Balenciaga y Miró, trabajando en compañía

El mundo de Joan Miró es fabuloso, muy completo y nos podemos encontrar obras suyas en muy diversos tipos de trabajo. Esta imagen nos muestra el catálogo "El mundo de Balenciaga" diseñado por Joan Miró para una exposición del modisto Cristobal Balenciaga que preparó en el año 1974. 

Un ejemplo más de que el arte no tiene espacios encerrados de trabajo o que el diseño gráfico y el arte caminan a veces muy cercanos.

Joaquín Sabina y Luis García Montero, poetas en Argentina

Teatro Libertador de Argentina, en la Córdoba poco árabe, Joaquín Sabina y Luis García Montero, en el VIII Congreso Internacional de la Lengua Española. Montero y Sabina. Poesía contra poesía. Os dejo el final.

Luis García Montero: Señoras…

Joaquín Sabina: Y señores.

L: No pedimos mil años ni dos horas.

J: Los gallos del teatro no quebrarán albores.

L: Será sólo un momento de atención,

J: que suplican de todo corazón

L: un poeta borgiano y misionero

J: y un músico tanguero, bandoneón sincero que toca la guitarra y cruza el mundo entero en busca de un amor y de una farra.

L: Celebramos en broma, pero en serio,

J: en serio, pero en broma,

L: la suerte de un idioma,

J: cargado de memoria y de misterio,

L: que nos une a 600 millones de parlantes,

J: un mundo de poetas y cantantes,

L: que se llama español

J: o castellano,

L: y va de sol a sol,

J: como un hermano,

L: y cruza Andalucía que rima con García,

J: y llega hasta Argentina, que rima con Sabina,

L: y salta a Nueva York con paso mexicano o colombiano,

J: y habla del amor o del dolor con un acento hispano,

L: y se come las eses o suaviza las zetas,

J: y lleva en su maleta el tú y el vos, los tontos, los boludos,

L: el chévere, el quilombo, los pendejos,

J: los pibes y los viejos.

L: Palabras vivas que desatan nudos,

J: y sueñan en Perú, la tierra de Jimena,

L: resistiendo en Madrid, la ciudad de Almudena.

J: Palabras que son luz y son escudos.

L: Un idioma de todos sus hablantes,

J: sin centros ni doctores dominantes,

L: unido pero lleno de matices,

J: diverso pero sabio en unidad,

L: que alumbra sus palabras más felices,

J: igualdad, libertad, fraternidad,

L: democracia, razón, constitución,

J: amor y corazón, dignidad y alegría,

L: ciencia, tecnología…

J: Yo soy más bien de letras, señoría.

L: Conciencia, independencia, disidencia,

J: educación, cultura,

L: buena literatura por donde el tiempo vuela.

J: Y el vuelo nos conviene: después de junio viene Julio con su Rayuela.

L: Y de ayer a mañana, los versos de Sor Juana,

J: mientras Neruda rima con Cernuda,

L: y Bioy con estoy, y san Juan con don Juan…

J: Gelman querrás decir, y no me quejo, un amigo sincero.

L: Me moriré en París con aguacero,

J: que decía Vallejo. Si vas a Mar del Plata verás que allí camina la sombra de Alfonsina.

L: ¿Con qué rima Lugones?

J: Montero no me toques… las canciones.

L: Pues agarra la vida por el mango.

J: Yo he nacido de un tango y lo llevo en la piel, Discépolo en los labios de Gardel, la bella flor del fango.

L: Viviendo mano a mano en el dolor,

J: la luz del perdedor que brilla y no se apaga en la ventana.

L: Un amor sin sotana, condenado al exilio y al sablazo.

J: Aunque a veces conviene un Cordobazo

L: y una Universidad en pie de guerra

J: que corte de raíz las opresiones. ¡Brasil, tantos millones hablaremos inglés!

L: Escribía Rubén contra el imperialismo.

J: Ahora es más de lo mismo, ¿no lo ves?

L: Pues metamos un gol en español.

J: ¿Para Talleres, Belgrano o… el Boca?

L: El fuego no se toca, dejemos esa terna.

J: Pero me siento al fuego de mi lengua materna, y la vida me juego, y una bella fragancia me devuelve a los nombres de la infancia.

