El Picasso más erótico, en El Sueño

La obra que dejamos hoy para disfrutar de Picasso es la titulada “El sueño” o “Le rêve” realizado al óleo sobre lienzo en el año 1932. Un cuadro cubista del artista más maduro en la pintura pues tenía 50 años, y que nos muestra a una mujer dormida sobre un sillón, medio desnuda y representando a su joven amante de aquel momento, Marie-Thérèse Walter. Esta obra en el año 2013 fue comprado en una subasta por 155 millones de dólares, convirtiéndose en la segunda obra más cara en ese momento, y la más cara de todas las obras vendidas de Picasso.

San Jorge en un Libro de horas

En este “Libro de las horas” vemos a San Jorge matando al Dragón, dibujado en el año 1510 es un ejemplo de libros hechos de encargo para laicos que deseaban hablar y orar con Dios sin la mediación de la iglesia, y para ello solicitaban les realizaran sus propios “libros de horas” donde figuraban los rezos que debían hacer cada día. Un dibujo simple, no muy cuidado, pero que tiene 500 años de antigüedad. Y hay que recordar que aquellos pequeños cuadros se iluminaban o pintaban a mano, sin utilizar imprenta, y era un trabajo de muchas semanas.

Graffiti de Joice 126, en Birmingham

Esta obra es del grafitero inglés “Juice 126” y me la encontré en una calle de Birmingham. era una obra grande, varios metros de ancha, realizada para una exposición callejera junto a otros artistas y enmarcada sobre negro. Simple pero muy hermosa, me atrapó por sus movimientos y colores. No tiene mucho más que esa sensación de realidad ficticia que parece tener vida propia.

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¿Cómo ve usted la reciente progresión, especialmente dentro del género llamado 'Graffuturism' o 'post graffiti'?

Es bueno ver... que los artistas de la calle están ahora en expansión. Sé que en los últimos cinco años es como si las mentes de todos se hubieran expandido a nivel mundial. Cuando solía mirar abstracción, era un grupo muy apretado de artistas a nivel mundial, había pocos artistas en Australia, había uno o dos en Nueva York fuera de Futura, había algunos en París, unos pocos alemanes, uno o dos en Holanda y eso era todo. Y luego de repente, no lo sé…, fue el Street Art, lo siento decirlo, pero la explosión de Street Art permitió que muchos artistas fueran más libres.

Quiero decir esto por que si miras el graffiti en varios movimientos artísticos, alrededor del 1986/87 había un hombre llamado Martin Jones que acuñó la frase 'Street Art', y esa fue la primera vez que todos empezaron a usar el término Arte de la Calle y luego todo el mundo empezó a experimentar en ese momento, ese era el tiempo que los Ángeles Cromados estaban experimentando, que era cuando Futura estaba en París, cuando fue la primera explosión de Arte de la Calle del Street Art .

En los últimos cinco años, se está cayendo sobre nuevos artistas que están experimentando con la abstracción y la escultura.

Bocetos del futuro de la coreana Lee Bul

Lee Bul nos ha ido creando piezas y máquinas, en ese futuro posible que imagina la coreana, donde caben desde objetos inanimados a vida en movimiento. Toda exposición de Lee Bul produce la sensación de posibilidad, de estar dentro de un futuro imperfecto, pero futuro posible. Así que estos dibujos, bocetos de sus obras, son simplemente los bocetos de las ideas del futuro. No los veremos, pero no podremos decir que no nos los pudimos imaginar.

Peces muertos, de un artista muy conocido

Podríais pensar que me he vuelto loco, y no, venía loco de casa. Es una obra de arte y anónima. Son cadáveres fosilizados de peces prehistóricos agrupados aleatoriamente en una superficie que asemeja a un lienzo. Ya vamos bien.

Ellos no supieron nunca que terminarían en un museo, en este caso en el museo de la Universidad de Birmingham, pero les debió de dar igual. El caso es que se asemejan mucho a muchas pinturas abstractas de este siglo XX y XXI.

Un lienzo, un espacio, una basa, unos elementos que de forma aleatoria cubren ese espacio, dotando de vida y movimiento algo plano e inerte. Es como un pequeño caos provocado por un artista, en este caso se llama Naturaleza con dosis de casualidad y un poco de aleatorio momento final. 

 

Muchas obras de estas décadas, obras caras por supuesto, no tienen la calidad plástica de esta otra obra mezcla de teatro, pintura y perfomance. Por eso está en un museo.

Guillermo Pérez Villalta y un cuadro muy teatral

Guillermo Pérez Villalta es un artista muy reconocido en el panorama español, entre el posmodernismo y el neomanierismo, no bien tratado por el mundo del arte por sus constantes críticas a lo establecido y al mercantilismo del arte, como una forma deformante de poder disfrutar y sentir con cada obra. Arquitecto de poca obra, es en cambio un artista andaluz en varios museos de toda España. En el año 1985 obtuvo el Premio Nacional de Artes Plásticas. Ha trabajado la pintura y el grabado, la escultura, la cerámica y la escenografía para obras de teatro.

