En Verín, Orense, me dieron Arte

Este que voy a comentaros es una anécdota curiosa y muy de agradecer, artísticamente de una belleza sencilla pero eficaz. En la ciudad de Verín, en Orense, tenía muy poco tiempo libre para poder hacer compras de regalos para la familia, a la vuelta de una semana por la provincia de Orense.

Tenía la comida a una hora fija y en un restaurante determinado, donde por cierto nos sirvieron muy bien. Pero no quiero alargarme.

El caso es que vi una librería muy chula en donde se anunciaba poesía gallega, y entré de forma rápida a comprar un libro de poesía. Quería un autor gallego y una recomendación, una ayuda por parte de la dependienta.

Super amable me indicó varios libros, me preguntó por la persona a la que iba destinada el regalo, y decidimos uno determinado. Al ir a pagarlo me dijo que esperara que me lo iba a envolver. Le dije que era imposible, que ya me esperaban mis acompañantes en el restaurante, que ya lo envolvería yo.

La mujer me insistió y me preguntó por el restaurante, que estaba a unos 50 metros de la librería de Verín. E insistió en envolver el libro y que me lo llevaría ella al restaurante. Era imposible negarme.

Y efectivamente, a la media hora me advirtieron en el restaurante de que me habían dejado un paquete. No salí a recogerlo, pues no le día importancia, era el libro y todo era casi normal.

Al terminar la comida salí a recoger el paquete y me encontré el libro envuelto con estos lazos y estas mariposas, y una tarjeta de la librería, un tarjetón más bien con un poema de un autor gallego, escrito a mano por la vendedora.

Me quedé atónito, salí a la calle, volví a la librería pero ya estaba cerrada. Quedándome con las ganas de agradecerlo todo aquello. hay que advertir para evitar dudas posibles, que yo tengo casi 70 años y ella no pasaría de los veintitantos. 

Es Arte. Quedar bien con un cliente, ofrecerle algo más para que se sienta contento, darle un poema escrito a mano, es Arte. Y aunque no se lo pude agradecer, que sepa ella, si un día me lee, que hay muchas más cosas en el mundo que son Arte, a costa de muchos artistas que con sus pequeños detalles hacen el mundo un poco más feliz. 

Gracias, chata. Y que sepas que las tres mariposas las conservaré como recuerdo. El libro era para mi hija.

¿Puede una forma ser deforme?

¿Qué es la forma? Pues no lo sabemos bien, casi todos son formas, y lo curioso es que todo puede ser de variadas formas. Así que en el Arte, si le ponemos un punto añadido a nuestro punto de vista, cualquier forma puede ser cualquier cosa. 

En realidad una idea en el Arte puede convertirse en una percepción, y para ello tenemos que convertir la idea en una forma visibles. Una forma que muchas veces no es inmutable, puede varias, y por ellos nos permite jugar con las formas, modificarlas y provocar al lector o al espectador, para que adivine qué estamos mostrando.

En realidad la forma encierra el contenido, la idea, pero solo eso. Puede ser además una forma abierta o cerrada, que se asemeje o no a lo que es o a lo que pretendemos que sea. 

Jugar con las formas, es también jugar con las ideas, y con las expresiones. Con las maneras en que expresamos nuestras propias ideas.

Una forma siempre es algo, y a veces es algo muy diferente a lo que parece ser.

Un niño pintando como un artista adulto. Y al revés

Algunas veces hablo de la poca distancia que hay entre el Arte Infantil, Art Brut —y daría igual la edad de los niños— y el Arte adulto de ciertos artistas, que parecen volver a sus inicios. Es un recorrido mental curioso como poco. De ida y vuelta a la hora de crear y expresarse.

Los niños, los seres humanos en nuestros inicios, además de tener grandes deseos de pintar, de expresarnos con nuestros dibujos como elementos mucho más sencillos que la propia escritura, tendemos a simplificar lo que vemos, lo que nuestra memoria retiene.

