Logo Madrid 2020 es (casi) logo Madrid 20020

El logotipo de Madrid 2020 es una idea del aragonés Luis Peiret, autor primero y antes de ser modificado, del logotipo de la candidatura olímpica Madrid 2020, quien ha dicho que, aunque le gusta más su propio diseño original que el resultado presentado hoy, ya era consciente de que sería alterado porque las bases del concurso pedían "ideas, no logotipos". "Las bases ya lo decían: los estudiantes proponíamos ideas para el logotipo. Lo que ha ganado el concurso es mi idea, no mi logotipo, y yo ya sabía que un estudio lo iba a rediseñar", comentó Peiret, nacido en Barbastro (Huesca) hace 22 años y estudiante de diseño gráfico en la Escuela Superior de Diseño de Zaragoza.

Tras ver el logotipo original hemos adivinado que lo que parece un “20020” en realidad es una “M” cortada, más un “20” que completa la leyenda. Jope la modificación, que convierte un logo claro en un logo lioso y repipi. La agencia publicitaria Tapsa, que se ha encargado del diseño, "ha cambiado los colores, la tipografía, la forma y el mensaje de M-20, porque ha recortado las letras".

"Pero todo esto es ahora problema del estudio", añadió Peiret, que hasta hoy, cuando el logotipo se presentó en la sede madrileña del COE, no conoció el resultado final de su proyecto. El logotipo se inspira en la Puerta de Alcalá. En el diseño original, cada uno de los cinco vanos del monumento lleva uno de los colores de los cinco aros olímpicos. En cambio, en el resultado final se elimina el negro y se sustituye por el morado. "En el logo original estaban los cinco colores de los aros olímpicos, incluido el negro", confirmó Peiret.

"Lógicamente me gusta más el mío, porque es mi trabajo. Pero el que han presentado está chulo también. Al fin y a cabo lo ha trabajado un buen estudio, y yo soy solo un estudiante", comentó el estudiante ganador. El premio para el ganador de concurso es "una beca destinada a cubrir los gastos de matriculación para cursar estudios en el centro o escuela que elija, siempre que el curso escogido contribuya a completar su formación" y por un valor máximo de 6.000 euros.

CAI Luzán muestras 47 visiones distintas sobre "El Paisaje"

Si os gusta la pintura, el arte, contemplar una buena y amplia exposición, muy variada en los diversos modos de entender el paisaje a la hora de trasladarlos a un lienzo o a un simple papel, no dejéis de visitar la exposición “El Paisaje en la colección CAI” que la Caja Inmaculada presenta en la Sala Luzán de Zaragoza, en el Paseo Independencia.

Entrada libre desde las 19 a las 21 horas, de lunes a sábado, hay tal diversidad de modos pictóricos o de otras calidades artísticas, que casi es imposible que no te sorprendan algunos, no te encantes más de uno. Son 47 obras de la colección propiedad de CAI a través de las obras que adquiere por prestar sus locales a exposiciones de artistas muy variados. 

Más de la mitad de estas obras son de artistas aragoneses, y hay tanto pintura como escultura, fotografía, grabado o cerámica. Durante un mes se podrá ven en Zaragoza para después y tras una selección de las obras, se expondrá por diversas poblaciones de Aragón, par que las puedan contemplar desde toda la comunidad aragonesa. Son obras que se han ido incorporando a la colección de la CAI durante los 50 años que lleva su Servicio Cultural exponiendo obras de muy variados artistas aragoneses o no.

La obra que dejo en la entrada, es una fotografía de gran tamaño del aragonés Felix Navarro.

Picasso pinto hace 50 años este “El pintor y la modelo”

Son bastantes las variables que como un modelo de pintura y grabado que se repetía en su temática y encuadre, realizó Picasso con el título de “El pintor y la modelo”.

Este ejemplo que os dejo está en el Museo Reina Sofía y es del año 1963. Picasso vuelve la pintura sobre sí misma en la serie El pintor y la modelo, 1963, generando un pliegue meta-artístico irresoluble, ofreciendo una perspectiva única del ocaso de la pintura como medio privilegiado de experimentación de vanguardia.

Ibercaja presenta en Zaragoza "Andy Warhol. Portraits"

La exposición de Ibercaja "Andy Warhol. Portraits" nos trae a Zaragoza 99 piezas del padre del Pop Art, en una muestra que recorre la vida, técnicas y proceso de trabajo del artista americano a través de sus retratos serigrafiados, fotografías y primeros dibujos.  