Este cuadro, titulado “Personajes a la salida de un concierto de rock” es una obra del año 1979, en los comienzos de la movida madrileña de la que él formó parte desde las posiciones artísticas más rebeldes y rompedoras. Es realmente una escena de aquella vida incopiable de unos años rompedores con todo lo establecido.

San Miguel volador, matando al diablo siempre feo

Esta imagen de un San Miguel matando al mal, al demonio, al ángel pérfido, es una vuelta más de la realidad sagrada. Los ángeles vuelan y por eso pueden matar desde arriba. Está sobre el aire atravesando con su lanza el cuello del asqueroso y feo diablo. ¿Y si los diablos no fueran tan feos? ¿Realmente volaban los ángeles? ¿Existió el dragón?

Exposición de París, 1937. Pabellón de España

Josep Lluis Sert y Luis Lacasa fueron los autores del Pabellón de la República en la Exposición Universal de París de 1937, donde se expuso el Guernica de Picasso. 

Os dejo como curiosidad un plano de la Exposición de París, cuyo icono era la Torre Eiffel, y en rojo la posición donde estaba el Pabellón Español. Y también una imagen del interior del claustro interior de dicho pabellón, donde podemos ver al fondo el lugar donde estaba colocado el cuadro el Guernica de Picasso.      

Curiosidades de unos tiempos violentos, de una España en guerra que tenía que cumplir con el mundo.

La sonrisa de alas flameantes de Joan Miró

Del año 1953 tenemos hoy esta obra de Joan Miró que tituló “La sonrisa de alas flameantes” pintada al óleo sobre una arpìllera. Surrealismo puro de un Joan Miró maduro pues tenía 60 años cuando la realizó, y se compone de las clásicas formas y líneas de esa simplicidad infantil que se reconoce en casi todas las obras de Miró.

Una obra donde la sonrisa y las alas de fuego, pueden ser sólo distinguidos desde una mentalidad casi de niño, de la cual Miró hacía un uso muy extendido entre todos sus cuadros.

Xilografía del siglo XV con los Reyes Católicos

La fotografía nació mucho antes del siglo XIX, aunque no empleando papel sensible a la luz sino sistemas que dominaban con tintas. Esta xilografía es del siglo XV nos muestra a los Reyes Católicos recibiendo a un fraile que les lleva un libro escrito por él, en compañía del que presuntamente lo había escrito. 

Los libros en aquellos siglos eran un lujo para la libertad de quien tenía la posibilidad de poseerlos y cultivarse con ellos. Libertad por cierto, que no tenía nada que ver con el concepto que hoy entendemos por libertad. Era libertad para pensar, para imaginar el mundo y sobre todo libertad para hablar con Dios.

María Pilar Burges y la noche de París

Este gran mural estuvo en el salón principal del Café París de Zaragoza, y fue pintado por la artista zaragozana María Pilar Burges en el año 1959 poco antes de irse a Roma.

Mezcla la seriedad del tema de la noche de París, desde una óptica muy pop, casi neocubista, con una figuración que llena el ambiente de los iconos de esa noche parisina de fiesta, amor y alquiler. El uso de los colores es ideal para un local por su sencillez y a la vez su colorido nada estridente.

Eduardo Urculo en una obra de juventud

Esta obra de un Eduardo Urculo Fernandez es un cuadro del año 1959, es decir, un cuadro de un Urculo joven pues tenía 21 años. Es uno de sus primeros cuadros realizados nada más llegar a París donde recibes durante unos meses clases de arte en La Grande Chaumière de Montparnasse. Sin duda es una obra que poco tiene que ver con todo su trabajo posterior, pero que nos muestra sus inicios y su forma de dominar y atreverse con los colores potentes.

Grabado de San Miguel luchando contra Luzbel

Grabado del artista flamenco Hieronymus Wierix realizado en el año 1584 y dedicado a Benito Arias Montano, humanista, hebraísta, biólogo y escritor políglota español de Sevilla, a partir de un modelo de Martín de Vos. Lo tituló San Miguel y Luzbel (Diablo, Demonio, Lucifer, Satán, Satanás) en forma de un ángel con cuerpo de serpiente, más que del clásico dragón.

Picasso, sus narices y sus vivos peinados

Hoy voy a dejar un Picasso para disfrutar del sábado, una mujer con dos narices al menos, que ensimismada está pensando tal vez sobre nosotros, que la estamos contemplando. La realizó Picasso en el año 1939. La tituló “Mujer sentada acodada”, y sin duda hay que reconocerle a Picasso una cierta osadía en la representación de su peinado. ¿Sólo por su peinado?

Dos hinojos de un artista anónimo

Muchas veces no sabes bien el motivo de que una obra de arte te atrape. Puede ser de lo más simple, sencilla en su ejecución y sus planteamientos y volúmenes. Pueden ser los colores, o el juego de formas. No sé.

Este cuadro lo ví en una cafetería de Birmingham y la atrapé con mi cámara. Simplemente me gustó y deseo que os guste a vosotros. Parece un par de ramas, de raices de hinojos. Pero ni eso ni el autor he llegado a conocer bien. Pero si nos gusta, da igual todo lo demás.