Ese ejercicio se pierde ya de adultos, queremos fotografiar con nuestras manos como si eso y solo eso fuera lo correcto, reflejar lo que de verdad vemos. ¿Lo que vemos es lo real?

Y algunos artistas vuelven a sus inicios, como apuntaba antes, acudiendo a buscar la simplificación, las miradas primitivas de los objetos.

Entre estas vacas y este paisaje completo de un niño sin estudios artísticos, sin herramientas ni técnicas artísticas, sin conocimientos de perspectiva, de encuadres, de contrapesado…, y lo que luego hacen artistas como Miró, Picasso, Barceló, etc. no hay tanta distancia.

La hay en su finalización, en sus propias técnicas ya depuradas y que complementen la idea artística, pero no tanto en ese propia idea de simplificación, de abstracción mental, de surrealismo de ideas que son como cada uno quiere que sean, como cada persona ya adulto quiero reencontrarse.

Se habla español en varios idiomas. Traducción simultánea

Las sorpresas en los carteles que se ven por la calle pueden ser tan variados como nuestra capacidad de ser tontos. 

Este cartel es cierto, y nos queda la gran duda de a qué se refiere. 

¿Español de España y español de Chile? 

¿Tal vez andaluz y asturiano? 

¿Español femenino y español antiguo? 

¿De español hacia otros idiomas?

En fin, paciencia.

La escultura de Madrid que no se hizo para sentarse

Se amontonaba el metal sobre el metal en una calle de asfalto y polución. Eran las formas, las masas sobre el suelo de un material no hecho para nada que no fuera ser contemplado.

Tal vez por eso era metal que tenia diversos matices, según los humos le fueran corroyendo las vidas.

Parecía pulido de mil manos apoyadas, de incluso posaderas que cansadas, buscaban consuelo encima de la escultura de metal.

No se hizo para asiento, pero los destinos de las necesidades son inciertos.

La Adoración de los Reyes, de Van der Goes

El arte del pintor belga nacido en Gante, Hugo van Der Goes, nacido a mitad del siglo XV, es técnicamente innovador de retablos del siglo XV con obras de arte realizadas y vendidas en los Países Bajos, Italia y España. Solo un puñado de pinturas y dibujos de Hugo van Der Goes sobreviven a nuestro tiempo y la falta de documentación hace que sea casi imposible reunir fuentes de su educación o un alcance de su práctica artística.

Es de conocimiento común que Hugo Van Der Goes fue un maestro formidable que contribuyó inmensamente al desarrollo de técnicas de pintura, cuyas imágenes preservaron y ayudaron a definir la iconografía cristiana. Fue un artista aclamado con discípulos en todo el norte de Europa, rivalizado en fama solo por el brillante Van Eyck, el artista del Retablo de Gante.

La vida y el trabajo de Hugo van Der Goes se centró en la ciudad de Gante, aunque es muy probable que también viajara a Italia y España, en donde hay algunas obras suyas. 

Como pintor de toda la vida del St. El Gremio de Lucas en Gante, también fue un hombre piadoso que se unió a un monasterio y se convirtió en un hermano laico durante la última década de su vida.

En los últimos dos o tres años, se (re)descubrió una visión innovadora del alcance de la maestría de Hugo cuando su increíble retablo de Monforte fue restaurado y reconstruido en preparación para la exposición de Berlín. 

Si bien es crucial apreciar y preservar las obras maestras que forman el legado artístico del cristianismo. Lo acontecido con esta obra es una salvajada de complicada explicación.

Lo que vemos es el Retablo del Altar de Monforte de Lemos, realizado sobre 1475, con un tamaño de 170 x 263 cm, pero que no se conserva como lo vemos arriba, pues la parte alta en esta imagen que vemos abajo ha sido añadida para asemejar al estado primitivo de la obra.

Esta obra que en principio era un tríptico, pero al llevarse a su iglesia de destino en Galicia se dieron cuenta de que no cabía en el espacio asignado. 

