Mario Ayguavives y su obra del Pablo Serrano

Mario Ayguavives, artista y fotógrafo zaragozano nacido en 1968 tiene en el Museo de Pablo Serrano de Zaragoza esta obra titulada “FMMA2” del año 2011, realizado en una impresión de tintas pigmentadas sobre canvas de algodón. Es un ejemplo más de lo que se puede conseguir con las nuevas tecnologías, en donde todo se puede sustituir excepto la capacidad de crear, de sorprender, de saber desarrollar sensaciones y sentimientos que traspiran arte y tranquilidad, sosiego o violencia y energía. Nunca se sabe, pues depende de los espectadores que miran y sobre todo ven.

Las fotografías de Mario Ayguavives son una reflexión sobre la vida contemporánea, sobre la idea de perfección, son un juego para el que se detiene frente a ellas a mirarlas, pero a la vez un reto frente a la manipulación de la imagen, para reencontrarnos con lo natural, para poder "mirarla, observarla, contemplar, reflexionar".

Se subastan 6 obras del grafitero británico Banksy

El Arte Urbano o el Arte Pop y Callejero, denostado por algunos pero reconocido por muchos otros y con más poder y calidad según se va asentando entre nuestras calles, ha entrado primero en exposiciones individuales y colectivas y ahora ya, en el mercado de las subastas. Seis de las obras más icónicas del grafitero británico Banksy alcanzaron esta semana en una subasta en Londres un total de 373.550 euros dedicada al arte callejero en la casa Bonhams de Londres.

La obra más cotizada fue "Love is in the air", “El amor está en el aire”, protagonizada por un manifestante en posición de lanzar un ramo de flores como si fuera un cóctel molotov, y que fue vendida por 105.000 euros. Esta ya icónica imagen del enigmático artista, cuya identidad muy pocos conocen, tenía un precio estimado de entre 48.000 y 72.000 euros antes de salir a subasta.

"Leopard and Barcode", un lienzo donde aparece un leopardo que se ha escapado de una jaula representada como un código de barras, alcanzó durante la puja los unos 90.700 euros. Otra de las piezas más célebres de la colección es el grafiti "Girl and balloon", reproducido en miles de estampas y souvenirs londinenses, que se vendió por unos 87.900 euros. Por su parte "Bomb Hugger", que representa a una niña abrazando una bomba, alcanzó las 49.250 libras (unos 59.100 euros) y "Happy Choppers", donde aparecen unos helicópteros militares adornados con lazos, se vendió por unos 15.750 euros, lo que duplicó el precio estimado. "Nola", la imagen de una niña protegiéndose con un paraguas de una lluvia ácida, creada en 2008 por Banksy, fue subastada por 15.000 euros.

El misterio que envuelve la figura de Banksy, así como el contundente mensaje de sus grafitis que se han convertido en iconos anticapitalistas, han aumentado el interés y la cotización por sus obras que, paradójicamente, se han convertido en piezas de coleccionista.

"Ha sido un proceso natural. La gente veía sus grafitis en las calles y reconocía su sentido del humor y el importante mensaje que contenían. Entonces se empezaron a coleccionar y a subastarse porque la gente quería tener esas obras callejeras en sus casas", dijo el responsable de arte urbano de la Sala Bonhams durante la presentación de la colección. Desde que empezó a pintar en las paredes inglesas hasta hoy, Bansky es un nombre asociado a la modernidad y a la reivindicación política, y algunas de sus obras han terminado en manos de celebridades como Brad Pitt y Robbie Williams.

Icy y Sot. Arte Urbano en Irán

ICY (1985) y SOT (1991) son dos hermanos artistas plásticos y urbanos de la ciudad de Tabriz en Irán, que comenzaron su carrera profesional en 2008 habían subido trabajos previos ya en 2006 y que influyeron en más amigos comunes a que practicaran el arte callejero. 

