juega con la mirada, con la sensación sin olvidarse de que el color forma espacios, sensaciones, maneras de ver. 

¿Cuál es el futuro de los Museos, de la Cultura y el Arte?

La forma que teníamos de acudir a Museos mas o menos importantes en todo el mundo, van a cambiar drásticamente con la pandemia del Covid19, algo inevitable. Ya no podrán existir esas filas enormes que se producían en el Museo del Prado al menos dos veces cada día. Filas que se repetían al menos en el Museo Reina sofía o en el Thyssen en Madrid o en otros numerosos centros repartidos por toda España. 

Se acabaron las grandes exposiciones novedosas, temáticas, capaces de atraer a miles de visitantes desde todo el mundo. ¿Y qué nos queda, o qué podemos hacer para no perder la influencia del mundo del Arte ante las personas que les interesa, y que cada vez deberían ser mas?

La Cultura es IMPRESCINDIBLE y dentro de ella el Arte toma un espacio importante en todas sus demostraciones. Así que: o somos capaces de entender su importancia y la cuidamos y mimamos, o nos podemos encontrar con un decaimiento brutal. 

Es curioso que dediquemos en España muchísimo más espacio postcrisis a los bares o restaurantes, y mucho menos a la Cultura.

Cultura y Arte van unidos, y en ellos están el Teatro, el Cine, los Museos y Exposiciones, la Literatura y todo el Arte que nos han ido dejando generaciones anteriores de constructores de relatos. Basarnos solo en el hoy cambiando Cultura por ocio, es cuando menos peligroso.

Pero volvamos al Arte. Cada vez más el camino del Arte Público tiene que ser explorar las posibilidades digitales. Ya se habla desde el Museo Reina Sofía de que los catálogos de las futuras exposiciones serán digitales y no en papel. Pero deben ser mucho mas que una simple hoja de información.

Los Museos tienen miedo de repartir (de abrir) el uso y disfrute de las obras de Arte por medios digitales. Pero el futuro es ese, tanto para montar exposiciones digitales para que las puedan ver en todo el mundo de forma no presencial, como para abrir las obras a ser “repartidas” de forma digital sin por ello atentar a los Derechos de autor o de Propiedad Intelectual. Todo cambia con los tiempos y hay que adaptarse.

Nos quejamos del poco respeto y valoración que la sociedad en general le otorga al Arte y la Cultura. Y sin duda hay que lograr hacerla rentable para los profesionales. Ese es el reto. Pero en la misma medida en que es absurdo algunas Subastas de precios prohibidos solo a la altura de muy pocas empresas o personas, lo es que el Arte y la Cultura no sepa abrirse en más medida a ser repartida entre la sociedad.

Los Museos deberían abrirse todos los meses a ofrecer al menos una obra nueva en sus páginas web (ya sé que algo se hace) pero con un trabajo pedagógico mucho más amplio. 

La obra digital en general y bien escaneada o fotografiada, con detalles en alta resolución para ver detalles y entender formas de trabajo. Y una información escalada por deseos de los espectadores para informar de la obra, de su contexto, de su historia, de sus formas técnicas.

Y eso mismo se debe realizar para formar conjuntos de exposiciones virtuales no tanto con catálogos realizados para el papel como desde presentaciones realizadas pensando en la lectura digital. 

¿Y cómo se logra rentabilizar todo esto? Pues tenemos un trabajo intenso para modular esto, admitiendo que no es nada sencillo. Pero ya hay diez millones de españoles pagando todos los meses por la televisión de plataformas privadas. Se necesita una agrupación mayor entre servicios.

Si yo contrato mi internet a una empresa, y esa misma empresa me ofrece además el teléfono y la televisión, debería poderse dar acceso a ciertas páginas web, sean de información periodística, culturales, de opinión o de otro tipo. No es entendible que todavía estas grandes empresas mundiales no se abran a dar más modelos de cultura e información.

Y a partir de eso, hay que trabajar más por los segmentos sociales que no pueden acceder a estos costes mensuales, pues si bien el fútbol puede ser un coste elitista, hay otros costes que deben estar abiertos a toda la sociedad, para que no existan diversas velocidades sociales.

