Alberto Korda y su imagen icono del Che Guevara

La icónica imagen del Che Guevara que más se conoce es esta. La pequeñita en blanco y negro. También es la que se ha utilizado como un arte vendible para bien o para mal. Su imagen icónica se le hizo un año antes de morir. Pero aquí la vemos en un cartel, acompañada de un texto contundente.

“Un guerrillero no muere para que lo cuelguen en la pared”

No fue dicha por él, en una de esas clásicas frases casi publicitarias aunque tengan fondo y una gran parte de razón. Pero el icono, con el texto, forman otro icono. Incluso otra forma de entender los símbolos. ¿Es arte? ¿Es publicidad? ¿Puede la publicidad ser arte?

La imagen la hizo el fotógrafo cubano Alberto Korda y en ella vemos al Che Guevara mirando el cortejo fúnebre de los muertos en el atentado terrorista al barco La Coubre, el 5 de marzo de 1960. Un atentado contra un barco francés que llevaba armas a Cuba, y donde murieron más de 200 personas. Se cree que fue organizado por la CIA.

Aldeanita de Seda. Poema de amor

Aldeanita de seda 

ataré mi corazón

como una cinta a mis trenzas

porque en una mañanita de cartón


(a este buen aventurero de emociones)


le diste el vaso de agua de tu cuerpo
y los dos reales de tus ojos nuevos.

Nota.: Aldeanita de Seda. Poema de Carlos Oquendo de Amat del año 1923

Maruja Mallo y su época más gris, con menos color. Antro de fósiles

Ana María Gómez González, conocida como Maruja Mallo, pintó esta obra que se encuentra en el Museo Reina Sofía en el año 1930, y la tituló “Antro de fósiles”. Artista gallega de la Generación del 27 trabajó sobre todo el surrealismo, relacionándose ampliamente con todos y todas las artistas de esa época, participando en numerosas actividades artísticas y de formación, dando clases en diversos institutos artísticos durante la República. 

Tuvo que exiliarse y continuó su carrera artística en Iberoamérica, hasta su vuelta a España en el año 1962.

En esta obra ya se ve una época más tenebrista, con mucho menos color, como prediciendo lo que a España se le iba a venir encima, por la idiota manía de los españoles de estar siempre los unos contra los otros, como así sucedió unos pocos años después.

Poéticamente, el ser humano vive con poesía

El cartel nos dice algo que no siempre admitimos y casi nunca detectamos. Las personas vivimos poéticamente. Nos movemos a impulsos poéticos, aunque pensemos que la poesía es de cutres, de locos, de ancianos o de adolescentes ávidos de sexo no cubierto.  Esta cartel es del artista Rogelio López Cuenca realizado en el año 1994.

Las bailarinas de Fernand Pelez, antes de salir al escenario

Esta obra es del artista y profesor de arte francés de origen español Fernand Pelez se titula “Las Bailarinas” y fue pintada en el año 1905 al óleo. Se conserva en el Museo Beaux Arts de la Ville de París. 

Tras un fracaso en una exposición en el año 1880, abandonó los temas históricos que recurrir a la representación de las clases trabajadoras y participar en una reflexión sobre la condición humana. 

Sus obras reflejando "niños mendigos" o las representaciones de personas con problemas u oficios complicados son parte de una forma hereditaria de la estética española en parte de nuestra pintura del siglo XIX. Retrata desde el naturalismo las duras condiciones de vida de una parte de la sociedad francesa.

0039 - El poder de los números de las puertas

Los números están por las calles indicando separaciones, direcciones de entrada y salida, como dando permiso de entrada o prohibiendo penetrar. 

Si tenemos que ir al 39 no lo dudamos, creemos tener derecho a intentarlo. Si nuestro número indicado es otro, nunca nos sentimos con fuerza de intentarlo en el 39. Los números mandan y a veces mandan mucho.

El caos que no servía ni para ser caos

Caótico caos para nada. El caso puede servir si se ejecuta con belleza pues dentro del desorden puede existir un orden no reconocido, una manera de colocar elementos hasta llenarlo sin sentido, pero manteniendo un sentido no fácil. Luego está el caos por acumulación, o por desidia, por superposición o por aumento alimentario de lo último que va llegando. Ese caos no sirve ni para ser caos.