Sus obras son la paz, la guerra, el amor, el odio, la esperanza, la desesperación, los niños, los derechos humanos y la cultura iraní. Los dos hermanos han llevado a cabo numerosas exposiciones y trabajos urbanos de obras tanto en Irán como en otros países. Dejamos aquí un ejemplo de su trabajo, con un muro de unas viviendas derruidas en Irán.

La línea muy fina entre la locura y la genialidad

Al entrar en la sala de exposiciones, un cartel te recibe con este mensaje. Es una buena manera de saber donde entras y de dejarte sorprender desde el primer instante en que penetras en sus salas. 

Dentro te esperan una buena colección de arte joven y contemporáneo, de arte urbano que sorprende por su delicado trabajo en algunas de sus muestras. Pero el comienzo, ya avisa de ello.

“Hay una línea muy fina entre el genio y la locura; pero solo desde la perspectiva de quien no es ninguna de las dos cosas”

El Centro de Historias de Zaragoza cumple perfectamente su trabajo

El Centro de Historias de Zaragoza es un lujo un poco alejado de los circuitos culturales y expositivos de lo que es el centro más turístico de la ciudad, pero su sentido, sus contenidos y sus exposiciones son un pequeño lujo para una ciudad bastante parada en actividades de calidad, arte contemporáneo o recopilaciones artísticas dirigidas a todo el mundo. En estos momentos son cuatro los trabajos que se exponen, variados y de gran calidad, en donde el Ayuntamiento de Zaragoza ha trabajado muy duro.

Una vida de tebeos, recopila una historia que nos ha llenado nuestra infancia en una recopilación que nos sirve a todos para conocer mejor nuestro pasado infantil o para conocer el de nuestros padres.

GRAFIKA es una excelente muestra de 30 artistas jóvenes de la España joven, sobre la cultura urbana que nos llena las calles de otra manera de contemplar el arte. Algunos trabajos son excepcionales y nos muestran caminos nuevos en el arte contemporáneo.

Closer to home, es la tercera exposición con 12 creadores extranjeros con particulares contactos vitales con Aragón, en muchos casos por ser ya aragoneses vividos y trabajados.

Por último se nos muestra "Belin y su bosque encantado", con unas muestras de caras que producen sobrealiento y un trabajo muy bien distribuido en un espacio del que se ha sabido sacar un gran jugo artístico, siendo simplemente una esquina de calle, pero trasladada al interior de un museo.

Desde este blog, nuestro aliento más grande a todos los que logran programar con serias dificultades económicas, estas exposiciones que están a la altura de los circuitos artísticos de las grandes ciudades españolas.

Interpretando "Pájaro en el espacio" de Joan Miró

Pájaro en el espacio. Un acrílico sobre lienzo de Joan Miró del año 1976. Miró es primitivo en su ARTE, es casi prehistórico, no es infantil excepto que entendamos que el arte de los primitivos africanos o primitivos europeos en sus cuevas son ejemplos de arte infantil.

Joan Miró refleja el movimiento, vuela sus objetos en el aire como quien danza sobre un escenario, mostrando movimientos, trayectorias, giros y direcciones. Y además agrupa sus trazos, sus personas, sus animales, sus dibujos que representan vida.

En este cuadro Juan Miró nos refleja el movimiento de una bandada de pájaros cruzando un horizonte y guiados por una cabeza que tiene muy claro hacia donde ir. Tenía 83 años cuando pintó este cuadro, reflejando con unos simples trazos un gran movimiento de vida, de proselitismo, de seguidismo animal.

Número Uno de Antena3 nos ha traído muy buena música al salón

La música española, la música pop o la música popular que resulta más fácil de llegar a los espectadores, había dejado de viajar por la televisión dejando un hueco que hoy se ha intentado llenar en espera de sus resultados, por el programa de Antena3, “Numero Uno”. Es de agradecer la gran amplitud de palos, de tipos de música representados, de la calidad de los concursantes y de una muy cuidada puesta en escena. El jurado no es el protagonista, lo son los músicos y sus actuaciones y eso es un detalle que debemos aplaudir.

