Min Wae Aung y sus monjes birmanos

El artista birmano Min Wae Aung pintó esta obra titulada “Hacia el Monasterio” en el año 2016. Un acrílico pequeño y muy gráfico, en la línea de sus trabajo tradicionales y más comerciales, con paisajes que aun reflejando su particular estilo y sus experiencias étnicas, se mueven en un conjunto más contemporáneo, a través de los fondos, de las luces y las formas.

Monjes y monjas están dispuestos en composiciones estéticamente muy correctas, siempre con un perfecto sentido de movimiento y energía en sus obras, utilizando colores brillantes y sutilmente sombreadas y claramente delineados en negro, sobre un fondo a menudo ejecutado en una manera puntillista n contraste con las figuras para concentrarte más en ellas y sus movimientos.

Artemisa, Judit, Holofernes y Tassi

Artemisia Lomi Gentileschi fue una pintora excelente en tiempos en que estaba vedado a las mujeres aprender ARTE en las Academias Oficiales. Como su padre era un reconocido artista le buscó un profesor privado, Agostino Tassi, que al poco de tomarla como alumna la violó, teniendo ella sobre 19 años y él ya 46. Aquello marcó brutalmente la vida de Artemisa por lo que suponía en sí, por el tremendo juicio al que se vió abocada y por la deshonra que en aquellos años suponía ser una mujer ultrajada.

Se cree que esta obra titulada: "Judit decapitando a Holofernes", y realizada pocos años de la violación y el juicio, fue una forma de sacar todo su odio hacia el hombre que la violó. La violencia de la obra, sin duda nos lleva a un deseo de venganza muy claro.

Os dejo un extracto de su declaración en el juicio, que se conserva totalmente documentado. Este texto de la zona inferior, está sacado de Wikipedia.

“Cerró la habitación con llave y una vez cerrada me lanzó sobre un lado de la cama dándome con una mano en el pecho, me metió una rodilla entre los muslos para que no pudiera cerrarlos, y alzándome las ropas, que le costó mucho hacerlo, me metió una mano con un pañuelo en la garganta y boca para que no pudiera gritar y habiendo hecho esto metió las dos rodillas entre mis piernas y apuntando con su miembro a mi naturaleza comenzó a empujar y lo metió dentro. Y le arañé la cara y le tiré de los pelos y antes de que pusiera dentro de mi el miembro, se lo agarré y le arranqué un trozo de carne”.

Zeng Chuanxing y su realismo étnico

El realismo chino del artista Zeng Chuanxing que nació en Long Chang, provincia de Sichuan en el año 1974, nos muestra en sus obras una serie de trabajos donde juega con las miradas de los espectadores, para engañarnos diciéndonos más cosas de las que vemos.

Habiendo crecido entre diversos grupos étnicos, Zeng Chuanxing está familiarizado con sus propias vidas y ha desarrollado fuertes sentimientos hacia ellos que intenta plasmar en sus obras. Las mujeres de las minorías son un tema importante en sus pinturas dentro de un realismo clásico donde trabaja con profundidad y delicadeza sus sentimientos.

Zeng Chuanxing siente que los ojos y las manos de sus modelos reflejan verdaderamente el alma de todo ser humano, y tal vez por eso los personajes de sus obras son casi siempre callados y melancólicos, mostrando a través de sus miradas y sus manos, los sentimientos y actitudes hacia la vida que tienen las personas, sobre tonos grises o fríos en muchos casos. 

Zeng Chuanxing, es un artista chino en alza, sobre todo por la belleza de sus obras, pero también por la técnica con la que están pintadas, y el sentimiento que desprenden.

Teddy Kollek y Picasso. Mano a mano

Un dibujo del exalcalde de Jerusalén, Teddy Kollek, realizado en rojo y azul y fechado el 11 de diciembre de 1969, pintado en la parte final del catálogo sobre una exposición de Picasso en el Museo de Israel, se ha salvado por muy poco de terminar en la basura, según ha informado el periódico “Times of Israel”.

                                   

Los hijos del exalcalde Teddy Kollek encontraron por casualidad este esbozo, dibujado y firmado por el exalcalde y por Picasso en 1969 mientras limpiaban la casa de su madre, fallecida a principios de este año.

“Lo encontramos entre los muchos libros sobre Jerusalén de la biblioteca de nuestros padres, y estuve a punto de tirarse a la basura”, declaró la hija, Osnat Kollek.