"Esta exposición es una oportunidad única para poder conocer el panorama completo del retrato en Andy Warhol porque recorre toda su vida y todas sus técnicas y el proceso de trabajo", señaló ayer la comisaria adjunta de la muestra, Lola Durán, durante la presentación de la exposición.

La muestra, que podrá verse en Zaragoza desde el próximo jueves al 22 de abril en el Patio de la Infanta de Ibercaja, ya se presentó, entre otros lugares, en el Museo Andy Warhol de Pittsburgh (Pensilvania, EEUU), el mayor del mundo dedicado a la obra de un solo artista. Entre las 99 piezas que forman su recorrido, valoradas en más de 14 millones de euros, podrán verse pinturas dedicadas a Truman Capote, Martha Graham, Sylvester Stallone o Marisa Berenson, retratos familiares de Warhol (1928-1987) y la primera foto que se conserva del artista, tomada en 1932, cuando tenía 3 años.

La muestra también incluye instantáneas de fotomatón de cuando se graduó, dibujos de formación y las caricaturas que hacía a sus profesores en los años cuarenta en el colegio, "que son considerados como sus primeros retratos", ha explicado Durán. Además incluye sus trabajos de los años cincuenta como publicista, figurines de moda, retratos que realizó por encargo, serigrafías, pinturas y obras "raramente expuestas al público" por sus problemas de conservación como son los fotomatones, las polaroid o las "fotografías cosidas". La novedad radica en que, a diferencia de otras exposiciones que se han podido ver en España y que empezaban en los años sesenta, esta abarca desde los cuarenta, según Durán.

Según palabras de la conservadora del Museo de Pittsburgh, Amber Morgan, las 99 piezas que componen esta exposición son una "ínfima parte" del más de un millón que se conservan en el Museo, que llenan miles de cajas, algunas de las cuales "ni siquiera aún" han abierto para catalogar su contenido.

El Arte es lo que tú quieras que sea Arte

Muchas veces el arte se nos presenta delante de nosotros en forma de una iluminación, del conjunto o mezcla de unos elementos de diferentes colores que se mezclan en un momento determinado, en una encuadre selectivo o casual, en un instante en el que la luz es diferente.

Esta —mala— imagen es de una zona de la playa de Barcelona. No había luz por unos minutos ni cámara fotográfica en condiciones, refleja un instante determinado que unido a los sentimientos personales del que observa, pueden ser un excelente momento para la reflexión, la contemplación o el disfrute.

Esto es también el ARTE con mayúsculas. Hay que simplificar el arte para llevarlo a la gente, Enseñar a mirar y a disfrutar. A ver y contemplar lo diferente que pueden ser los objetos si los miramos de manera diferente, si los acompañamos de sentimientos o de ganas de que nos digan algo más que en otras ocasiones.

El ARTE es sobre todo saber mirar y ver. Contemplar y que se nos muevan las entrañas. Disfrutar y valorar el instante. El ARTE es lo que tú quieras que sea ARTE.

P.D. Sí, sobra la grua de la derecha, pero puedo jurar que no la vi en el momento importante  de la contemplación. No existía. Ahora ya no tiene ninguna importancia, pues el ARTE se produjo allí y no ahora y aquí. Seguro que la torre de vigilancia no debería tocar nunca el edificio, pero allí, tampoco lo tocaba. Lo de menos es la fotografia, lo de más es la contemplación en aquel momento.

Sobre el azul del mar, bailaban rompiendo la tranquilidad

Bailaban sobre los reflejos de las maderas, sobre las líneas rotas onduladas que les marcaban el ritmo. Se movían hacia adelante o hacia atrás, buscando los reflejos dorados y las líneas que se movían según ellas mismas cambiaban las aguas. 

Jugaban a romper líneas, a rebelarse contra la tranquilidad del agua. No querían seguir siendo unos simples animalitos obedientes y callados. 

Querían dejarse notar y lograr cambiar su entorno. Nosotros simplemente observábamos con envidia, al no ser capaces de lograr sus sueños.

Clyfford Still, pionero del expresionismo abstracto americano

Clyfford Still fue un pintor estadounidense que investigó y practicó el Expresionismo abstracto, como un nuevo método de expresión tras la Segunda Guerra Mundial, siendo todavía en la actualidad muy reconocido por sus trabajos al oleo de gran tamaño.