Sí, es un concurso, se juega con que sea espectáculo, con que tenga audiencia, y es posible que incluso por los grandes ataques de Telecinco contraprogramando para restarle audiencia, no logre funcionar. Pero es lo que tenemos ahora, una gran pelea por conseguir las migajas de la publicidad. Pero mientras tanto soñaremos por que la música en directo vuelva a la televisión y surjan nuevas voces, nuevos artistas que llenen los escenarios con garra y poder. Como toda la música es ARTE, nosotros desde aquí felicitamos y apoyamos todo intento por lograr que la música nos entre aun con sus limitaciones por los formatos. Mañana esperaremos a ver las audiencias para saber de su futuro como programa. Es así, y así lo admitimos todos. Escuchar a Pablo Alborán como guinda en el programa, ya ha sido un premio para los espectadores.

Anuncio de un taller mecánico. Talleres Borja S. L.

La publicidad también puede ser ARTE. La publicidad vieja es más complicada de ver, pues los años no pasan gratuitamente y hoy sería mucho más complicado lograr los mismos efectos con mensajes iguales.

Este anuncio de unos talleres mecánicos juegan con el mensaje subliminal de los calendario Michelín de la época, en donde la figura femenina era una constante, asemejando tal vez que tener coche era asunto de hombres muy viriles que solo soñaban con mujeres ligeras de ropa. Como es lógico este idioma publicitario sigue utilizándose pero de forma mucho más elegante, menos marcada, con más calidad y sin recurrir tan directamente a una dama que enseña sus bellas piernas mientras se decide a cambiar una rueda. Hay una parte de la sociedad que se queja constantemente del uso de la figura de la mujer en la publicidad, sobre todo cuando se utiliza más como un objeto complementario al producto que se anuncia. Pero muchas veces nos olvidamos que siendo criticable algunos usos, es mucho más grave el manejo que constantemente se hace de otras figuras que también sirven para que consumamos. Desde los niños a ciertos segmentos sociales, que difuminamos con criterios que nos resultan más aceptables pero que son simplemente utilizados para vender más.

Pero volvamos al anuncio. Juega perfectamente con los colores, encuadra tal vez algo irregular el dibujo, juega con el aire que mueve las ropas algo que hoy se hubiera evitado pues ahora no se necesitan excusas, y todavía le queda hueco para explicarnos con claridad cuales son sus especialidades. Un genio el dibujanto que todavía les queda el detalle de ladear un pie buscando la fuerza para mover el gato del coche. Como poco, simpático.

Joan Miró en Zaragoza, mostrando "El mundo de Ubú"

Quien conozca la obra de Joan Miró, genial pintor, escultor, ceramista o grabador español puede pensar que sus dibujos, grabados o pinturas, naif y simples, son trabajos artísticos muy planos, en dos dimensiones muy simples, que reflejan un mundo infantil. 

La realidad es bien distinta si nos adentramos en su mundo artístico con enormes trabajos en cerámica o maravillosas esculturas de tamaño grande. Pero no tanto es conocida su onírico trabajo teatral, con diseño de personajes, vestidos o telones de obras, de las que la Sala Sástago de Zaragoza nos presenta algunos ejemplos en su sala de arcos.

Pero además tenemos ocasión de ver en la exposición “Miró y el mundo de Ubú” una amplia serie de sus trabajos litográficos sobre la figura de Ubú en un trabajo que recrea el teatro de marionetas, con unos dibujos que se presentan como escenografías teatrales, algunos realmente muy diferentes a los dibujos clásicos de Miró, más parecido a trabajos de cerámica que de dibujo.

Una excelente ocasión para conocer más la obra diferente de Joan Miró, en esta exposición de la Sala Sástago de la Diputación Provincial de Zaragoza, que se expone hasta el 3 de junio. Son 145 obras: cuatro ninots, ochenta litografías, veinte dibujos, fotografías, documentos y una película integran esta muestra. 

El presidente de la DPZ ha resaltado que estas 145 piezas de Miró están dedicadas al personaje de 'Ubú rey' y ofrecen "las reflexiones de Miró sobre el absolutismo o el abuso de poder" a través de personajes ficticios como 'Ubú' o 'Mori el Merma'. 