La obra de arriba es un bodegón del artista croata Josip Vaništa

Fotografía surrealista, otro concepto de arte fotográfico

El arte surrealista sigue muy vivo y tiene muchas formas de expresión. Empezó la pintura, la poesía y literatura abriendo el campo de los sueños, de las ideas imposibles, pero hoy la fotografía se ha adueñado en gran medida de este campo artístico. Y le ha acompañado el cine o el teatro.

En la imagen podemos ver una realidad modificada según la quiere ver el fotógrafo, para trasmitir algo distinto a lo que se ve en la calle. Uno puede imaginarse un cielo amarillo, y querer mostrarlo para simplemente provocar.

Podemos jugar con los colores, con los encuadres, con las formas, con los tratamientos. El mundo de las ideas surrealistas es inmenso.

Pero sin duda el encuadre en la fotografía es la reina de las posibilidades. Nada hay como elegir el pedazo de realidad que queremos enseñar, elegir solo un trozo de lo que todos ven para enmarcarlo y convertirlo en arte, porque muchos miran pero muy pocos saben ver solo una parte.

Si a un buen encuadre le añadimos un tratamiento de luz y color distinto, tendremos sin duda un vehículo de expresión artística que si se desea puede andar por los caminos del surrealismo artístico.

En fotografía dar un toque personal a las imágenes las puede convertir en imágenes surrealistas propias, si sabemos llenarlas con un sello personal que las confiera una unidad de idea.

Son peces de ciudad, son peces azules portugueses

Son peces de Oporto, peces de ciudad que flotan entre unas aguas azules que no se mueven mucho. Son peces de mar pues las aguas del Duero son grises tirando a marrones y estos peces no quieren soportarlas. O sí, tal vez si acaso a la hora de comer pues entre las aguas turbulentas y cochinas es donde mejor se come lo que nadie quiere.

Son peces de Oporto que no beben vino, y ellos se lo pierden, pero que se mueven muy rápido pues no se dejan atrapar por los cazadores de sueños. Por eso siguen siendo azules.

Arte hecho simplemente para embellecer. ¿Es suficiente?

Pintar una pequeña obra en la tapa urbana de una fachada es un ejemplo bello de los límites del arte válido para todos. Arte efímero y gratuito simplemente con la idea de embellecer una fachada. Quien toma la decisión cree en su ciudad, en su barrio, en la belleza y el valor del arte sencillo. Su único valor es agradar, es modificar lo feo para convertirlo en bello. ¿Y no es suficiente con eso? Yo creo que si.

Oporto y su Arte urbano para refrescar miradas

En nuestra vecina y amiga Oporto, hermosa ciudad ibérica a la que podemos ir de forma rápida desde España por tren o carretera, además de un buen vino en decenas de bodegas que se encuentran en la misma ciudad junto al río Duero y disfrutar de algunos puentes sobre el río que sin duda asombran, podemos ver también Arte urbano para refrescar las miradas, para gozar con los paseos.

No miramos tanto a Portugal como se merece, y eso es algo que todos deberíamos hacernos repensar un poco. ¿Cuál es el motivo de que no haya más intercambio entre España y Portugal?

Palencia. Esa España tan poco reconocida

Hay ciudades tranquilas, ciudades bellas, ciudades pequeñas, ciudades de interior.

Hay incluso ciudades pequeñas del interior que son tranquilas y bellas.

Hay ciudades para pasear y dejarse envolver por su urbanismo. Calles de paseos, y paseos que parecen calles.

Esto es Palencia. La España del interior olvidada.

Los edificios públicos también deben ser bellos

"Cerámica Pública" - 2019 - Oporto

Mujer croata esperando entrar a la boda

"Mujer croata invitada de boda" - 2019

Es posible que el cielo sea lo contrario del mar

"Rayas de Mar" - 2018 - Almería

Las princesas se asomaban para no ver nada

"Ventana de observar" - 2017 - Alcalá de Henares

Se nos agrieta la vida, pero como está detrás no la vemos

Es complicado ver como se agrieta nuestro entorno, pues siempre miramos de frente sin querer observar a los que nos rodean, aunque sean ya heridas que denotan que algo no está funcionando bien. Nos han enseñado a comprar, a disfrazarnos de normales y felices, y a creer que eso durará siempre. Lo que nunca nos dicen es que durará hasta que ellos quieran o hasta que ellos demuestren su propia incapacidad en nuestros andares.