L: Las primeras palabras son verdades contra las soledades.

J: Hablo y comparto el pan con mis hermanos, mestizos por amor y por la historia de pueblos soberanos con naufragios y gloria.

L: Brindemos por la llama de los libertadores, llevemos unas flores a los pies de Cervantes.

J: El mejor equipaje, el mejor almirante para este largo viaje.

L: Cada cual en su forma y a su modo, compartir un idioma codo a codo con 600 millones de personas.

J: Los puntos y las comas, de la cabeza al rabo, Teresa de Jesús, Martí y el Gabo,

L: una misma manera de decir

J: te quiero, tengo frío, estamos vivos, Inviernos, primaveras. Nos sobran los motivos…

L: Ya basta de sufrir alambres y fronteras.

J: Nos sobran los avaros, los turbios mercaderes, la globalización sin corazón.

L: los oscuros gobiernos sin mujeres,

J: las multiplicaciones sin perdón,

L: y paro de contar.

J: Haces bien pues debemos terminar.

L: Lo prometido es deuda y es sensato.

J: Se acabó nuestro gato y nuestro rato.

L: Señores,

J: y señoras.

L: Señoras,

J: y señores,

L: porque todo reloj marca sus horas,

J: de ustedes se despiden dos tenores demasiado habladores,

L: un poeta borgiano y misionero,

J: y un poeta tanguero, devoto de Argentina y el Cholo Simeone que no cambia a Gardel por los Rolling Stone.

De Paseo, de la mano de Ló-crea (creaCtivo)

De la exposición “Elocuente - mente” de AlmeríaPrint os dejo dos obras fotográficas tituladas “De Paseo” del autor Ló-crea (creaCtivo) donde se juega con la mirada del espectador para mostrarle que todo es posible a poco que le pongas ganas de imaginar.

De imaginar y de jugar con la creatividad donde muchas situaciones son posibles a poco que le pongamos esa imaginación básica que nos lleva al mundo donde nada es real…, o donde todo lo podemos convertir en real. Depende.

Un león desgastado de Almería

Los leones se rompen, nada es eterno, y si son de piedra se desgastan. Como las personas, que también parecemos de piedra y es mentira. Somos de nada. Este león es de Almería. En Almería hay sardinas y leones, tiburones y palomas. Incluso hay mar que es lo que más mueve a los animales que se creen racionales. Donde hay mar hay más animales.

Alguna vez este león fue hermoso y nuevo, pero las lluvias van acabando con él. Ya nadie lo salva. Se está convirtiendo en polvo, en tierra, como nosotros dos, tú y yo. No, no te conozco, pero lo sé.

¿Qué es la fotografía? Diane Arbus y sus secretos

Nacida en New York como Diane Nemerov, la artista Diane Arbus ha sido reconocida siempre como la artista que sabía sacar personalidad a las escenas de los personajes más complicados, mas complejos de entender y asimilar. Fallació joven con 48 años, dejándonos muchos proyectos inconclusos de esa sociedad compleja que muchas veces necesita ser representada con la fotografía para que no se nos olvide que existen y que necesitan ayuda. Incluida la propia Diane Arbus.

Fotógrafa pionera en la utilización del flash de relleno o luz artificial en escenas que en apariencia ya tienen suficiente iluminación, pero que sirve para dulcificar las sombras. Algo que hoy se utiliza mucho tanto como con flash como con parasoles.

“La fotografía es el secreto de un secreto. Cuanto más te dice, menos sabes“

          Diane Arbus          

Arte en relieve sobre madera en una puerta

Daría igual el lugar, la ciudad, pero es curiosa esta puerta por el trabajo en relieve que lleva donde se llega a duplicar la cerradura en falso, para que la simetría sea perfecta. Un trabajo en madera que se completa con este rostro cínico de un personajes que sonría falsamente. Arte en relieve sobre madera, donde incluso sus molduras juegan a crear un conjunto que sorprende a quien desea entrar.

Arquitectura barroca para un Hospital en Gerona

El antiguo hospital de Santa Caterina en Gerona es un edificio iniciado en el siglo XVII y que se articula alrededor de un gran patio exterior que es el que podemos ver en la imagen, alrededor del cual se fueron asentando los diversos edificios de atención hospitalaria, hasta formar un conjunto de estilo barroco, hoy considera Bien de Interés Nacional. También la arquitectura antigua cuando resulta bella e interesante debe tener un espacio entre las artes.