Para Miró, "fue una obsesión permanente" el personaje creado por el dramaturgo francés Alfred Jarry, 'Ubú roi' que lideraba "una nación inventada", y "veía paralelismos entre el jefe del estado", el dictador Francisco Franco, y Ubú, ha explicado Pere Serra, amigo del pintor, al subrayar que Miró "se entregó en cuerpo y alma a esta obra".

El Grand Palais de París acogió en 2012 una antológica de Helmut Newton

Una exposición en El Grand Palais de París recoge por primera vez en Francia en el año 2012 una gran antología del fotógrafo de origen alemán (aunque australiano de adopción pues tuvo que huir de su Alemania natal en la II Guerra Mundial por ser judío) Helmut Newton.

Considerado uno de los mejores fotógrafos del siglo XX, refleja siempre imágenes sensuales llenas de glamour y seducción en sus dobles miradas, que obligan a quedarse parado ante ellas en busca de algo más que ese instante fotográfico del disparo. Su formación como fotógrafo de moda le llevó a tratar —sobre todo en blanco y negro— a la mujer desnuda con una delicadeza y unos puntos de vista, realmente novedosos para los momentos en que publicaba sus imágenes.

Esta modelo de la imagen, como una Venus mirándose ante el espejo, posa con tan solo unos tacones y unos pendientes frente a todo un París. Los tacones de aguja son también una de las constantes en la obra de Helmut Newton (Bergstrom, sobre Paris, 1976 © Helmut Newton Estate).

Francisco Valladares se nos va a descansar, que se lo merece

Debe hacer un año cuando vi a Francisco Valladares en el Teatro Español de Madrid, en la obra “Las de Caín” haciendo de tío Cayetano. Trasmitía optimismo y sorna, como siempre, llenaba su espacio teatral con tamaño y aureola de gran actor. 

Era querido y respetado y sus trabajo muchas veces muy recordados. Pero su gran voz es la que personalmente me queda más dentro, a la hora de recitar magistralmente poemas de lo más diversos, a los que les otorgaba una vida que trasmitía calidad y sinceridad. 

Ha sido doblador de grandes actores, pero su gran amor era el teatro aunque se le recuerde mucho más por sus apariciones en televisión. Ha fallecido sobre todo una voz, una forma de aparecer en escena, de saber hacer creernos que sus personajes eran reales.

Hoy ha muerto un gran actor español, Paco Valladares, otro más en una semana dura para el teatro y el cine español tras la muerte de Pepe Rubio. Que descansen, que se lo merecen.

Francesc Català-Roca en la Lonja de Zaragoza

La Lonja de Zaragoza en colaboración con la Fundación Barrié y “La Fábrica” nos están mostrando desde el 3 de febrero hasta el 23 de abril de 2012 una excelente exposición del fotógrafo catalán Català-Roca.

Català-Roca es sin duda uno de los grandes exponentes de la fotografía documental, de ese tipo de instantánea que hay que ir a cazar a base de muchas horas paseando en su búsqueda por las calles de pueblos, ciudades pequeñas o grandes ciudades, conociendo el momento social y las particularidades de la gente. No sin base se dice que Francesc Català-Roca es considerado en Cartier-Bresson español. 

Son fotografías en muchos caso sin recuadrar, tal y como el propio fotógrafo negativó en su momento, que nos muestras una España hoy desaparecida de las décadas 50 y 60, donde se mezclan estampas maravillosa de aquellas España rural pero también de las calles más céntricas de Madrid y Barcelona. Una exposición para disfrutar y en donde a la memoría nos vendrán algunas imágenes que ya conocemos por haber sido publicadas en libros de historia pero muchas otras totalmente sorprendentes de unos tiempos que ya no existen. Exposición por cierto muy bien montada para ver pero también para aprender.