Escultura arquitectónica en cartón de hogar

La escultura arquitectónica efímera pueden ser simplemente los cartoncillos del papel de WC convertidos en lienzos recortados. El forma, es color y espacio, es la sensación de que con arte brut se puede construir sobre el aire un edificio de cartón. Todo depende.

Flor de amor con poco color rojo

"Cuando el bermellón se queda corto" - 2020 - Zaragoza

De los cuatro solo el fotógrafo estaba allí

Los espacios son espacios si están ocupados. Tres personas ensimismadas en sus cosas, ocupando el vacío pero cada una de ellas sola, separada, absorta, escapada del ambiente. 

Pero sin ellas no habría mirada, no existiría nada interesante, si acaso las botellas de agua. 

Este espacio se llena por esa acción que ejercen las tres personas sobre sí mismas. Cada una de ellas hace algo que no sabemos, está en un mundo diferente a donde realmente está. 

Tal vez el único que estaba en ese momento allí fuera el fotógrafo.

Un poquito de basura, por favor

"Todo tiende a pudrirse" - 2019 - Oporto

Ojos azules y tristeza negra

"Berri Blue" - 2019 - Oporto

La fotografía como parte de la historia. Niños catalanes

La importancia del descubrimiento de la fotografía puede ser comparable a la de la imprenta aunque ahora no le estemos dando el mismo espacio histórico como elemento que cambia la sociedad totalmente. Estos cambios no se detectan en el momento de producirse, sino con los años, con el uso. 

Hoy todos llevamos encima de nosotros al menos una cámara fotográfica las 24 horas del día. Y por ello somos capaces si queremos, de dejar constancia de lo que está sucediendo a nuestro alrededor.

Dentro de 100 años, de varios siglos, se mirarán (o no) las imágenes que ahora estamos tomando como parte de una historia que aquellos que la contemplarán ya no verán igual. 

¿Alguien se imagina la posibilidad de que realmente hubiera existido la fotografía en el Descubrimiento y Conquista de América?

¿Alguien puede imaginarse el valor que tendría conocer una imagen real de Cleopatra, de Seneca, de Carlos I? 

Existió en algunos casos la pintura, el arte que ocupaba —entre los grandes hombres sobre todo—, ese papel que ocupa en la actualidad la fotografía. Pero no se ocupaba entonces de mostrarnos el paisaje, el urbanismo, la vida social de los momentos.

¿Qué valor tendría hoy imágenes de la Zaragoza musulmana del siglo X, de la Batalla de Bailén, de la Córdoba árabe?

Estos niños de la fotografía no sé quienes fueron, por la edad  de la fotografía ya no están entre nosotros, sé que fueron catalanes y que en esta fotografía están posando ante la Primera Comunión del pequeño. Conocemos su vestimenta, y sus interesantes cortes de pelo, con la raya uno a cada lado. 

Pero curiosamente hoy los estamos viendo tú y yo. Vuelven a estar ligeramente vivos en nuestro recuerdo gracias a la fotografía. Nos faltan todos los datos de ellos, así que si quieres que algo siga vivo muchos años, apunta en las fotografías las fechas y los nombres, pues tirando de ellos podríamos saber qué fue de estos niños de Martorell, y la historia nos sería más completa.

Nos apoyamos sobre las roturas de otros tiempos

"Parece roto, pero está sostenido" - 2019 - Zaragoza

Las roturas de hoy… posiblemente se produjeron hace tiempo

En tiempos de roturas sociales podemos seguir viendo que todavía se conservan los colores y que todo esto se volverá a reconstruir. Lo curioso es que esta rotura que vemos es del año 2019, no había llegado las pandemias, los dramas, los dolores insufribles. Las roturas que vemos hoy… posiblemente se produjeron hace tiempo.

Un Cristo yacente del artista Marcel Lenoir con 4 mujeres

Esta obra del artista francés Marcel Lenoir es del año 1925 y muestra a un Cristo yacente bajándose de la cruz para proceder a su entierro. La composición de la pintura se organiza en torno al arabesco trazado por el cuerpo de Cristo cuya blancura cadavérica se opone a la ropa de luto de otros personajes.