Diapositivas para digitalizar. Un viejo oficio ya perdido

En mis tiempos profesionales, cuando te traían un seis por seis sonaba a calidad de la buena. Si te traían un nueve por doce era ya lujo que había que mimar. Lo normal era paso universal y a lo sumo cuatro por seis. Todo esto suena a raro cuando no a desconocido.

En los marcos escribíamos notas, algo que ahora nos sonaría a horroroso. Números o marcas para distinguir. Nunca me cargué por eso una diapo, pero sí debo reconocer que el montarlas con aceite era una barbaridad peor que todas las demás y de eso sí me culpo.

Tiempos viejos de pocos cuidados, de una profesionalidad que fue bajando en la medida que bajaba el precio de la digitalización. Ya no había tiempo rentable para cuidar el producto. Viejos tiempos y muchas veces malos tiempos. Oficios que han ido desapareciendo. 

La violencia en el arte encargado desde el poder como propaganda

La violencia siempre ha tenido una gran importancia para crear más violencia y para demostrar poder. Van muy unidas. Violencia y Poder. Demostración de que el poder y la violencia se alimentan para sujetarse. En el arte como en muchas ocasiones era cuestión de encargar desde el poderoso, es habitual ver escenas de violencia del poderoso hacia el esclavo, el derrotado, el débil. Una demostración de que con el poder se podía llegar a todos los lugares, incluso la vida de los demás.

Esta estela egipcia, de unos 3.500 años de antigüedad nos muestra a un faraón de la Dinastía XVIII golpeando a un enemigo y encontrada en la zona de Menfis. 

El poder siempre ha radicado en la cabeza, por ello el valor máximo del poderoso ha sido siempre poseer el control de la cabeza del enemigo, del contrario. En algunas culturas se corta la cabeza del contrincante para demostrar victoria. O simplemente como en este caso se le agarra de los pelos y se le castiga en la cara, en la cabeza con golpes que le desfigurarán.

Si miramos con más detenimiento la estela vemos que hay otros poderes que le observan bendiciendo el castigo. Un sumo sacerdote y una ave que representará a alguna divinidad. Y vemos también a un enemigo empequeñecido, débil. Poca cosa comparado con el faraón. Todo es ideal y pura propaganda de hace 3.500 años.

El arte cuando se ha podido comprar por encargo deja imágenes de violencia y horror, necesario para demostrar que los viles son poderosos, y que están bendecidos por el resto de poderes.

6 elementos imprescindibles para crear arte

Para crear arte necesitamos una serie de elementos que aunque pensemos lo contrario, no son pocos. Vamos a enumerarlos, pues todos son imprescindibles. Si nos falta uno, el arte que creamos saldrá con menos valor o con ninguno.

Un lienzo en blanco. O un papel, una pared, un espacio, una partitura, un escenario, un vacío.

Un pigmento. Un sonido, unos gestos, unas voces, un grito, algo que ensucie o deje su trazo, un barro o un metal, luz u oscuridad.

Una herramienta para depositar el pigmento en el lienzo. Un pincel, un dedo, la garganta, un lápiz, un spray, una esponja, el propio cuerpo, un bolígrafo, el ordenador, las manos, una cámara oscura.

Una persona que quiera crear y tenga ganas de mostrar sus ideas. Un artista que necesite trasmitir e interactuar con los elementos anteriores. Que sepa mirar y captar ideas que considera nuevas e interesantes.

Un mensaje, una idea, un sueño. Unos sonidos o movimientos o textos que conformen una historia, un proyecto. Una formación teórica que contenga dentro una manipulación plástica formada, capaz de crear ideas que no existían antes de la misma manera. Es posible que ya no haya nada nuevo que contar, pero seguro que hay nuevas formas de hacerlo. Es posible que no haya conceptos o bellezas por descubrir, pero sí hay nuevas maneras de gritar, de transmitir sonidos o formas, párrafos o personajes, movimientos o estructuras, volúmenes, sombras y luces.