Juan Agustín Ceán Bermúdez y Goya, dos amigos que se subastan

Se va a subastar en Holanda un Goya, en concreto el óleo 'Retrato de Juan Agustín Ceán Bermúdez', cuadro fechado sobre 1792 y de un tamaño de 88 x 122 centímetros, que saldrá mañana a la venta por 2,4 millones de euros en Maastricht. Sin embargo, esta obra no puede salir de España, porque el Ministerio de Cultura español la ha declarado no exportable. 

Juan Agustín Ceán era amigo de Goya y de Jovellanos, y aquí le vemos sentado para ser pintado en un cuadro de grandes brochazos sin mucho detalle excepto en el rostro, para que toda la mirada de quien contempla el cuadro se nos vaya a su cara, al rostro que parece que nos está mirando.

Parece que del mismo tiempo es también un cuadro de la esposa de Juan Agustín, por lo que se supone pudo ser un cuadro de encargo aunque la amistad entre ambos era profunda. En el cuadro tenía unos 43 años de edad Juan Agustín. Su carrera profesional estuvo vinculada a la administración del Estado, con cargos como primer comisionado para la organización del Archivo de Indias en Sevilla, en 1790, u oficial de la Secretaría de Gracia y Justicia en Indias, en 1798.

Paralelamente, desarrolló una intensa actividad como historiador del arte y la arquitectura españolas. Su obra más importante, y por la que es más apreciado y conocido, es el Diccionario histórico de los más ilustres profesores de las bellas artes en España, publicado en seis tomos en el año 1800.

Marc Chagall en Madrid, por Fundación Caja Madrid

La Fundación Caja Madrid junto al Museo Thyssen en Madrid han presentado unas excelentes exposiciones sobre la obra de Marc Chagall, que están siendo muy visitadas por madrileños y turistas. Hay que hacer algo de fila para entrar en las horas más concurridas.

Mientras que en el Museo Thyssen podemos ver obras desde el periodo de 1909 a 1947, en la sala de Fundación Caja Madrid en la plaza de San Martín podemos contemplar obras de Marc Chagall desde 1948 a 1985. Una excelente ocasión para conocer mejor a este gran artista francés que además de pintura o dibujo realizó cerámica y escultura. No dejen de ver su colección sobre el circo, unida a los sueños del propio artista sobre ese mundo que le cautivó y que también supo llenar de color y vida en sus obras.

Las visitas son hasta el 20 de mayo, y al de Fundación Caja Madrid son gratuitas.

Columnas rasgadas mientras se sujetan para que no huyan

 

No es fácil explicar los qué, los por qué, los para qué, los… ¿y para qué?

Crear algo es simplemente ver que toma forma, crece y se te escapa hacia una dirección, es intentar sujetarlo y ver que tiene fuerza y toma un camino para querer huir de tus manos. 

Crear es también criticar, contemplar y opinar, romper y destruir, soñar con el siguiente proyecto. 

Esta pequeña imagen está construida de la nada, digitalmente empleando luego para “atarla” un recorte de una mala imagen copiada de algún lugar voluntario. 

No es una cortina rasgada, es una serie de columnas que se pliegan al deseo inevitable de ser recogidas para que no se nos marchen de viaje. 

Sí, el nudo ha quedado muy grande, pues nos ofrece unas columnas muy pequeñas por comparación, pero lo que intentaba mostrar lo he conseguido, con sus errores incluidos.

La Virgen de la Leche, de Berruguete

Durante el reinado de Isabel la Católica, Pedro Berruguete, un pintor de Paredes de Nava en Palencia, era considerado el mejor pintor religioso flamenco, que trabajó para muchas iglesias castellanas por encargos de muy diversos grandes hombres de la época.

Una de sus obras más conocidas es “La Virgen de la Leche” de las que hay varias obras diferentes del mismo autor, en donde mezclando pinceladas de arte nórdico y arte italiano nos muestra a una muy joven Virgen María amamantando con sus pechos al Niño Jesús. En este cuadro del Museo Municipal de Madrid, la Virgen está sentada enmarcada entre detalles góticos y renacentistas y un techo mudéjar como queriendo dejar constancia de las tendencias artísticas de aquellos años. Es un oleo pequeño sobre tabla de finales del siglo XV.