El dibujo del exalcalde de Jerusalén, trazado en rojo y azul,  y rescatado este mes de las pertenencias de la familia Kollek, ha sido donarlo a la Fundación de Jerusalén, una organización sin ánimo de lucro que este año celebra su 50 aniversario.

Picasso simplemente firmó el catálogo, o también realizó alguna de las líneas del boceto, de la obra? ¿Fue un trabajo de una sola persona o intervinieron los dos?.

Guerrero mochica en un recipiente de carámica

La cultura Moche, la de los mochicas del antiguo Perú, dentro de su complejidad y diferencias, nos ha dejado sobre todo un gran número de ejemplos artísticos, donde la cerámica es uno de los más conocidos y mejor conservados, mostrándonos su mundo cultural, militar y religioso con sumo detalle.

Generalmente nos han llegado en perfectas condiciones, recipientes y vasijas que utilizaban para las ceremonias con sus muertos, cerámicas pintadas a mano con pinceles y que nos muestran sus forma de vida, sus personas con sus vestimentas. Ellos no inventaron en estas cerámicas, representaban la vida que tenían en esos momentos, lo que nos ha servido para conocerlos mucho mejor, casi retratando a personas o a las actividades cotidianas de su sociedad, sus animales, sus ritos, sus formas de practicar sexo, etc.

Para ellos el vínculo entre la vida y la muerte era muy profundo, y así lo representaban, con muchas cerámicas sobre la fertilidad y el sexo. Estas cerámicas eran generalmente pintadas en dos colores. Uno fuerte y uno suave, casi siempre también rojos y cremas, colores cálidos. Se realizaban estos recipientes en serie con moldes y luego se pintaban a mano.

Fue un pueblo muy artístico y son muy conocidas también sus pinturas murales. Pero era también una sociedad muy clasista, donde solo unos elegidos tenían acceso y derecho a estos elementos artísticos. Esta vasija mostrando la cabeza de un guerrero tiene entre 1.300 y 1.800 años de antigüedad.

Caballo percherón libre y hermoso. O escultura viva

Entre las bellezas posibles de cualquier campo verde natural, está la de encontrarte con un caballo percherón. No es una escultura de barro, es real y se mueve.

Que no tiene lógica si se observa desde fuera, pero está por allí paseando y luciendo “palmito”. 

Grande, hermoso, sabedor de su belleza, disfruta de su campo y su hierba. Cosas de caballos libres solitarios que va creando esculturas según se nos mueve.

Chico de cafetería, sentado y mirando. Simplemente

Iba en busca de un Museo de Arte Contemporáneo y me encontré con este joven pegado dentro de un gran cuadro, en la cafetería del entorno. Un collage que miraba.

Era una repostería cafetería de tostada con tomate o de bollería fina, y yo me senté delante del joven sentado en el cuadro…, pero no me solicitó desayuno. Tan sólo me miró en silencio.

Estaba bien pegado a la gran obra mural. El conjunto era muy distinto al detalle, impresionaba en un local sencillo y donde sólo destacaba la gran obra pictórica del fondo.

Bueno…, y la camarera…, joven y áspera, alegre y sonriente pero tersa y a la vez dura. Aunque se puede sonreír desde la rigidez.  Es Barcelona.

Trillizos naturales en una nuez sin retocar

La vida natural es simpleza y belleza a partes diferentes, depende de cada elemento. Pero a veces también tiene un componente de sorpresa. 

Encontrar un trébol de cuatro hojas es complicado. Darte de bruces con una nuez que tenga trillizos también. 

Partos naturales pero más múltiples de lo ordinario en los frutos, en las flores, en las hierbas. Curiosidades naturales.

Santa María de Oseira, en Orense. Sensación

Esta imagen del claustro del Monasterio cisterciense de Santa María de Oseira en Orense nos cuenta la primera impresión de la vida en los monasterios gallegos. Las humedades son tan tremendas, que a los visitantes nos impresionan.

Este monasterio, originario del siglo XII, denominado por algunos como "el Escorial Gallego" está situado en el concello de Cea y es la primera fundación del Císter en Galicia. En el mismo lugar y antes de realizar el primer edificio sólido existía un pequeño monasterio fundado por unos eremitas que desde el año 1141 decidieron seguir la Regla Cisterciense hasta que llegaron nuevos monjes desde el propio Claraval, de donde era San Bernardo que luego sería el papa Honorio III.