La obra está marcado por la flacidez del cuerpo de Jesús apoyado por la imponente masa de las cuatro santas mujeres: a la izquierda María Magdalena de pie e impresionante; de pie María su madre llorando reconocible por su halo de santidad; abajo, a la derecha, María la madre de Santiago sujetando las piernas de Jesús; y en el centro la cuarta mujer, doblada, apoyando con todo su cuerpo la pesada carga del cuerpo de Cristo en este momento trágico en la vida de todo ser humano. La muerte y la total debilidad humana.

El trabajo es riguroso, llamativo con sobriedad y que le da a la pintura una emoción patética. Es una obra mezcla de cubismo, románico, impresionista o místico, o sin duda un poco de la influencia de todas estas tendencias artísticas.

Detrás de una ventana casi siempre hay vida

A veces las ventanas son señales, vestigios de otros tiempos, laberintos o crucigramas. Como pequeños acertijos que hay que adivinar. ¿Por qué ese marca? ¿Era grande y ahora es pequeña? ¿Quién decidió restar luz a la habitación? ¿Es un desagüe o un respiradero lo de abajo a la izquierda?

Es una ventana, simplemente una señal geométrica en una pared, un cuadro, una marca de vida interna. Detrás de la ventana siempre hay vida.

La muerte del último Centauro, de Antoine Bourdelle

La muerte del último Centauro, escultura realizada en el año 1014 para la ciudad de Moissac, en bronce, por el escultor Antoine Bourdelle, uno de los precursores de la escultura monumental urbana nacido en la vecina ciudad de Montauban en Francia.

Los libros, la cultura, el arte. Hay que ayudar, apoyar

En estos tiempos de crisis social, casi existencial como sociedad que va a tener que cambiar: la cultura, el arte, los libros en particular van a tener que recorrer un camino incierto y peligroso. Una sociedad sin libros es una sociedad analfabeta y muy manipulable.

No es posible vivir sin alimentar el interior de nosotros. Solo así podremos ser diferentes a los animales. Comer es necesario para todos incluidas las amabas, pero cultivar la cultura, la motivación artística, la sensibilidad, el pensamiento crítico… es lo que nos logra convertir en mucho más que sapos de escupitajo fácil.

Tenemos que volver a comprar libros, tendremos que volver a los museos a soñar con cuadros que no entendemos, tendremos que leer periódicos de periodistas, tendremos que volver al teatro para soñar y dejarnos mentir por artistas de verdad. Eso o bostezar de miedo.

Los materiales para crear arte son casi infinitos

Con hilos, con telas, con borra teñida, con lanas deshilachadas y mezcladas también se puede hacer ARTE. Cuando uno empieza a pintar cree que todo lo que no se haga con pincel no vale. Luego aprendes a utilizar los dedos, trapos, cañas o palos para lograr ciertas texturas o difuminados que son imposibles de hacer con los pinceles.

No importa ni la herramienta, ni el soporte o los materiales que utilices. 

Solo importa el resultado final. Y su durabilidad con arreglo a lo efímero o no que quieras que resulte la obra.

Nadie te preguntará nunca (o casi nunca) cómo has logrado lo que nos muestras. Si acaso se quedará sorprendido pues no lo vera claro.

Y como se secaron, los dejaron sobre la pared

"Maderos franceses" - 2018 - Montauban

Las manchas pueden resultar incluso agradables

"Manchas de Color Variado" - 2019 - Digital

Con el Arte interactuamos con la sociedad, aunque no deseemos

En estos años en los que la política está denigrada en medio mundo, mezclar la política y el arte parece absurdo. Pero simplemente lo es por haber ninguneado la posición de la política a espacios para políticos. Contundente error. Abrir el grifo de tu cocina y que salga agua tiene detrás una serie de decisiones políticas que ya sé, no quieres ni entender ni quieres estar de acuerdo.

Quien trabaja para la sociedad está haciendo política, todo lo que sirve para lograr que funcione o se mueva la sociedad, es política. Así que como personas artistas vivos, o incluso si ya hemos fallecido (aunque en este caso será complicado que me lean) cuando creamos y mostramos a la sociedad nuestras formas de pensar o de comprender o de entender lo que hacemos, estamos haciendo política.