En este tipo de pintura es muy normal que la Virgen mire al niño mientras este se distrae momentáneamente mirando hacia el pintor, como en una instantánea fotográfica.

Los Ballet Rusos de Diaghilev, excelente muestra cultural de CaixaForum

Varias veces hablamos aquí de la necesidades de convertir las exposiciones o los museos en centros abiertos a la pedagogía, no solo a mostrar sino también a enseñar. Una exposición es como un libro abierto en donde el espectadores adentra en busca de sensaciones. Pero con excesiva frecuencia las exposiciones o museos son libros llenos de imágenes, pero con poca interactividad, poca letra informativa y poco vídeo. A nadie se le obliga a tenerse que leer grandes párrafos de texto explicativo, pero si está, es posible que a quien le interese le sirva para conocer mejor lo que allí se expone, enseñando un paso más de la cultura, del momento, del realidad que llevó a crearse el conjunto de obras que se exponen.

CaixaForum con frecuencia trabaja muy bien el concepto global de la explicación junto a la muestra. En su última propuesta en Madrid de “Los Ballet Rusos de Diaghilev” además de una excelente muestra de sus vestidos, de su cartelería, acompaña toda la entrega con amplia información del momento histórico, la participación de artistas españoles en todo el proceso creativo de los ballet rusos, de lo que supuso en aquellos momentos y los motivos por los que se creó unas técnicas depuras y exigentes que hoy siguen sorprendiendo. Exposición muy recomendable pero sobre todo para aprender a diferenciar las distintas maneras de presentar un trabajo, para que sea además pedagógico y útil y no solo contemplativo.

Esta exposición organizada por el Victoria & Albert Museum de Londres y traída a España por CaixaForum quiere rescatar la figura de Serguéi Diáguilev (Nóvgorod, 1872 - Venecia, 1929) a través de su compañía de danza, los ballets rusos, sin la cual no podría entenderse la evolución de la danza en el siglo xx. La exposición muestra un recorrido por los escenarios y los acontecimientos más importantes que protagonizó la compañía en sus veinte años de existencia. Su éxito proviene de la apuesta por la renovación del lenguaje visual, tanto en la coreografía como en la escenografía, y del lenguaje musical. La característica esencial fue la reducción de la danza al cuerpo humano para expresar historias y emociones, ello explica el desarrollo del virtuosismo de sus bailarines. Uno de los ámbitos de la exposición dará a conocer la actividad de los ballets rusos en los escenarios españoles, el enriquecimiento mutuo a partir de sus aportaciones artísticas y culturales y el establecimiento de colaboraciones con creadores artísticos españoles que significó la presencia de España en el más alto contexto artístico internacional del primer cuarto de siglo.

The Artist, mejor película "muda" de este año

La película The Artist tras conseguir 5 Oscar y 3 Globos de Oro nos debería hacer recapacitar sobre hasta donde estamos llevando el cine (o al sociedad) en estos años revueltos.

No resulta muy entendible que en el año 2012 se le entregue tanto premio y tan importante a una película muda, en blanco y negro y con un perro como protagonista novedoso. 

Elementos todos que deberían haber llevado a la película francesa a ser reconocida pero no precisamente con los mayores premios del cine mundial. Es tanto como reconocer que en este año ninguna película sonora, en color, con elementos actuales, relatando historias de este nuevo siglo, han sido peores que The Artist. 

Reconocer esto debe ser duro para los que se dedican a escribir guiones, a los que trabajan en el cine, desde actores a todo el elenco de artistas del mundo cinematográfico. No estoy diciendo que no sea una película brillante, maravillosa incluso en algunos momentos. 

Simplemente estoy dudando de que sea positivo reconocerla como la mejor, a costa de las que han quedado peores. 

La vuelta a idiomas viejos, aunque sean tratados hoy con todo el mimo y cuidado, me da miedo.