Él y su obra salieron en vida poco de EEUU pero hoy se pueden admirar en los mejores museos del mundo. Esta obra, de 1951, se puede contemplar en el Museo Reina Sofía de Madrid. Sus grandes campos de color, gruesos y en relieve en alguna medida, le confieren un poder de atracción muy amplio dentro del expresionismo abstracto. En la actualidad hay un Museo Clyfford Still en la ciudad de Denver en Colorado.

Los primeros 50 años de Luis Alegre

Todos los países necesitan a sus embajadores culturales perpetuos que admiren y sepan vender su territorio y a la vez sean muy respetados en las embajadas vecinas, en los foros culturales a los que afecta.

Zaragoza tiene desde hace muchos años a Luis Alegre, profesor universitario, escritor y periodista, pero sobre todo amigo de sus amigos que son muchos.

Director de cine, agitador cultural, actor secundario, presentador de televisión, entrevistador de amigos culturales e Hijo Adoptivo de Zaragoza desde 2002.

Esta semana cumplió sus primeros 50 años y recibió la sorpresa y visita de los amigos Ana Belén, Antonio Resines, Víctor Manuel, los hermanos Trueba, María Barranco, Jorge Sanz o Santiago Segura, en representación del mundo de la cultura que conocen mucho mejor Zaragoza de la mano del cicerone Luis Alegre. Impagable tu trabajo que con tanta gracia y gozo haces por Zaragoza. Felicidades, vecinos del Rabal.

http://eszaragoza.blogspot.com/2012/01/luis-alegre-cumple-50-anos-nadie-lo.html

Natalio Bayo dona 294 grabados al Museo del Grabado de Fuendetodos

La sala 'Ignacio Zuloaga' de la localidad zaragozana de Fuendetodos —localidad natal de Goya— acogerá desde el 14 de enero de 2012, la exposición 'Natalio Bayo; Estampas', una muestra compuesta por 40 obras del artista aragonés, que ha anunciado la donación de 294 piezas artísticas de su trayectoria durante los últimos cuarenta años. Un ejemplar de cada uno de sus grabados realizados en estos últimos años, para el Museo del Grabado de Fuendetodos.

Natalio Bayo, nacido en Épila es un pintor, grabador y dibujante con una gran cartera de trabajos en su haber, uno de los referentes del arte aragonés del siglo XX y que tiene el Premio San Jorge desde el año 1970, formando parte del grupo artístico Azuda 40.

Natalio Bayo ha explicado que el motivo de la cesión de su obra responde "a un deseo personal de donar a Aragón" buena parte de su trayectoria artística, y la elección de Fuendetodos para esta exposición fue "obvia, por su importancia pasada como lugar natal de Goya y por el esfuerzo presente de impulsar el patrimonio artístico desde el municipio".

En la creación artística de Natalio Bayo, cualquiera que sea la expresión técnica elegida —dibujo, acuarela, óleo, grabado, cartel, ilustración— "se impone siempre con rotundidad un conjunto de elementos formales y figurativos, que van desde el predominio del dibujo hasta su peculiar universo iconográfico, con los que queda configurada una fuerte personalidad artística", muy del Renacimiento, muy italiana, buscando una representación de personajes que trasmiten vida con una historia dentro.

La exposición de 'Estampas' de Natalio Bayo Rodríguez (Épila (Zaragoza), 1945) se inaugura este sábado, día 14 de enero, a las 12.00 horas en la sala Ignacio Zuloaga de Fuendetodos, donde se podrá visitar hasta el 25 de marzo, la selección de 40 grabados del total de 294 entregados como donación por el artista a Fuendetodos.

César Baldaccini, un escultor de variados materiales

César Baldaccini fue un escultor francés del “nuevo realismo” que tras trabajar con el metal y restos de vehículos se adentró representando insectos para terminar su periodo artístico reflejando grandes dedos pulgares por las calles francesas, que no siempre fueron bien asimiladas por los ciudadanos que se los encuentran por Francia. Pero son obras muy bien integradas en las vías urbanas, lo que les entrega un carácter más social, pues no siempre las grandes obras deben estar encerradas en Museos.