Elegimos ideas, formas de presentarlas, intervenimos con ellas ante la sociedad, sea teatro, literatura, fotografía, música, escultura o dibujo. Sea abstracto o barroco, surrealismo o expresionismo. Hablamos con nuestras obras y al hablar y expresarnos estamos transmitiendo nuestra forma de ver, de comprender, de opinar ante lo que nos rodea.

Incluso cuando no queremos decir nada de política con nuestra obra… estamos hablando de política pues la ninguneamos totalmente, lo cual es una forma de expresión sobre la misma. No querer opinar sobre algo, es opinar sobre ello. Hacer cuatro rayas en un lienzo es decir que no quieres hacer nada más que cuatro rayas en un lienzo. Y eso es una decisión que anula todas las demás.

Así que sin duda, todo el arte es acción y arte social, y por ello es arte político, aunque ahora la palabra política nos de sarpullido. Sobre todo porque la van a ver otras partes de la sociedad, y por eso tú mismo con tu obra estás interactuando con la sociedad del momento en que se contempla.

El ejemplo más sencillo será el de los carteles que se crean en épocas de guerra. Este que vemos arriba se creó para la I Guerra Mundial por el ilustrador James Montgomery Flagg.

Pascal Campion y su portada para The New Yorker

El ilustrador y artista norteamericano Pascal Campion ha dejado en la portada de la conocida revista The New Yorker en este abril de 2020 un reconocimiento a todos los repartidores de comida o de productos de primera necesidad que en tiempos de confinamiento y de virus globalizado se han convertido en imprescindibles ángeles del reparto y de la ayuda a domicilio.

La publicidad, el diseño gráfico, los carteles, los ilustradores son parte de la familia del arte por derecho propio y sin ninguna duda, aunque no siempre se les valore como tal. Su capacidad de sintetizar, de crear ideas, de plasmar espacios y miradas nuevas, son óptimos en estos tiempos de dudas y de ambigüedades. 

El mundo de las babosas es muy amplio

"Bebe Babosa buscando comida" - 2020 - Zaragoza

¿Cómo te apoyas para dibujar o pintar? ¿Qué herramienta utilizas?

¿Cómo dibujas o pintas tú? Sí, quiero preguntarte por cómo sujetas la herramienta, el lápiz, el carboncillo, el pincel o la pintura con la mano. Hay varias formas de hacerlo y a veces pensamos que cada uno de nosotros tenemos la propia, la que mejor se adapta a nuestra mano o a nuestra forma de dominar el trazo. Pero no siempre sabemos si esa es “la mejor” forma.

Por ejemplo, sabemos que es mejor un lápiz o un pincel sujetado con delicadeza, como si fuera una pluma de ave, suave, moviendo la herramienta con cuidado de no romperla. Ya, lo sé, no se rompe nunca, pero es una forma de explicarme.

Esta forma va muy bien para los utensilios gruesos y con bastante peso y carga de color pues les ayudas “a flotar”sobre la base, sobre el papel o el lienzo. Ellos van dibujando sin que nosotros hagamos presión sobre ellos y el lienzo. Les dejamos que simplemente recorran suavemente con su trazo.

Sobre la base o papel podemos tener como guía y ayuda para que discurra por encima del lienzo, ayudando en la dirección del trazo algún dedo de la mano, bien el pulgar, el meñique o incluso un apoyador. 

Yo recomiendo el meñique o el apoyador, el apoyo (en cada zona lo deben llamar diferente) en mi caso es una tabla como la que dejo arriba en la imagen. También los hay que son un palo tipo bastoncillo que sea largo si dibujas o pintas en vertical.

Hay personas que siempre dibujan en horizontal, pero otros artistas dibujan o pintan en vertical. Son métodos diferentes y cada uno logra trazos distintos, y expresividad en el dibujo bastante diferente. Y aquí sí que cada persona decide según sus habilidades y lo que desea transmitir, una forma u otra de trabajo. 