Este edificio fue en un principio Hospital de Caridad para pobres, transeúntes y huérfanos aunque con otra edificación en el misma lugar, y desde el año 2004 otra vez utilizado todo el conjunto como Hospital de Día con mas de 200 camas y Centro de Salud.

Torso desnudo tipo griego, del artista Aristide Maillol

Un Torso de Venus de la segunda década del siglo XX, del artista francés Aristide Maillol que se encuentra en Gerona. Nacido en el sur de Francia muy cerca de Gerona siempre tuvo como lengua materna el catalán y parte de sus exposiciones más importantes se montaron en Cataluña. Era escultor, pintor y grabador, y vivió entre el siglo XIX y el XX.

De Aristide Maillol se decía que: "hablaba catalán, iba con alpargatas, llevaba faja y barretina, bailaba sardanas y consideraba a Cataluña como su verdadera patria".

Arte en el cómic, muriéndose el protagonista

Debemos volver al Cómic de Quino para entender mejor esa mezcla de texto y dibujo, de literatura y arte con mayúsculas, pues se cuenta una historia en un lienzo blanco que es una hoja de papel. El esclavismo del siglo XXI contado con muy pocas palabras y unos trazos maravillosos de un genio de la literatura o del microcuento. 

Maysun además de ser mujer fotógrafa de guerra y hambre, es maestra

Maysun es mucho más que una fotógrafa aragonesa freelance de guerra, de dolor, de hambre, de sufrimiento social. Es sobre todo una poeta de la imagen. Veamos algunas de sus frases, para conocerla algo mejor, mientras dejamos su mirada parcial sobre nosotros.

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Yo fotografío con mi cerebro y con mis tripas y no con mi género, pero a nivel práctico sí que vivimos en un mundo patriarcal.

A las mujeres no nos toman en serio, y en un conflicto (armado) que es donde me suelo mover, no representamos una amenaza para combatientes o para civiles, por lo que el acceso para la mujer casi siempre es mayor.

He tratado siempre de ser observadora invisible, más no silente de la historia que el ser humano dibuja cada día.

He aprendido sobre la guerra, la crisis, el desplazamiento, la soledad, la pobreza, la muerte, el hambre, y cómo las personas buscan siempre lo mismo (…) un lugar al que llaman hogar y a alguien con quien compartirlo.

Tus imágenes no valen nada si no pones tu corazón, tus ideales, tu intuición, y sobre todo tu empatía con ellas.

El genial Quino y su amor hacia los animales de compañía

El GENIO de Quino es imprescindible para saber trasmitir ese amor al animal de compañía, al amigo de casa. Es ARTE el dibujo del cómic que une texto y dibujo, que en realidad es fotografía con lapicero en blanco y negro o pintura con tinta china. Es sobre todo métodos de expresión artística para motivar, para mover sensaciones. Es Quino.

Dibujo de fondo de Factoría Disney para Merlín El Encantador

Este dibujo de la Factoría Disney del año 1963 muestra uno de los trabajos para la película Merlín el Encantador. Es un clásico fondo sobre el que iban colocando personajes y se creaban las escenas a base de fotografiar numerosas veces estos dibujos mientras se movían por capas de acetato los dibujos de los personajes que se movían por encima de estos fondos. Hoy estas técnicas están muy superadas por los trabajo digitales, pero en realidad se utilizan métodos similares por capas dentro de la misma imagen digital.

Este fondo se había trabajado con tinta de colores y pintura con mina de grafito y lápiz de color con aguadas sobre un acetato que se colocaba sobre un soporte grueso de papel. De esta forma también se podía mover el fondo para aparentar la velocidad de movimiento de la cámara mientras grababa aunque en realidad la cámara era lo único que estaba fijo en su soporte.

Fachadas artísticas en Martorell, Barcelona

En algunas fachadas del centro de la ciudad de Martorell, a unos 30 km de Barcelona, podemos ver este tipo de relieve grabado sobre los estucos de las fachadas. Este en concreto es del año 1940 realizado por Ferdinandus (Fernando) Serra. Con motivos agrícolas y decoraciones de elementos de la naturaleza estas grandes casas del señorío de la localidad, además de decorar las fachadas servía como elemento diferenciador de familias e incluso de poder económico.