César Baldaccini es considerado una figura emblemática del arte del siglo XX con el uso de materiales muy diversos, desde chatarra comprimida a diversos plásticos fundidos. "Creo que todos los materiales son materiales de escultor. No me parece que haya límites en la elección de los materiales. Es una cuestión de libertad y sensibilidad, es una cuestión de pasión... Yo hago el amor con la materia."

La imagen que dejamos, es del barrio moderno de París "La Defensé"

Los lametones de los dragones pueden ser cariñosos

 

Mordía la mano que le daba suspiros, que le procuraba satisfacción, que le acariciaba con suavidad mientras se acercaba a su rugosa mollera.

Pero mordía sin hacer daño, sin apretar las mandíbulas, como un beso acariciante que buscaba el consuelo y el calor.

Es lo que tienen los dragones, que tanto derrotan al enemigo como abrazan al amigo con sus dientes y lametones de cariño.

http://cronicadeunindeciso.blogspot.com/2012/01/es-lo-que-tienen-los-dragones-nunca.html

La obra de Andy Warhol se exhibe en Zaragoza en enero 2012

Zaragoza va a tener el honor de acoger una exposición única del artista estadounidense Andy Warhol (1928-1987), pues se exhibirán a partir del 26 de enero en Zaragoza y por primera vez en Europa, un total de 99 retratos del artista fundamental en el “Pop Art”, según ha informado hoy la Obra Social de Ibercaja.

La muestra "Andy Warhol: Portraits", reúnirá 99 obras realizadas por Warhol entre los años 1940 hasta 1980, entre pinturas, impresiones gráficas, dibujos y fotografías, procedentes todas de The Andy Warhol Museum de Pittsburg (Pensilvania, EE. UU.), el museo inaugurado en 1994 y dedicado exclusivamente a toda su obra. Esta exhibición solo se ha presentado en The Andy Warhol Museum, en la primavera de 2010, y es la primera vez que sale de su sede y de los EE. UU para exponerse por primera vez en Europa.

Andy Warhol es considerado como el padre indiscutible del 'pop art', que revolucionó el arte moderno a mediados de los años 50 elevando a esa categoría objetos cotidianos, como las latas de comida Campbell, o con retratos coloristas de Mao Zedong o Marilyn Monroe.

La exposición "Andy Warhol: Portraits" se montará en el Patio de la Infanta de la sede central de Ibercaja en Zargoza, permanecerá abierta al público hasta el 15 de abril de 2012, e incluye trabajos emblemáticos de la vida de Warhol, como su infancia o sus primeros dibujos.

La muestra comienza con fotografías de un joven Warhol, solo o con su familia, y continúa con una faceta menos difundida, pero igualmente importante en el trabajo de Warhol: el 'dibujo', apartado en el que se exhibirán los primeros retratos a lápiz que el prolífico artista realizó a partir de la década de 1940. 

Estas obras de juventud corresponden al periodo en el que Warhol fue alumno del Departamento de Pintura y Diseño del Carnegie Institute of Technology, la actual Carnegie Mellon University). 

La muestra prosigue con sus dibujos coloreados con tinta, acuarela o anilina a partir de la década de 1950, coincidiendo con la ejecución de trabajos comerciales, como el que le encarga la cadena de zapaterías I. Millar para ilustrar su campaña de anuncios semanales en prensa, y que fue un gran éxito y se prolongó alrededor de tres años. 

El proceso de creación comenzaba con su máquina Polaroid, con la que disparaba numerosas fotografías del rostro del modelo, tras lo cual escogía una sobre la que trabajaba posteriormente. Esta exposición plantea un recorrido por estos personajes entre los que se encuentran grandes figuras de la música como Prince (1984) y continúa con estrellas de cine, entre las que destacan dos lienzos del actor Sylvester Stallone de 1980 y en los que aparece con y sin barba. Incluye además un lienzo de la actriz y activista Jane Fonda y sendas fotografías del actor Arnold Schwarzenagger (1977) y la actriz y cantante Liza Minelli (1977). 

El gran icono del 'pop', Mao, omnipresente en la obra de Warhol, aparece también en la muestra junto al expresidente estadounidense Gerald Ford (1967) en el apartado de políticos. Yves Saint Laurent (1972), Sonia Rikiel (1986) y Carolina Herrera se unen a la galería de retratos representando a los grandes modistos. 