Espectadores. Sin nadie que contemple, odie o goce, observe, critique o sienta indiferencia..., nada de lo creado serviría para nada. No tendría sentido si no fuera para transmitir y para ello necesitas receptores. No compradores, ni poseedores, pues el ARTE no se puede comprar ni vender, si acaso los productos artísticos. Pero el arte almacenado o escondido, por ejemplo, ya no es arte. Le faltaría el componente de la vida que da el espectador.

Seis elementos imprescindibles para crear arte, para que lo creado tenga sentido. Todos son igual de importantes, pues si falta uno, se cae el edificio al completo.

Nota.: La imagen de unos figurines para la obra de teatro "La cena del Rey Baltasar", la realizó a la acuarela en el año 1947 Víctor Cortezo

Notre Dame no es de nadie, pero es de todos

Ayer se nos murió a muchos de nosotros un símbolo de los europeos, un icono de la cultura occidental que yo ya no veré abierto otra vez. No somos los dueños de nada, somos simples moradores de estos espacios, y a veces demostramos que no sabemos cuidar lo que nos han dejado nuestros antepasados.

Ayer Notre Dame de París se volvió negra, y en una semejanza a las Torres Gemelas de New York asistimos incrédulos a la imagen de la caída de la torre más alta, de la aguja que representa el icono del desastre.

Tal vez sea un buen momento para replantearnos qué hacer, de quién debe ser, qué tipo de conservación y de muestra debemos tener con nuestra historia en relieve, con nuestras obras de arte. 

Las tecnologías actuales ya posibilitan no tener que estar viendo Altamira para sentirnos dentro y observando la cueva de Altamira pintada para ellos y no para nosotros. 

Tal vez haya que preguntarse (y responderse) si las obras más emblemáticas del arte histórico de todo tipo no deberían conservarse de otra forma, mostrarse de otra manera en vez de colgadas en las paredes de un edificio lleno de personas. 

Tengamos fe en el lienzo en blanco, en el papel vacío

Tengamos fe en el papel, en el lienzo, en el espacio vacío. Debemos creer las posibilidades que nos ofrece algo libre y sin nada, para que cualquiera de nosotros lo llenemos de sensaciones.

Tenemos que creer en nuestras ideas, en los espacios que nos esperan, en lo que vamos a explicarles después. 

Y si no vale, tampoco sucede nada. Todo es efímero, todo es borrable, todo puede quedar tapado o modificado.

Tener sexo por dinero. Grafismos

Dinero para el sexo

Juego previo

Haciéndolo

Clímax

Cigarrillo después del sexo

¡Vamos! que no es todo solo cantar y bailar

Nota.: No me encaja bien la primera frase, pero es una traducción no perfecta, así que si tenéis alguna mejor, mandármela.

Sevilla tres. El tercero y último.

Manchas de Sevilla. Simplemente pequeños espacios manchados. Tres y final.

Sevilla dos. El segundo

Manchas de Sevilla. Simplemente pequeños espacios manchados. Dos.

Sevilla uno. El primero

Manchas de Sevilla. Simplemente pequeños espacios manchados. Uno.

Agua convertida en cristal para poderla ver grumosa

El agua parece convertirse en cristal si la dejamos quieta. Deja de ser húmeda para convertirse en algo sólido, macizo, contundente, fuerte. Podrían darte con esta agua en la cabeza y dejarte para el arrastre. El agua como casi todo, depende del punto de vista de cada momento.

No está roto nada, aunque nos digan lo contrario

Aunque parezca roto todo tipo de diálogo, siempre queda un ápice de posibilidades de volver al encuentro, de retomar la fuerza, de sujetar los desvaríos. Y lo curioso es que ese hilo que sujeta las últimas posibilidades es el que más fuerza tiene. 

Te dirán que los brillos se los llevan las fuerzas ya rotas, y que parece inevitable que todos sucumbamos a lo fácil y lógico. Es mentira, no te fíes, siempre nos queda la esperanza de saber resolver los problemas.