Monstruos en la Barcelona más Arco del Triunfo

Barcelona en ciudad de dragones y en la zona del paseo de Lluis Companys podemos encontrarnos farolas y estos detalles realizados por Pere Falqués a finales del siglo XIX que ilustran ese trabajo modernista de conjugar el uso urbano del arte en hierro con una especie de gárgolas decorativas y con elementos necesarios para la convivencia del día a día.

Mujeres de Martorell paseando sus colores

En Martorell los colores y religiones de las personas son múltiples, como en todo el mundo actual. Se entremezclan en las calles y en las tiendas, en el urbanismo que se utiliza para convivir. Este muro muestra a varias mujeres de diferentes formas, en esas calles que sirven de paso para todas ellas. El urbanismo amable que ayuda.

Pablo Picasso y las cerámicas de colección

A partir de mediados de los años 40 del viejo siglo XX Pablo Picasso empezó a trabajar la cerámica en platos o jarras como una manera de poder realizar más tiradas de ejemplares para se pudiera popularizar su obra y estuviera al alcance de muchas más personas. Lo hacía ya con las serigrafías y deseaba dar un paso más buscando piezas que le parecieran más complejas que un impreso serigráfico.

En un viaje a Francia conocía la técnica en un taller de Vallauris y a partir de ese momento y tras visitar la casa-taller de Cerámica Madoura de Suzanne y George Ramié. Este matrimonio enseñó al artista malagueño desde lo mas elemental a la técnica más compleja de figuras y cerámica moldeada para crear formas abstractas.

Las tiradas de sus piezas, siempre numeradas y marcadas con sus sellos, podían ir entre las 50 y las 500, pero lo que en un principio fue un método para que el arte llegará a más personas se ha convertido en la actualidad en un mercado casi feroz donde los coleccionistas que se inician acuden en búsqueda de su “primer” Picasso lo que hace que suba mucho el precio de estas obras.

Hoy es normal encontrar obras cerámicas de Pablo Picasso que se logra subastar entre medio y un millón de euros.

Campo de Mallorca pintado con manchas rápidas

A veces una obra de arte te "pilla" por su particular manera de tratar las pinceladas, el color, la distribución de elementos, o incluso sin saber bien el motivo. Te gusta y punto.  Este paisaje de alguna zona del campo mallorquín me gustó por la suma de colores y formas. Nada más sencillo que se podría trasladar a millones de obras de arte.

Un arbusto que sobresale entre un campo amarillo y un cielo elemental. Un arbusto rápido, manchado, pero con forma y vida. Y luz. Poca cosa, pero no es necesario más. El artista parece llamarse Muna.

¿Qué tipo de línea hago cuando pinto o dibujo?

En cualquier trabajo artístico que creemos, la línea es fundamental pues es nuestra forma más básica de creación. Casi todo son líneas o sucesión de líneas, de trazos, de pinceladas que contienen todo el trabajo, pues esas líneas se van convirtiendo en masas, formas, dibujo, perfiles o detalles. La línea es nuestra mano, nuestra forma de realizar el trazo.

Pero las líneas pueden ser de muy diversa forma y en casi todos los casos estas líneas forman parte de nuestra propia personalidad creativa. Cada uno de nosotros tenemos una particular forma de trazar las líneas.

Son rápidas o lentas, nerviosas o tranquilas, suaves o contundentes, la suma de trazos pequeños o una línea continua, lisas o rugosas, enfadadas o histéricas, alegres o desenfadadas.

Y casi siempre esta manera de trazar nuestras líneas nos van a ir acompañando en el tiempo, aunque también es cierto que se irán modificando con el paso de los años y de las obras. Gran parte del resultado final de cada obra dependerá del tipo de trazo o de línea que nosotros hagamos con la herramienta que al final decidamos utilizar.

Por eso es importante conocernos, trazar garabatos en nuestros inicios de creación, saber qué queremos trazar o realizar e intentar dominar las diferencias entre lo que queremos y lo que sabemos o logramos hacer con las líneas. Educar nuestra mano para que nos realice aquello que deseamos hacer.