Y el sistema de apoyo según trabajen en horizontal o vertical será distinto. Sobre la mesa, en horizontal, la imagen te muestra un utensilio muy útil pues colocado encima del lienzo o papel te permite ser muy limpio y además te ayuda a que puedas discurrir la mano sobre la madera para hacer líneas "casi" rectas. En este casi el pulgar sirve de guía para que la mano discurra con el lápiz o el pincel.

Como decíamos siempre: "Cada maestrillo, tiene su librillo".

Se me comen las lechugas, pero las respeto. Toy tonto

"Uno de mis vecinos, en días de lluvia" - 2020 - Zaragoza

Figura grande en un Refugio del escultor Henry Moore

Esta escultura enorme (como todas las de él) está en un parque de Bilbao. Henry Moore nos brinda conocer su obra de cerca, tocarla incluso, con esta escultura de bronce creada entre los años 1985 y 1986, titulada “Figura grande en un Refugio”. Es una obra dedicada al bombardeo de Guernica dentro de una colección que tituló “Cascos de Guerra”. 

Sus más de 20 toneladas de peso y sus más de siete metros de altura no pasan desapercibidos incluso estando rodeada de otras obras conocidas de otros autores.

Este es un detalle de la obra, un trozo para mostrar que las esculturas tienen muy diversas formas de ser vistas, de poderlas contemplar al completo o por secciones. Es como un paisaje de bronce dispuesto a ser mirado a trozos.

Pero esta obra por desgracia no está como la vemos en la imagen. Se ha restaurado varias veces, y la vez que la pude observar también estaba llena de tontos a las tres que habían dejados sus huellas y sus frases, sus firmas y sus fechas. No somos capaces de respetar ni el dolor en bronce. Lo admitimos y lo retocamos.

¿Me tiro o no me tiro? Siempre las dudas

"También los patos dudan" - 2018 - Bilbao

Crear arte es manipular, distorsionar, ser un poco brujo. Lo siento

Todo lo que nos llega está mediatizado, manipulado, distorsionado y de alguna forma algo digerido ya, para que lo entendamos de una particular manera. Y no, no estoy hablando de política aunque lo parezca. hablo de sociedad y ahora mismo me voy al ARTE.

Si todo lo que vemos, lo que nos entra (o meten) por los ojos y la cabeza, ya viene desde fuera distorsionados para vendernos algo, para que lo entendamos de alguna manera determinada, para que lo podemos absorber más fácil… no es entendible que en el ARTE pensemos que influir en los espectadores sea algo negativo.

Influir o incluso retener o afectar de alguna manera al espectador es lógico. Y si para ello hay que influir, afectar a lo que estemos creando, parecería lógico.

En realidad somos brujos, hechiceros que intentamos crear teatro en muy diversas formas, crear algo que no existe y transmitirlo a los demás, sabiendo todos que eso es mentira, pero haciendo creer a todos que es verdad. Incluso nosotros nos tenemos que creer que es verdad, nuestra verdad.

La realidad no es esa fotografía pues por muy real que la veamos, eso ya no existe. No es esa obra de teatro o ese cuento de realismo mágico. Tampoco esa escultura maravillosamente verdadera pero totalmente falsa. ¿Cuántas personas conoces tú de mármol? Si “fabricamos” una persona de mármol, será lógico y perdonable que le afilemos la nariz, le quitemos culo o les estiramos las piernas. Si queremos. O al revés.

Aprender a dibujar es cuestión de 15 minutos cada día

Dibujar, como escribir, pintar o tocar un instrumento musical necesita entrenamiento y dedicación diaria. Todos los días es necesario “hacer”, dibujar, dominar la mano, enseñarnos que lo que queremos hacer necesita tener una herramienta entrenada y engrasada. 

En el caso del dibujo es mucho más sencillo que en otras actividades artísticas. necesitamos muy poco. Una base y algo que sea capaz de “manchar”. Y un poco de tiempo. 

Posiblemente solo quince minutos diarios para entrenar la mano y que esta obedezca a lo que la mente le vaya diciendo.

La obra, el dibujo de arriba es de Antonio Saura titulada "Temblor del instante"

Naturalmente es natural. Terciopelo natural

"Terciopelo natural" - 2020 - Zaragoza

Era miércoles y un niño vio por primera vez un cadáver

Un niño ha descubierto que existen los muertos, que la muerte es de verdad y a su alrededor existe una estructura casi teatral. Todos los muertos son diferentes, pero todos tienen unos escenarios y unos detalles muy comunes. Es un niño sin edad de momento, pero va a la escuela y se deja llevar por su madre. No parece mayor.