La iglesia del Monasterio de Santa María de Oseira no se iniciaría mucho más tarde siendo consagrada en el año 1239. En el siglo XIII se construyó un cimborrio con cúpula sobre pechinas en el crucero. Como era obligatorio en las iglesias cistercienses, no existen esculturas de aquellos siglos. Su explendor decayó y hasta el siglo XX y desde la desamortización, estaba vacío. En la actualidad siguen viviendo en su interior monjes del Císter.

Honorio III "doctor Boca de Miel"

Este trabajo artístico encontrado en una pared del monasterio de una iglesia gallega, nos recuerda a San Bernardo de Claraval, un santo francés Llamado "Mellifluous Doctor" (el Doctor boca de miel) por su sabiduría y arte de hablar en público. Fue Papa con el nombre de Honorio III en el siglo XII.

Pero esto es menor, para lo que quiero decir. La parte de la religión más importante que seguimos disfrutando, es aquella en la que nos ha sabido dejar durante siglos su forma de concebir el arte como sistema de explicación sencilla para las masas analfabetas de los países.

Conservamos millones de ejemplos de arte religioso repartido por todo el mundo, sea cristiano, budista, islámico o de cualquier otra religión. Y gracias a estas representaciones escultóricas, pintura o dibujos, cerámica o frescos, arquitectura o literatura, podemos conocer mejor aquellas sociedades y sobre todo aquellos miedos y temores que los dejaban acojonados para que siguieran soportando a los poderosos, garantes de la Paz Final.

Un precio muy alto, pero los listos son siempre los que ponen los precios a todo.

Que nadie calle tu verdad, por Kike Bazán

Mi verdad.

Hay que escuchar al corazón

porque si no la gente no te cree

la verdad es según con los ojos que la mires.

Cuando suspiramos se abre el corazón

y sale mi verdad 

con la sinceridad de mi alma.

Que nadie calle tu verdad

porque es importante la verdad de todos

pero más importante es la tuya propia.

Escucho a los demás 

pero tomo 

mis propias decisiones.

La respiración llévala dentro de tu corazón

para calmar tus lágrimas 

y que salga tu voz que tienes dentro.

Siempre estoy para escuchar 

tus heridas del corazón 

y curarlas con mi verdad. 

Autor.: Kike Bazán - Del blog: El universo de Kike

La soledad de la gaviota solitaria de éxito

Las gaviotas suelen ser muy solitarias. Viven en bandadas, en grupos numerosos, pero van a su aire. 

A ese aire de mar que les otorga una visión espectacular del peligro del agua brava. 

Son aves cazadoras de gangas, que saben bien los horarios de lo más fácil y en qué momento deben estar en cada lugar. 

Deberíamos aprender de ellas a volar, y a saber elegir los momentos fáciles.

Si nos damos cuenta en este caso, no es la presencia, la belleza la que la hace gavota cazadora de éxito.

Bienabe Artía y sus paisajes vascos al óleo

Bernardino Bienabe Artía fue un pintor de Irún del siglo XX que pintó sobre todo paisajes propios, de su tierra, de sus mares y sus campos, con unas formas cubistas y unos colores naturales que le otorgaron a sus obras una personalidad propia indiscutible. Esta obra, titulada “Atardecer en el Bidasoa” es de 1923, una obra muy joven pues tenía 24 años cuando la realizó. Está pintada al óleo sobre cartón.

"Su pintura no cae en el pintoresquismo o el mero folklore, y universaliza los valores vascos con la enorme potencialidad de su plástica. Los temas de figura son más característicos que los paisajes, peculiaridad, por otra parte, que se encuentra en toda la escuela vasca. Sin embargo, Bienabe Artía infunde al paisaje un vigor ceñido y denso, que a veces recuerda los mejores momentos de Regoyos. Su paleta, propicia a los acordes graves, tiene una gama extensa y bien armonizada, que concuerda con la severidad formal y el orden riguroso de la composición, remitida siempre a la conjugación de la masa con el pigmento".

Angel Marsá en la Gaceta de las Artes, Barcelona, 1954.

Rana verde escondida a punto de ser Príncipe

Yo estoy seguro que me estaba mirando. Era una rana escondida entre los cañizares muy atenta a mis movimientos. 