Porque esto mismo será lo que a veces sin darnos cuenta nos hará elegir el tipo de pintura que al final elijamos. El mismo tipo de trazo o de línea que seamos capaces de hacer bien, es el que nos llevará a elegir óleo, acuarela, puntillismo, abstracto o clasicismo. Conocernos es fundamental.

Ser eslabón de una cadena…, es no ser nada

Si te atrapa uno, estás pillado, te atrapan todos.

             Ser parte de una cadena, es ser un simple eslabón entre muchos.

Pierdes el enfoque, la vista del conjunto, la idea de saber hacia dónde te mueves.

Y si ves que es imposible escapar…, al menos intenta ser de los grandes.

Ejercicios para practicar pintura óleo o acrílico

Los grandes artistas actuales utilizan muy diversas herramientas a la hora de terminar sus obras pictóricas. Si antes los artistas utilizaban óleo o después acrílicos y antes pintura al fresco, hoy es una mezcla de muy diversas técnicas y métodos, de diversos productos y herramientas las que al final construyen la obra, pues se trata de plasmar la idea, utilizando para ellos todo tipo de sistemas o procedimientos.

Por eso es fundamental que conozcamos bien todos ellos, los practiquemos y sepamos qué pueden entregarnos, por si en un momento dado necesitamos utilizar uno u otro de ellos. Tanto de bases como de tipo de pintura o de herramienta con la que aplicamos el color.

Para ello os propongo un ejercicio muy sencillo. 

Vamos a conseguir una tabla de madera básica, de las de bricolaje, de conglomerado o de MDF. Daría igual el tamaño, pues se trata de practicar, aprender, probar sistemas. Lo primero que vamos a realizar es darle una capa de una base o simplemente de una pintura acrílica blanca diluida algo, pues se trata de lograr una base barata y sin mucha delicadeza. No es necesario ni lijar ni dar más capas, pues será una madera para practicar.

A partir de este momento ya tenemos una base, un lienzo en madera o tela enmarcada, pero siempre algo que sea barato, pues es para practicar.

En mitad del lienzo o madera vamos a pintar unas líneas de arriba abajo en negro y en verde o azul. Nos van a servir como referencia a la hora de practicar diversas técnicas. Solo es para eso.

Ahora vamos a utilizar bien pintura acrílica u óleo, pero con diversas diluciones, para poder aprender a conocer mejor la capacidad que tiene cada media de ser opaco o transparente, e incluso la capacidad que según colores tienen cada uno de ellos en ser más o menos opacos sobre las capas inferiores, a la hora de pintar encima de ellas. Por eso hemos realizado antes esas líneas negras y de color.

Según vayamos diluyendo más o menos la pintura veremos que su capacidad de ser opaca o transparente cambia radicalmente. Estamos viendo qué capacidad tiene cada color para hacer transparencias, terminaciones húmedas y difuminados.

Podemos añadir a las líneas primeras otras líneas transparentes, opacas, húmedas con bordes difuminados o secas con bordes cortantes. Podemos practicar añadiendo acrílico encima de óleo seco en forma de capas de veladuras que modifique el resultado final. Capas que podemos hacer con pinceles, con los dedos, con un trapo o una esponja para ver distintas texturas. 

Capas diluidas con material diluyente (agua o esencia de trementina o aceite de linaza por poner algunos ejemplos según lo que desees diluir. O capas que diluyas en su color añadiendo blanco pero sin diluir con medios acuosos o de aceite. Todo sirve para practicar y probar efectos finales.

Y para finalizar el ejercicio, un par de semanas después de haberlo realizado, prueba a barnizar con un pincel la mitad de los ejercicios que llenan tu panel de prueba, para saber de qué manera cambian los colores con el barniz. 

Y ten apuntado en cada prueba y con rotulador o lápiz, que has realizado en cada brochazo o con qué tipo de pintura, en cada procedimiento, por si en algún momento quieres repetirlo usándolo en una obra final.

Deberías aprender con este ejercicio pero a la vez, debería servirte como referencia (si lo guardas) para saber qué se puede lograr con cada tipo de pintura, con cada marca incluso, con cada color de los que tienes, pues cada uno de ellos se comporta de manera ligeramente (o profundamente) distinto.