Paco Simón, un artista aragonés que vuelve al futuro

El artista aragonés Paco Simón (nacido en Barcelona) y fundador con otros compañeros del Grupo Forma, es un artista del que oiremos hablar todavía mucho más en el futuro, pues su obra trasciende los tiempos actuales. 

Su universo artístico guarda camino con su universo personal y viajero, y aunque ahora asentado otra vez en Zaragoza, su mundo de investigación artística no se asienta en ningún lugar en concreto ni bebe de territorios cercanos sino del mundo abierto y globalizado, lo cual es un activo del que deberíamos beber más en esta ciudad acogedora, pero no abrazadora. 

Algunos de sus proyectos culturales bien valdrían una reflexión aragonesa.

Esta obra que vemos arriba y de Paco Simón la tituló en el año 2017 “Mejor amarte que putearte”, una pintura en acrílico sobre papel hasta formar una especie de caja, con sus clásicos trabajos de mujeres pasteurizadas y pintadas en colores potentes. 

La podemos ver en su exposición de 2019 en el edificio Paraninfo de la Universidad de Zaragoza, en la Plaza Paraíso.

¿Qué es la técnica en el arte o en todo?

La técnica es importante en todo lo que hacemos, la inspiración es un aliado errático que no siempre está presente, pero lo esencial son los sentimientos, la improvisación y el humor, ese bálsamo que aplaca la amargura y las injusticias.

El reino del hielo. Fondo dibujado en aguada y tinta

De la película de Disney “El Reino del Hielo” del año 2013 os dejo un estudio del dibujante Colin Stimpson realizado en aguada y tinta sobre papel y con una capa de acetato encima que es donde van colocando los distintos personajes y que van moviendo y fotografiando hasta lograr las secuencias en vídeo de lo que en realidad son dibujos fotografiados y luego proyectados a una velocidad determinada.

Un proceso que ahora se va realizando ya en capas informáticas que se mueven desde el ordenador y la pantalla, simplificando todo el proceso de construcción de la película.

Grito que explota con el puño cerrado. Arte callejero

Arte callejero, arte efímero de la sociedad de Martorell, arte que grita y sabe que estará vivo solo un tiempo. Arte del siglo XXI que viene del siglo XX. Rebanadas de mano, de brazo, de esclavitud, de trabajo mal pagado. Grito que explota con el puño cerrado.

Arte Africano lleno de color, contraste y luz

El arte pictórico africano, el clásico o antiguo sobre todo, es un gran desconocido para el mundo artístico en general. Durante siglos permaneció escondido, si acaso mal colocado en algunos museos etnográficos. 

Pero con las aperturas culturales de África, un inmenso y hermoso continente lleno de grandes posibilidades y también de enormes culturas y formas de trabajar el Arte no siempre bien conocido, van surgiendo nuevos valores que nos muestran unas bellezas desconocidas en trabajos que sobre todo buscan con sumo acierto el color, los contrastes, la luz de África, las simetrías, ordenando espacios con a veces grafismos simples pero siempre muy efectivos para la terminación de sus obras. 

Estos dos ejemplos, similares en sus formas, son de dos autores distintos pero con técnicas muy similares. Hay que recordar que a veces la distancia que separa el arte y la artesanía es mucho más compleja en zonas donde el arte no está tan reconocido como en Europa o América.

Es un caracol. Aunque creamos que son garabatos

Tal vez os pueda parecer un montón de líneas sin mucho sentido, un trabajo artístico aleatorio, un dibujo infantil o un simple garabato. Y lo curioso es que es todo eso. E incluso más. Tiene un sentido que no llegamos a comprender del todo pues ya estamos desaprendidos de lo que somos capaces de ver. Han logrado con nuestra (mala) educación que veamos todos lo más igual posible y que todo lo que se aparta de lo que algunos han considerado normal, ya no lo sea.

El arte aleatorio existe. En el dibujo, en la pintura o en la poesía o escritura. Es lograr sacar desde dentro lo que el cerebro nos quiere expulsar. No importa el sistema, importan los resultados. Pero este dibujo efectivamente es el dibujo de un niño. De un niño con dos años.