Es una fotografía literaria, es una obra pictórica hecha con letras. Es una obra de teatro con actores y ambiente incluso sofocante. Es el inicio de la obra "La hojarasca" de Gabriel García Márquez, otro pintor que utilizaba palabras, frases, ideas, colores hechos son sensaciones. Un artista.

Pronto podremos volver a pisar el agua del mar

"Volverá el mar a saludarnos" - 2018 - Valencia

Por donde menos te lo esperas… se escapa

"Maderas de Osera" - 2010 - Osera de Ebro

Nunca es fácil ver. En Arte menos. Diferente es saber mirar

No es fácil ver. Mirar en cambio es muy sencillo excepto que tengas algunas enfermedad que te lo impida. Pero en el Arte como en la vida común, lo importante es VER. Tener claridad con lo que observas, para saber interpretarlo, para adivinar realmente qué estás viendo, en sus máximos detalles visibles o escondidos. 

Es verdad que en los últimos años vamos escapados a todos los sitios y en la mayoría de las ocasiones hemos aumentado mucho nuestra capacidad de mirar y hemos perdido la capacidad de ver.

Los más excelentes de la sociedad son precisamente aquellos que sabe ver. Y en Ate es fundamental saber ver. En fotografía es imprescindible pues allí deben seleccionar, elegir el encuadre a tu gusto, y para ello debes estar “viendo” claramente el encuadre, como si ya estuviera recortado y puesto sobre un papel.

Pero en escultura o en pintura es fundamental imaginarse qué vamos a lograr según avanzamos con la obra. Tenemos que ir “viendo” antes de que la obra se vea del todo. También en literatura, Teatro o en música nos sucede algo muy similar. Cada escena tiene sentido dentro del todo, y sin haberlo compuesto debes imaginar qué parte forma lo que en ese momento estás construyendo.

Hay que ir observando la obra a trozos según la construimos, dentro de un proceso que ya tenemos muy metido dentro de nosotros y que nos enseña sin haberlo terminado qué queremos hacer. Aunque es verdad que luego, a veces, modificamos “cosas” y el final es distinto al que imaginábamos.

Con el Arte vamos a expresar algo y para ello nosotros lo tenemos que haber visto antes. En todos sus detalles, observado desde todas las ópticas posibles. Y según se vaya montando el poema, la obra, el libro, verás que a veces se te mueven los paisajes, los personajes, los compases, pues ni tú eres igual al momento en que comenzaste la obra, ni las partes de ella, que no estaban totalmente formadas habían demostrado sus tentáculos, sus influencias sobre todas las demás.

La obra que vemos arriba es del zaragozano José Orús.

Madrid ayer. Madrid mañana. Madrid siempre. Madrid abierto

Volveremos a fotografiar Madrid, y sobre todo volveremos a Madrid para comer bocadillos de calamares o vermut de grifo. Volveremos a Madrid para ver museos o teatros, para pasear por sus parques o para hablar con sus gentes. Volveremos sin duda al Madrid de siempre, al dolido y herido, como lo hicimos cuando el aceite de colza, o tras el Golpe de Estado. Madrid es nosotros, Madrid es de todos, Madrid seguirá abierto muy pronto. 

La bailarina Isadora Duncan habla sobre el jazz

Isadora Duncan "Me parece monstruoso que alguien considere que el ritmo del jazz representa a América. El ritmo del jazz representa al salvaje primitivismo" Isadora Duncan

Zinovii Tolkatchev y una dolorosa obra "Sin Palabras"

Esta obra (junto a varias más) fue realizada por el artista bieloruso Zinovii Tolkatchev en el año 1945, cuando siendo militar del ejército ruso, liberó  junto a su batallón el campo de exterminio de Auschwitz​ e hizo esta ilustración en una hoja din A4 recogida en las oficinas del propio campo de concentración al no llevar papel propio. 

Está realizado con lápiz y acuarela. La tituló "Sin Palabras" reflejando en estas obras que nada se podía hacer, excepto tener solidaridad con las personas.