Puerta del mar del escultor Juan José Novella. Corales de Almería

En el año 2008 se inauguró esta escultura (de la que mostramos una sección) titulada “Puerta del Mar de Almería” en el parque Nicolás Salmerón de esta ciudad, una obra del escultor y pintor vasco Juan José Novella que quiso representar tanto en color como en forma a los bancos de coral de los fondos marinos de la isla de Alborán.

La escultura está realizada en acero al carbono con un grosor de lámina 25 mm y un peso que supera las 4 toneladas, cortada con plasma y repasada artesanalmente en todas sus aristas, acabadas en pátina de óxido natural, que el paso del tiempo está advirtiendo de que necesita un repaso reparador.

Quino y Botero, juntos pero no revueltos

Dos grandes se juntan en esta viñeta homenaje, en este dibujo que como todos los cómic habla dos veces, con el texto y con el dibujo, o con el dibujo y el silencio. Quino que como siempre está genial homenajea al gran Botero. 

Dibujo automático para aprender a dibujar abstracto

Hablábamos antes de los trabajos infantiles de Joan Miró y advertimos que él sabía dibujar y muy bien, si hubiera querido hacerlo. Ahora os voy a proponer un trabajo muy simple para acercarnos al tipo de obra que realizaba Joan Miró. El dibujo automático, un sistema que se acerca mucho al dibujo surrealista y que nos ayudará a practicar la mano con el dibujo, totalmente alejado a los sistemas tradicionales, que sin duda siguen siendo imprescindibles para aprender a dibujar. 

Esto NUNCA sustituye a las horas de carboncillo, de luces y sombras, de apuntes del natural.

En una hoja blanca de papel (en varias hojas para poder elegir la que más te guste) y con un rotulador o un pincel cargado con tinta o con una caña, vamos a realizar una línea en negro de forma rápida y con líneas curvas, casi garabatos que se unen los unos a los otros, hasta crear una formas aleatorias.

Si no te queda totalmente centrado el dibujo, si no te gusta el resultado, si crees que se puede mejorar, vuelves a realizar otro pues ya ves que es un ejercicio muy simple y rápido. Hemos creado el primer dibujo automático, que ha salido de nuestra casualidad, de nuestro interior, de forma aleatoria. Nuestro primer trabajo surrealista.

¿Que para qué sirve? De momento para poco, si acaso para pasárnoslo bien. Si te aburre, si no te gusta, si no te lo estás pasando bien, déjalo, olvídate de seguir. Pero es una manera de jugar con el ARTE y de practicar diversas herramientas y técnicas.

Ahora vamos a colorear estas formas que han ido saliendo en el interior de nuestro dibujo. pero antes vamos a bajar a realizar unas fotocopias del dibujo o nos lo vamos a escanear e imprimir varias veces. Es caso es tener varios dibujos en blanco y negro, sin color, esperando a que nosotros le pongamos colores dentro.

Podemos jugar a pintar uno con colores, claros, otro con oscuros, uno con vicos y otro con tonos pálidos o pasteles. Uno en un momento de tristeza, otro que estamos deseando plasmar alegría, etc. Estamos jugando a crear sensaciones con colores, según el momento y el cuadro. Incluso uno lo puedes pintar hoy, dejarlo en un cajón y sin revisar pintar otro dentro de un mes, para ver los cambios.

Eso sí, en todos los casos firma la obra. ¿Que para qué? Pues para saber dónde está la esquina inferior izquierda (o derecha, según donde firmes) pues podría ser que según tu temperamento el cuadro lo hubieras terminado en una posición o en otra.

Simplemente estás representando de forma abstracta tu forma interior de sentirte, de estar, de ser en cada momento. ¿Te gusta ya algo más el ejercicio?

Joan Miró y sus inicios infantiles en pintura naif

A veces creemos que los pintores abstractos, los que nos presentan obras que no reflejan realidades, simplemente es que no saben ni dibujar ni pintar. Es un gran error y ejemplos tenemos en muchos de ellos, de sus épocas primeras, donde podemos ver obras perfectamente dibujadas y que en nada se parecen a las obras con las que han llegado a marcar personalidad y por las que han sido conocidos.