Pero para él sí tiene un sentido. Para este niño es un “Caracol” y así le manda el cerebro a su mano que debe ser un caracol.

Si miramos con detenimiento vemos un núcleo central y un montón de líneas espirales que intentar rodear ese círculo, hasta configurar el todo del caracol. Un caracol es mucho más que el punto central desde donde nacen y crecen todos sus propios círculos. Y curiosamente eso lo ha detectado el niño enseguida. ha logrado simplificar al máximo el sentido de un simple caracol.

Un centro que sale hasta multiplicarse hacia fuera. ¿Cuántos adultos se atreverían a diseñar un caracol con estas líneas? ¿Cuántos somos capaces de seguir viendo un caracol? Si admitimos que somos incapaces de crear un caracol auténtico…: ¿qué tiene de malo crear un caracol falso, pintado o dibujado y que sea como el de la imagen, admitiendo que todo depende del punto de vista, pues la realidad no existe más que en nuestras miradas?

La cuestión Vassily, del sevillano Eduardo Molina Soto

El joven artista sevillano Eduardo Molina Soto titula esta composición escultórica como “La cuestión Vassily” donde las sombras tienen incluso más importancia que el objeto que las provoca. Es posible que el título haga referencia al conocido artista Vassily Kandinsky, y sus formas casi musicales de transmitir ideas con colores y formas.

Las esculturas tienen muchas formas de ser miradas, no forman un único conjunto de formas, no es una obra en sí sino muchas. Si a eso le añadimos las muy diferentes maneras de iluminarlas, podemos decir que una escultura como esta son decenas y decenas de esculturas distintas.

Israel Tirado nos muestra su escultura Kouros 17

El joven artista sevillano Israel Tirado García nos muestra desde su Sevilla esta composición escultórica titulada Kouros 17, que me atrajo por su belleza y colorido. Está expuesta en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla.

Es atrevida, original, curiosa, donde se muestra un cuerpo desnudo descompuesto en tablitas de colores hasta formar algo casi informe donde no sabes bien si es una bella persona de gimnasio o una simple persona trabajada.

Tengamos pecados. Mezclados, eso sí

Tener un poco de todos ellos, de todas ellas, debe ser fabuloso. Mezclado sin agitar en su justa proporción. ¿Y cúal es la justa?

Un poco de cada: de la ira, la envidia, la soberbia, la lujuria, la gula, la codicia y la pereza. Con esa mezcla podemos ser más felices. Pero sin que ninguna se apodere de la otra.

Todos somos cucarachas. Pero algunas estamos en la pared

Todos somos cucarachas voladoras de inciertas metas. Todos tenemos corazas duras hasta que nos pisan con fuerza y nos chafan, y todos somos capaces de producir asco a poco que nos comportemos como cucarachas. 

Es cuestión de aprender a saber frenarnos, pues dar asco siendo muy oscuros y con cara de pocos amigos, eso, lo sacamos de fábrica casi todos.

Charles Dana Gibson y las chicas “Gibson Girl”

El dibujante Charles Dana Gibson nos muestra en esta obra un trabajo que tituló “Los jardines de la moda ilustrada” donde podemos disfrutar de su dibujo pero también de un grabado de finales del siglo XIX en todo su esplendor de una modernidad que venía abriendo nuevas posibilidades a través del color.

Charles Dana Gibson fue el creador de un ideal de belleza femenino que se plasmaba en los dibujos primero para ilustraciones de revistas de moda y que se llamó “Gibson Girl” por su nueva belleza que empezaron a imitar las mujeres jóvenes americanas. Elegantes, bien vestidas con formas marcadas, con melenas recogidas en peinados muy trabajados, ojos muy marcados, labios bien dibujados pero sin agrandar, libres y con deseos de independencia y felicidad. 

Fueron casi tres décadas donde la imagen de la mujer cambió gracias simplemente a unos diseños y dibujos en papel, para ilustrar revistas de moda. Tras estas modas de imagen nacieron las pin-up, ya más libres y desenvueltas, no tan rígidas.