Tampoco faltarán los artistas plásticos como Robert Mapplethorpe (1983) o Jean Michel Basquiat (1982), colaborador de Warhol en los 80, mientras que los escritores están representados por Tennessee Williams (1983) y Truman Capote (1979).

Poema de Marilyn Monroe sobre la vida y la muerte

Todos conocemos a la Marilyn Monroe sensual, actriz, provocativa pero suave y blanda. Pero Marilyn también escribía pequeños cuadernos donde guardaba sus impresiones, algunos poemas, sus ideas del día a día, sus secretos. Os dejo y pequeño poema en donde coquetea con el suicidio que años después llegó a provocar.

Ay maldita sea, 

me gustaría estar muerta, 

absolutamente sin existencia, 

ausente de aquí, 

de todas partes, 

pero ¿cómo lo haría?

Siempre hay puentes 

—el puente de Brooklyn—. 

Pero me encante ese puente, 

todo se ve hermoso desde su altura 

y el aire es tan limpio. 

Al caminar parece tranquilo 

a pesar de tantísimos coches 

que van como locos por abajo. 

Así que tendrá que ser 

en algún otro puente. 

Uno feo y sin vistas. 

Me gustan en especial todos los puentes, 

tienen algo, 

nunca he visto un puente feo.

 

http://charrada.blogspot.com/2012/01/marilyn-monroe-se-desnuda-en-un-pequeno.html

La abstracción de Luis Feito, fundador del Grupo El Paso

La obra de Luis Feito —uno de los fundadores del Grupo El Paso— que os mostramos hoy del año 1960 y titulada “Número 179” esta influida por el automatismo, con superficies matéricas en colores blancos, negros y ocres rojizos, realizadas con mezcla de óleo y arena.

Dice el autor… “la pintura tiene valores propios y claros para producir emociones y sentimientos sin representar o simbolizar nada, cada espectador puede sentir una impresión distinta incluso a la del propio pintor”

Luis Feito es un gran pintor muy reconocidos en España y Francia sobre todo, aunque ha trabajado mucho tanto en Canadá como en EEUU. En los últimos años ha trabajado buscando la simplificación en la pintura, y trabajando la abstracción enmarcada con elementos geográficos que le daban sustento, sujeción, casi sentido.

Los Reyes Magos que no eran Reyes ni Magos

Los tres Reyes Magos, que casi estamos seguros de que ni eran 3, ni eran Reyes ni eran Magos, vienen esta noche a entregarnos los regalos que les hemos pedido.

Según la tradición más básica pero no la más utilizada para creen en los Reyes Magos, se sabe que eran posiblemente entre dos y cuatro o incluso hasta doce y que representaban a los tres territorios conocidos por los siglos primeros de nuestra era. Europa, África y Asia. En concreto Persia, Babilonia y Asia. Los tres Magos principales que debían ser Sumos Sacerdotes u Hombres de Ciencia o Sabios, posiblemente astrólogos y de religiones más o menos paganas, parece que se llamaban Balthazar, Melkon y Gaspard y que entregaron como obsequios tres productos que por aquellos siglos representaban la riqueza: oro, incienso y mirra. Oro por ser riqueza de Reyes. Incienso por ser materia para Dioses y Mirra como elemento embalsamador de los muertos para indicar que el Niño Jesús moriría por todos. Parece ser que Melchor pasó a simbolizar a los europeos descendientes de Jafet. Gaspar representaría a los asiáticos descendientes de Sem. Y Baltasar, negro y barbado, haría lo propio con los africanos descendientes de Cam, los tres hijos de Noé.

Entre los griegos se les dieron los nombres de Apellicon, Amerim y Serakin; entre los sirios los de Kagpha, Badalilma y Badadakharida y entre los etíopes los de Ator, Sater y Paratoras. Desde el siglo XV se dice que Melchor tenía sesenta años, Gaspar cuarenta y Baltasar veinte. Las tres edades del hombre.

Melchor, rey de los persas es el venerable anciano de barbas blancas que le llevó al Niño: muselina, púrpura, piezas de lino y oro, que representaba el poder con él se reconocía que había nacido el más grande, el Rey.

Gaspar, rey de los indios, un joven barbilampiño (después barbudo), le llevó: preciadas especias, nardo, canela, cinamomo y el oloroso incienso, usado tradicionalmente como símbolo de adoración, se daba a entender que se reconocía al Dios Verdadero.