Las ranas si aspiran a ser Príncipes tienen que ser muy listas, de entrada. Es que es complicado pasar el examen de Príncipes. 

Esta rana yo la ví…, un poco paradica…, para ser Príncipe de cuentos no sé, no llegaba, y para ser Príncipe de Ínsulas aunque fueran Baratarias, menos. 

Pero nunca se sabe.

Playa de las Catedrales en Galicia. Uff!

La Playa de las Catedrales en Galicia es uno de esos lugares que una vez visitados ya no se olvidan. No es posible retratar en una imagen aquellas formaciones de rocas y de naturaleza que se recorre en todo un día. No es un punto, es un espacio para descubrir, para valorar la impresionante fuerza de la naturaleza. Hay puntos de inicio, varios, pero sobre todo hay también momentos. No es lo mismo con sol que lloviendo, y todos tienen su especial encanto.

Nada está muerto hasta que está desaparecido de las memorias

Nada está muerto hasta que está desaparecido de las memorias.

Crear es dar vida, lanzar al aire propuestas y desear que sean capaces de volar, de encontrar su viento y se pongan a caminar ellas solas en busca de felicidades o críticas-

Crear es poner a volar aires nuevos, siempre diferentes a los que había cuando se crearon.

Crear es osar, es incluso romper consensos, es edificar nuevos elementos que pueden romper esos consensos incluso mentales, que en su provocación pueden hacer moverse sobre todo a los que nunca hacen nada.

Crear es uno de los actos más osados de las personas.

Pero qué más da ser atrevido, si es de eso de lo que se trata al vivir.

Hay que dejar de creer en lo establecido, para simplemente dejarnos llevar por la creación nueva, que busca luces y sombras novedosas, aunque nos parezcan viejas.

Crear es sin duda dejar volar a la imaginación.

No atemos nuestros pensamientos a las cadenas viejas y rancias. Así no.

Jim Kay y el callejón de Harry Potter

 El ilustrador Jim Kay fue seleccionado por J.K Rowling entre más de 300 aspirantes para dibujar la saga de Harry Potter. Artista conceptual para libros, televisión y cine, he producido piezas de instalación para galerías, y trabajos para el cine y la televisión. Le encantan —según dice él mismo— los museos, los libros antiguos, las películas de David Lean, los crawlies espeluznantes, la jardinería y casi cualquier música de cualquier siglo. Vive en la región de Northamptonshire donde diseña y sigue trabajando el arte en su taller.

El arte de la ilustración, de la creación para papel o cine, es un camino a medio explorar todavía en el mundo artístico. Tenemos unas herramientas nuevas que son los ordenadores y todos los elementos con los que se puede trabajar en pantallas, que sin duda nos llevarán en estos próximos años por el camino de un nuevo arte que dejara pequeño el Renacimiento.

Os dejo dos secciones de la imagen “Callejón Diagón”, realizada por Jim Kay para “Harry Potter y la piedra filosofal”. Conocer su obra y darla a concoer a los que quieren empezar en la ilustración, es aprender de un gran y joven maestro, del que tenemos que aprender todos los que admiremos el ARTE.

Sin escape, pues las muñecas miraban

Sin escape

Al amanecer no recordaba nada de lo sucedido.

Sola, en el suelo, rodeada de muñecas que me miraban fijamente, pensé que saldría fácilmente del encierro.

Minuto a minuto fui comprendiendo que las muñecas no eran un simple adorno.

Sus rostros mostraban satisfacción, alegría, pero lo inquietante eran sus miradas.

Miradas intensas que me decían que jamás lograría escapar.

Autora: Flash

Nota.: Poema encontrado por esos viajes que realizo por colegios zaragozanos. Un ejemplo de que las escuelas públicas de Zaragoza trabajan muy bien la literatura, si los alumnos creen que es necesaria para ser mejores personas.

Arriba, una sección de un cuadro de Luis Feito

San Diego de Alcalá y los pobres, de Murillo

Bartolomé Esteban Murillo pintó esta obra en su juventud, con sólo 28 años de edad. No es sin duda su mejor obra, pero indica ya, unas formas de saber tratar a los personajes de una manera muy detallada, fotografiando la composición con cuidado y autenticidad, sin perder esa gracia que tienen todas sus obras en los ropajes y los rostros.