Joan Miró sería uno de esos casos. Grabador, dibujante, pintor, escultor, ceramista, grabador, además de trabajar el detalle en sus inicios cambió a un tipo de pintura naif que le inició en ese tipo de arte que busca reencontrarse con los trabajos y formas infantiles, hasta que definitivamente entró en el surrealismo y el trabajo de los sueños, de las formas y colores, de una vuelta al pensamiento artístico más primitivo, más infantil, por el que lo conocemos.

Vemos aquí dos ejemplos bien diferentes de Joan Miró. Un trabajo naif “Montroig” y otro serigráfico mucho más de sus años maduros “Sol y Lunal” donde las formas y el color marcaban su trabajo, su poesía, su pintura. Un trabajo que parece infantil, que cualquier persona puede hacerlo, fácil, con unos colores muy básicos y unos trazos muy gruesos, donde simplemente Miró se inclina por mostrarnos formas y sentimientos, líneas que delimitan o marcan separaciones indicando que todas ellas sirven y ayudan para entender mejor la obra.

Sol y Luna, separadas por línea blanca y con distintos fondos de color. Simplificación máxima de una expresión surrealista de la realidad natural.

Materiales para empezar a pintar y dibujar

Ya sé que te gusta dibujar y pintar, por eso estás en esta página, y que quieres hacerlo cada vez mejor, o al menos quieres disfrutar más de tus pequeños trabajos hasta lograr que sean grandes. Solo depende de tí. Se necesitan ganas y algunos materiales, que pueden ser baratos en un principio. No es necesario comprar los más caros, aunque es cierto que si compras los más baratos te cansarás antes pues no obtendrás los resultados que esperas.

Los lápices en negro, los que son de diversa dureza para según qué tipo de papel y de trazo suelen ser muy similares en sus resultados finales, pero en cambio los lápices de colores suelen tener una intensidad de color que depende a veces de la marca y del precio. Por eso coger los más baratos cuando sean en color no suele ser la mejor opción. Sin contar que además los de colores pueden ser solubles al agua por lo que lograrás efectos de acuarela si así lo quieres, pasando por encima de lo que hayas pintado unos pinceles húmedos.

Los carboncillos son de muy similar calidad, en cambio con los pasteles volvemos a lo mismos que con los lápices de colores, depende de la marca y el precio el que tengan colores más potentes.

Hoy se utilizan mucho los rotuladores de colores ya que cada vez hay más posibilidades y es una herramienta muy sencilla y si trabajamos con algunos que sean suaves o con colores pasteles se pueden lograr efectos interesantes.

Y además en los últimos tiempos tenemos pinceles recargables para poder llenar su depósito de pintura acuarela o témpera o acrílico, pero también de tintas, y emplearlos como un pincel rotulador. Cómodo y además nos ayuda a no gastar tanto color pues se mantiene un tiempo dentro de la carga. Eso sí, antes de que se sequen hay que limpiarlos muy bien.

Necesitamos paletas, pero a veces podemos emplear incluso las bandejas de algunos alimentos del supermercado como paletas de usar y tirar. Y poco a poco tendremos que ir decidiendo en qué tipo de pintura queremos trabajar, aunque algunas de ellas sean similares o se puedan incluso mezclar en los procesos. ¿Guache, acrílica, témpera, acuarela, óleo, tinta, pasteles?

Los pinceles deben cuidarse mucho, limpiarlos muy bien y amarlos como la herramienta imprescindible. Así que no te haga duelo en su compra y adquiere los que tengan buena calidad. Sean de pelo duro o de pelo blando, que sean de calidad. De diferentes tamaños, siempre es importante tener algunos que sean finos y de punta para dar detalles, y luego si tus obras son más de tipo expresionistas, utilizar pinceles planos o incluso espátulas. Pero también se pueden utilizar esponjas, trapos, los dedos, cañas o cualquier elemento que te puedas imaginar.

Eso sí, para aprender hay que empezar por los lápices, los carboncillos y los pinceles, y hasta que no domines estas herramientas no te atrevas con las que parecen más básicas como pueden ser los dedos o las esponjas. Hay que seguir un método de aprendizaje pues dominando las herramientas clásicas te será mucho más sencillo exigirte calidades con las herramientas más bastas y primitivas.