Esta obra del artista zaragozano Pascual Blanco Piquero, la que observamos arriba, es del año 1976, un óleo con collage diverso sobre tabla que tituló "Clamor" y es propiedad de Ibercaja. No solo fuePascual Blanco un pintor muy reconocido sino también grabador y profesor de Arte y por lo que yo más contacto con él, en la Escuela de Artes Aplicadas de Zaragoza.
La obra de Pascual Blanco se caracterizaba por una preocupación constante con el ser humano, sus sentimientos, su relación con la naturaleza y su búsqueda de libertad y felicidad. Sus pinturas no pretendían reproducir exactamente lo que vemos. Aunque reconocemos en ellas a personas, cuerpos, plantas y paisajes, pero que los transformaba mediante el dibujo, el color y las formas geométricas para construir un mundo propio.
Podríamos decir que Pascual Blanco pintaba su realidad, lo que imaginaba y sentía ante ella.
Para comprender su obra hay que tener presente que no siempre pintó de la misma manera. Su evolución artística estuvo relacionada tanto con los acontecimientos políticos de España como con sus propias inquietudes personales.
Comenzó realizando obras abstractas a finales de los años 60, en las que predominaban las manchas, las líneas, los colores y las composiciones geométricas. En ellas no era necesario reconocer una persona o un paisaje. El interés estaba en cómo se relacionaban las formas y los colores, y en las sensaciones que producían.
Durante los últimos años de la dictadura franquista, su pintura adquirió un sentido de protesta. Empezó a representar figuras humanas sometidas, atrapadas o enfrentadas a situaciones de opresión. Era su manera de denunciar la falta de libertades y defender la dignidad de las personas. En esta época, el arte era para él algo más que una actividad estética: también era una forma de compromiso social.
Después aparecieron personajes rodeados de una vegetación abundante, con hojas y formas orgánicas que parecían envolverlos o aprisionarlos. Son imágenes que pueden resultar hermosas y, al mismo tiempo, inquietantes. La naturaleza no aparece siempre como un lugar apacible. En algunas obras parece limitar la libertad de los personajes.
Progresivamente, sobre todo a partir de los años 80 del siglo XX, Pascual Blanco pasó de preocuparse por los grandes conflictos colectivos a interesarse por el mundo interior de las personas. La soledad, el amor, el deseo, la melancolía y la búsqueda de felicidad adquirieron mayor protagonismo. Sus imágenes se volvieron más poéticas. Los personajes ya no necesitaban representar una protesta concreta: podían expresar sentimientos compartidos por cualquier espectador.
En sus últimas décadas, a partir de mediados de los años 90, reunió muchas de las experiencias anteriores.
Para comprender su obra hay que tener presente que no siempre pintó de la misma manera. Su evolución artística estuvo relacionada tanto con los acontecimientos políticos de España como con sus propias inquietudes personales.
Comenzó realizando obras abstractas a finales de los años 60, en las que predominaban las manchas, las líneas, los colores y las composiciones geométricas. En ellas no era necesario reconocer una persona o un paisaje. El interés estaba en cómo se relacionaban las formas y los colores, y en las sensaciones que producían.
Durante los últimos años de la dictadura franquista, su pintura adquirió un sentido de protesta. Empezó a representar figuras humanas sometidas, atrapadas o enfrentadas a situaciones de opresión. Era su manera de denunciar la falta de libertades y defender la dignidad de las personas. En esta época, el arte era para él algo más que una actividad estética: también era una forma de compromiso social.
Después aparecieron personajes rodeados de una vegetación abundante, con hojas y formas orgánicas que parecían envolverlos o aprisionarlos. Son imágenes que pueden resultar hermosas y, al mismo tiempo, inquietantes. La naturaleza no aparece siempre como un lugar apacible. En algunas obras parece limitar la libertad de los personajes.
Progresivamente, sobre todo a partir de los años 80 del siglo XX, Pascual Blanco pasó de preocuparse por los grandes conflictos colectivos a interesarse por el mundo interior de las personas. La soledad, el amor, el deseo, la melancolía y la búsqueda de felicidad adquirieron mayor protagonismo. Sus imágenes se volvieron más poéticas. Los personajes ya no necesitaban representar una protesta concreta: podían expresar sentimientos compartidos por cualquier espectador.
En sus últimas décadas, a partir de mediados de los años 90, reunió muchas de las experiencias anteriores.
Combinó las figuras humanas, especialmente los desnudos femeninos, con superficies abstractas, elementos vegetales, dibujos ornamentales y estructuras geométricas. Y el resultado fue una pintura más luminosa, sensual y equilibrada, aunque conservó la reflexión sobre la condición humana. En esta etapa aparece con fuerza la idea del paraíso, entendido como un espacio imaginado de belleza, armonía y libertad.
Hay cuatro características emuy frecuentes en la pintura de Pascual Blanco.
La figura humana. Hombres y, sobre todo, mujeres aparecen desnudos, sentados, recostados o integrados en composiciones imaginarias. Los cuerpos tienen volumen y presencia, pero no buscan necesariamente la exactitud anatómica de una pintura académica.
La naturaleza. Plantas, hojas y jardines acompañan a los personajes. En ocasiones parecen protegerlos; en otras, envolverlos o aprisionarlos. Esa relación entre el cuerpo y la vegetación es uno de sus recursos más personales.
La geometría. Rectángulos, planos de color y espacios claramente delimitados organizan muchas composiciones. La geometría convive con las curvas de los cuerpos y las formas orgánicas.
El color y el dibujo. Alterna colores intensos con tonalidades suaves, tierras, grises y superficies luminosas. El dibujo es fundamental para definir las figuras y conseguir que convivan con elementos abstractos.
Y todo ello produciendo imágenes e historias que parecen situadas entre la realidad y el sueño.
Además de su producción artística, desempeñó un papel relevante como profesor de la Escuela de Arte de Zaragoza y en la enseñanza del grabado. En 1998 recibió el Premio Aragón-Goya de grabado.
Hay cuatro características emuy frecuentes en la pintura de Pascual Blanco.
La figura humana. Hombres y, sobre todo, mujeres aparecen desnudos, sentados, recostados o integrados en composiciones imaginarias. Los cuerpos tienen volumen y presencia, pero no buscan necesariamente la exactitud anatómica de una pintura académica.
La naturaleza. Plantas, hojas y jardines acompañan a los personajes. En ocasiones parecen protegerlos; en otras, envolverlos o aprisionarlos. Esa relación entre el cuerpo y la vegetación es uno de sus recursos más personales.
La geometría. Rectángulos, planos de color y espacios claramente delimitados organizan muchas composiciones. La geometría convive con las curvas de los cuerpos y las formas orgánicas.
El color y el dibujo. Alterna colores intensos con tonalidades suaves, tierras, grises y superficies luminosas. El dibujo es fundamental para definir las figuras y conseguir que convivan con elementos abstractos.
Y todo ello produciendo imágenes e historias que parecen situadas entre la realidad y el sueño.
Además de su producción artística, desempeñó un papel relevante como profesor de la Escuela de Arte de Zaragoza y en la enseñanza del grabado. En 1998 recibió el Premio Aragón-Goya de grabado.