Se titula “San Diego de Alcalá y los pobres” y fue pintada en el año 1646. Trata del milagro de San Diego, que siendo el responsable de dar de comer a los pobres, él sabedor de que la comida de la gran olla se iba acabar antes del número de pobres que acuden en busca de sustento, se pone a rezar para que nunca se termine el alimento del puchero, y logra el milagro de que aquella comida efectivamente nunca se llegue a terminar.

Su cuerpo, a su muerte, no se corrompió y permaneció inalterable y por ese motivo los Grandes Señores y las familias Reales de la época, cuando se sentían muy enfermos, a punto de irse de viaje, mandaban traer el cuerpo sin pudrir de San Diego para que les diera fuerza y tal vez incluso suerte. El pobre San Diego estuvo viajando después de muerto, más que en vida.

Obra de juventud del aragonés Francisco Bayeu

El pintor aragonés Francisco Bayeu nos deja en esta obra titulada “Tiranía de Gerión” un ejemplo de sus inicios, maravillosa obra presentada en su juventud (tenía 23 años cuando la pintó) a un concurso de la Academia de Arte de San Fernando donde se solicitó a los alumnos un trabajo sobre el mítico Rey Gerión. Él estaba en aquellos años formándose en Zaragoza.

No obtiene el primer premio que era una alhaja donada por el clérigo José de Vargas (a diferencia de lo que se dice en algunos sitios) pero sí una pensión o beca para poder continuar sus estudios de pintura en Madrid; pero problemas surgidos con el artista González que era su maestro en la capital, y la muerte de sus padres, le hacen regresar a Zaragoza antes de tiempo.

Pelillos en la tripa que impiden disfrutar

Algunas plantas son muy suyas, algunas flores no quieren ser tocadas, intentan defenderse contra los insectos poniendo trabas, pelillos a la mar, púas contra los abdómenes de los voladores que osas posarse en sus bellezas naturales, para chuparles el sabor. Los vientres con pelos nunca me han gustado.

La caridad de Pero, con su padre Cimón o Micón

Este relieve está en un edificio belga, mostrando una tradición romana con más de 2.000 años de antigüedad que refleja la iconografía de la caridad a través de una hija, llamada Pero, que encuentra a su padre Cimón o Micón, preso y hambriento, ya anciano, y al que intenta confortar y alimentar con su propio pecho, dejándose amamantar por el padre, como si este fuera un bebé, como si el anciano en sus últimos años se volviera realmente un bebé. Si nos fijamos en los ojos del anciano, vemos una mirada perdida, fija, abstraída ante la caridad de la hija.

Amor filial, donde no queda claro si el padre anciano está preso de la justicia o de su edad y su futuro, de su decrepitud. El escritor romano Valerio Máximo, escribió un libro de anécdotas históricas titulado Hechos y dichos memorables sobre el año 30 d.C. donde relata esta virtud retórica.

Aniceto Marinas y sus relieves. Teruel y Madrid

La iglesia de la Santa Cruz en la calle Atocha de Madrid, de estilo neogótico de ladrillo y piedra blanca cuenta en su fachada principal de un frontón triangular en la portada que muestra un relieve del artista segoviano Aniceto Marinas con la Apoteosis de la Cruz. Es una obra de principios del siglo XX.

En Teruel tiene una de las obras más conocidas de este mismo artista, el altorrelieve de los Amantes, de la que dejamos también una imagen.

 

 

Sarcófago dionisíaco griego, con ménade tocando la flauta

Es una sección de un sarcófago dionisíaco griego (Dioniso griego o Baco romano, hijo de Dios) del año 230-240 a. C. donde vemos una ménade (una ninfa poseída por Baco, una fémina desvariada y salvaje que se deja llevar por sus instintos a costa del vino y de los vicios) tocando una flauta doble frente mientras sobre un altar en forma de columna podemos ver la cabeza de un carnero. Belleza hermosa y maravillosa.

Jorge Molder y su "Escala de Mohs"

El Círculo de Bellas Artes de Madrid nos dejó en el año 2015 una exposición maravillosa del fotógrafo portugués Jorge Molder, del que dejamos aquí una obra “Sin título” de la serie “La escala de Mohs”. 

Tierna, contundente, espléndida mirada, muy bien elegido los colores con los que quiere mantener la vida del personaje de la obra.

Qué es el Postismo, quienes fueron los postistas?