Y Baltasar, rey de los árabes, de rostro oscuro, y que con el paso de los años se hizo claramente africano a partir del siglo XV, le llevó: oro, plata, zafiros, piedras preciosas , perlas y mirra, precioso bálsamo que se confunde con las lágrimas, con el que se representaba el dolor y la capacidad humana del Dios hecho Hombre y que como apuntábamos antes se utilizaba para embalsamar.

Otras leyendas dicen que en el año 70 de nuestra era fueron martirizados los tres Reyes Magos, una vez que ya convertiros al cristianismo y nombrados Obispos y que en la actualidad se encuentran enterrados en la catedral de Colonia desde el año 1164 en que se trasladaron desde la Iglesia de San Eustorgio en Milán (en donde se encontraban los cuerpos desde el siglo IV), hasta Colonia en donde en un hermoso sarcófago se encuentran hoy en medio de la (posiblemente y con permiso de Sevilla) mejor catedral gótica de la cristiandad. Pero lo cierto es que son muchos años si pensamos que al menos tendrían 20 cuando ya de Reyes Magos fueron a adorar en el año I al Niño Jesús.

De lo que no hay duda, es de que en todo el mundo donde se celebra la Navidad, se crea o no en los Reyes Magos, el 6 de enero es el que marca el final de estas fiestas y una jornada de fiesta que se dedica a desmontar todos los adornos, belenes y árboles de Navidad que se hayan puesto en los hogares.

http://www.viradoensepia.com/2012/01/historias-de-los-reyes-magos.html

El grupo argentino Mondongo trabaja con múltiples materiales

El grupo de artistas plásticos “Modongo”, formado por tres argentinos jóvenes y extremadamente experimentales y maravillosos, llevan más de 10 años trabajando con diversos materiales como base para crear obras “casi” pictóricas en las que reflejan tanto a personajes como composiciones empleando materiales de lo más diversos. Esta imagen que dejo está realizada con plastilina, pero emplean madera, cristal, papel, hostias, embutidos, hilos de algodón, caramelos o multitud de materiales que les sirven para dar forma y color a sus obras. En los últimos tiempos han trabajado más los paisajes o el sexo como temática provocativa.

En el cuadro que dejo, se ve una amalgama de vísceras y trozos de personas, entre una lava de basuras y productos del uso habitual en estas décadas tan consumistas.

Arte doméstico infantil, libre y colorista

Este diciembre, en una instalación simple y sorprendentemente ridículamente increíble para la Galería de Arte Moderno de Brisbane, el artista Yayoi Kusama construido un entorno doméstico grande, la pintura cada pared, silla, mesa, piano, y la decoración del hogar un blanco brillante, con eficacia sirviendo como lona blanca gigante. En el transcurso de dos semanas, los más pequeños visitantes del museo se dieron miles y miles de pegatinas punto de color y se les invitó a colaborar en la transformación del espacio, convirtiendo la casa en un vibrante explosión de manchas de color. ¡Qué grande es esto? Les da la oportunidad a mi hijo, probablemente podría cubrir todo el piano a solas en un cuarto de hora. La instalación, titulada La Sala de la obliteración , es parte de Kusama en la sombra, a mi lado la exposición que recorre 12 de marzo. (A través de Stuart addelsee , sccart y heybubbles )

Si te gusto este también disfrutarás de Romano Ondak la Sala de las alturas y Karina Smigla-Bobinski de helio escultura cinética de dibujo .

Arte en restaurante japonés de sushi. Jiro Ono nos enseña su amor por el sushi

La gastronomía, la cocina, el cocinero que hace de su trabajo un Arte, también debe figurar en los álbumes en donde reflejamos los trabajos hechos con sentimientos con el deseo máximo de agradar a quien elija acercarse a ellos.

Jiro Ono es un cocinero japonés de 85 años que cuida el sushi como ninguno en su restaurante Jiro en la ciudad de Ginza, en donde con 3 estrellas Michelín sigue trabajando por entregar con mimo unos detalles de color, sabor, textura, maestría gastronómica. En su pequeño restaurante solo puede dar de comer a 10 personas a la vez, pero se preocupa en no aumentar el servicio para no perder la delicadeza, la calidad, el arte de un producto casi único. En el vídeo vean su concepto sencillo para suave y maravilloso de entender el sushi.