Lee Bul y sus mundos futuros del presente

Esta reconocida artista surcoreano, Lee Bul, es de las que crean sorpresas, montajes de mundos extraños que te obligan a mirar de otra forma el mundo, para trasladarte sus propios mundos y hacerte dudar de dónde estás.

Su trabajo cuestiona la autoridad patriarcal y la marginación de la mujer revelando ideologías que permean nuestras esferas culturales y políticas. Estos temas toman forma en esculturas e instalaciones frías mecánicas que reflejan los ideales de una sociedad futurista que crea para nosotros y nuestros pensamientos.

En sus trabajos intenta que el espectador utilice todos los sentidos, incluido el olfativo, para que se traslade a sus mundos creados para hacer pensar y para provocar. Esta obra la instaló en Birmingham y la tituló “Subterráneo”.

Lita Cabellut, una gran artista aragonesa que no conocemos

La artista aragonesa Lita Cabellut, nació en Sariñena (aunque se diga en algunos lugares que nació en Barcelona) aunque pronto se fue a la Ciudad Condal a vivir de forma muy pobre hasta que fue adoptada con ya 12 años y tuvo su primera exposición en Madrid con 17 años. Hoy es la mujer española que más cuadros vende según la lista de ArtPrice, de los 500 artistas más reconocidos en el mercado del arte mundial, apareciendo en el puesto 333, por delante de los españoles Juan Muñoz y Miquel Barceló, y sólo por detrás de los artistas españoles Antonio López y Jaume Plensa, que componen los cinco creadores de esta lista Top 500.

Con 19 años se fue a Holanda e inició sus estudios artísticos en la Gerrit Rietveld Academy en Ámsterdam donde basó su trabajo artístico en la influencia de los grandes maestros holandeses con técnicas personales contemporáneas que la han convertido en una artista con una identidad propia y muy actual.

Trabaja siempre en gran formato, con técnicas muy similares al fresco y con una paleta de colores reducida y muy propia, donde los tonos de piel son una constante en su forma de entender el color y la formas. Sus grandes pinceladas recuerdan en algunos aspectos a la pintura de Francis Bacon.

Lita Cabellut es una artista que tanto trabaja el óleo sobre lienzo, como dibujos en papel, escultura, fotografía, poesía, poemas visuales o vídeos. Casi siempre retratos con una mirada muy especial de los encuadres y las formas.

Declaración

Si mis pinceles pudieran hablar.

Si mis pies fueran capaces de dar un paso adelante y otro atrás, para ganar la perspectiva sobre lo que yo veo.

Si en mi cabeza la confusión y la duda no reinaran.

Pues si no lloro y grito, me río. 

Si yo no estuviera deslumbrada por el blanco y movida por el añil

¡Qué soledad! 

Qué soledad tendría conmigo misma, trabajando en serie.

El proceso de la pintura comienza con el encuentro del concepto. 

Me siento en una silla y no me muevo hasta que yo tengo en mente el proyecto.

Yo ya no soy una simple pintora, soy una cuentista de relatos.

Lita Cabellut 

Las múltiples interpretaciones de una escultura de Henry Moore

Las obras de Henry Moore sirven para verlas de muy diversas formas, recortadas sobre sus cielos o buscando las partes que en cada momento más te agraden. Nunca es una obra, siempre son cien esperando descubrirlas, reinterpretarlas. Esta parece contener una luz interna que alumbra el conjunto, cuando en realidad es el sol reflejado que hace de trampantojo.

Henry Moore explica el bloqueo de esta escultura

Henry Moore nos muestra en esta escultura de bronce unas formas que titula: Pieza de Bloqueo, realizada en el año 1963.

Henry Moore explica así esta obra de arte: “Una vez estaba jugando con un par de piedrecitas que había recogido, porque en los campos detrás de mi casa había una gravera con piedras de miles de formas y contornos diferentes. Solo hay que ir allí para encontrar veinte nuevas ideas. En resumen, estaba jugando con las dos piedrecitas y que de un modo y otro estaban unidas y no se podían separar. Así que me pregunté cómo habrían podido adoptar esa posición, como un puño fuertemente cerrado. Finalmente conseguí separarlas girándose e inclinando las dos piezas hasta que se separaron. Esto me dio la idea de crear dos formas que pudieran hacer algo similar, y que después llamé así, porque estaban bloqueadas pero juntas”.

Iglesia del Monasterio de las Descalzas Reales de Madrid

Para empezar el año 2017 una gran pintura al fresco de la bóveda de la cúpula de la iglesia del Monasterio de las Descalzas Reales de Madrid. Una obra relativamente nueva, pues si bien el edificio del Monasterio es del siglo XV y XVI, esta cúpula se restauró casi al completo en el año 1863, pintado de nuevo por Antonio García Velázquez (pintor también unos años antes, de la cúpula de la capilla de la Virgen del PIlar de Zaragoza) y ayudado por su hermano Luis.

La bóveda hubo que pintarla casi totalmente al haberse quemado un año antes el edificio y dejando la pintura de la bóveda en muy mala conservación. Existía documentación y dibujos preparatorios de la bóveda, lo que simplificó la restauración.