El Postismo que nace en Madrid allá por el año 1945 y dura poco, no más de unos cinco años, es una corriente artística española del surrealismo literario y de un adentramiento hacia el diseño sin dejar el arte pictórico de lado. Absorbe ideas de las vanguardias francesas literarias, poéticas, buscando un inicio de la poesía visual, del juego de las palabras y frases para provocar.

Se burla de la sociedad, del poder, de la literatura asentada, de la iglesia, y juega con las posibilidades de las greguerías y la literatura breve. El surrealismo literario trabaja la provocación y casi el desconcierto, jugando con los lectores desde panfletos y revistas literarias y artísticas, y nunca desapareció del todo, sino que se transformó en diversas formas de encarar la creación surrealista y la provocación literaria. Todavía existen ejemplos similares en algunas provocaciones perfectamente identificables.

Nadie es hoy en día postista, pero muchos beben del postismo, aunque no lo quieran reconcoer.

Buscando tu corazón…, sí…, al viento

Buscando tu corazón,

lanzo mensajes al viento.

Tu amor y mi placer;

ráfagas de un pensamiento.

Pintura acrílica en madera. Consejos sobre la madera como soporte de cuadros

La pintura acrílica no es ni mucho menos lo mismo que el óleo en cuanto a técnica, y por ello hay que adaptarse a nuevos materiales como la madera de soporte, practicando con ellos sobre todo, para aprender a dominar todo lo que se puede lograr con la pintura acrílica.

Es un pequeño consejo para quienes ya dominan el óleo y desean conocer nuevas técnicas. Las veladuras, las mezclas, los difuminados, la técnica en húmedo, son temas que hay que volver a dominar pues son formas y posibilidades muy diferentes. Mucho má amplias.

Pero sobre todo —y si no se compran pinturas acrílicas de calidad mucho más— en acrílico el color cambia ligeramente al secarse y luego otra vez al barnizarse, más cambios que los que tenemos con las técnicas de óleo. El proveedor al que le compres los materiales te informará bien de todo esto y te aconsejara según para qué deseas cada material. Y si no lo hace, que seguro lo hará y muy encantado de ayudarte, cambia de proveedor.

Si vamos a pintar sobre tablas, sobre maderas, el conglomerado es el material barato mejor para ello. Eso sí, hay que tener en cuenta que hay que darle una buena capa de imprimación (se comprar en la misma tienda que las pinturas y allí os darán a elegir varios tipos, según la técnica empleada) para que la pintura se asiente sobre una base de calidad. Y para que la madera no sea atacada por su mayor enemigo, la humedad y el agua.

Por ello hay que dar imprimación o pintura de la que os sobre, tanto en los cantos de la madera como en su trasera, para evitar que la humedad —o el agua que se pudiera caer sobre la obra— pueda afectar con el paso del tiempo al cuadro.

La madera (conglomerado) tiene sus ventajas sobre todo en cuadros de cierto peso o con una carga de pintura importante. Y sin duda, para obras en donde hagamos collage con otros materiales, pues una posibilidad del acrílico es poder añadir y pegar elementos (¿extraños?) a la obra, en su creación.

Nada como explorar y probar con nuevas bases, y sobre todo trabajar pensando en los años posteriores. Las obras tienen la obligación de durar mucho tiempo. Y la madera es un buen soporte, si tenemos algunos cuidados añadidos.

Gato para practicar dibujo con lápiz o pluma

Nadie nace sabiendo dibujar (o todos nacimos sabiendo  hasta que nos obligaron a olvidar nuestra particular forma de ver y dibujar) pero nunca no saber dibujar bien debe ser un problema para crear arte, para no disfrutar creando lo que nuestra mente nos pide plasmar como idea o como deseo de gozar mientras las manos trabajan para nosotros.

Aprender a dibujar es posible, incluso aprender a dibujar bien. Este gato os lo dejo como ejercicio sencillo para practicar. Se puede hacer a lápiz, a tinta china con plumilla o a bolígrafo. Con una estilográfica de calidad o con caña fina. No tiene porqué contener los mismos tipos de trazos finos, se pueden emplear diversas durezas de lápices, se puede colorear con pinturas de lápiz o con una acuarela muy suave.

Se trata de disfrutar, de practicar, de gozar con un papel blanco o gris suave, o crema. De sentirnos bien mientras creamos algo desde la nada, desde el papel o lienzo vacío.