Se quitaron los dos paneles laterales… y en el siglo XVI se mutiló otra vez, en este caso la zona alta para que se pudiera poner otra obra de otro artista encima de esta. 

En Monforte de Lemos (España) estuvo ya mutilada en dos ocasiones hasta el año 1913, cuando se vendió de una forma nada clara, la obra que ahora se encuentra en el Museo Estatal de Berlín. 

Duccio di Buoninsegna y una obra del siglo XIV

Del artista italiano (sienés) del siglo XIV: Duccio di Buoninsegna vemos aquí la obra retablo titulada "Majestad" o "Majestad de la Catedral de Siena", arriba un detalle de la propia Virgen con en niño y abajo su conjunto.

La importancia de esta obra y de este autor es que en los inicios del siglo XIV empieza a mostrarnos rostros con miradas que ya son expresivas, e incluso ropas de los personajes que ya tienen volúmenes, aparentan ser reales.

Con casi cuatro metros de ancho y terminado en tabla en el año 1311. Se encuentra en el Museo de la Ópera del Duomo de la ciudad italiana de Siena.

Esta obra se compone de una serie de numerosos paneles y que fue pintada por ambas caras. Tiene una dimensión de 214 x 412 cm. Por el frente, aparece la Virgen en Majestad, sentada en su trono como en otras representaciones de la Virgen de la época, y su tamaño es mayor en proporción a las figuras de Santos patronos locales y ángeles, de tamaño natural, y que forman tres filas por ambos lados del trono. 

Abajo del gran panel frontal aparecen escenas de la vida de María Niña, mientras que en el extremo superior aparecen escenas de su muerte y Asunción al Reino de los Cielos. 

Por detrás del panel (aquí no lo he mostrado) aparecen diversos momentos de la vida de Jesús. 

Esta obra al temple fue encomendada al mejor artista de Siena de aquel momento, Duccio di Buoninsegna, para la Catedral de la ciudad, en honor y devoción a la Virgen María su Majestad, por ser protectora de la ciudad en tiempos de guerra.

Chapa y pintura. Blanco y negro. Soledad

Chapa y pintura para disimular los interiores. 

A veces todo es falsario, todo es un simple esqueleto. 

Pero queda el soporte, aunque haya perdido incluso el color.

Las miradas son lo único que las puede hacer sobrevivir.

No te dejes engañar por lo que te muestro

"Agua al revés" - 2018 - Valencia

Nunca pensé que dentro se encontraría la muerte en soledad

"Fachada de Muerte" - 2018 - Cataluña

Esta fechada, hermosa es cierto, visitada por mi varias veces para ver a un familiar de unos amigos, tuvo la desgracia de vivir en el 2020 la COVID con suma intensidad. Es un Centro moderno, en aquel momento muy bien atendidos los internos y las visitas, algo que se podría considerar en el año 2029 que era un ejemplo.

En la primavera de 2020 falleció Justa, la tía de mis amigos. Hoy mi apreciación de aquellos tiempos ha hecho cambiar mi punto de vista del lugar. Fueron tiempos vergonzosos para todos nosotros como sociedad. 

El pasado emanó desde abajo, cuando se cayó el presente

No estaba roto, simplemente dejaba hueco para poder ver el pasado de la pared. 

El presente se había ido destrozando, dejando paso otra vez al pasado que salía desde abajo. 

Muchos nunca lo habían estudiado, pero seguía allí, esperando a que el presente se cayera de viejo.

No todas las flores son igual de conocidas

"Flor de Cebollino" - 2020 - Zaragoza

Una flor que casi se come.

¿Qué es la felicidad, quien mide la dignidad humana?

Human, un documental de Yan Arthus-Bertrand nos enseña la vida del mundo, de las sociedades, de las personas que como usted y yo, vivimos sobre este planeta azul, en espera de que no se nos acabe o se logre revitalizar y cuidar entre todos. 

Me he quedado con esta imagen del documental que publico El País en 2016, mostrando el barrio de Pétionville en Puerto Príncipe (Haiti). 

¿Alguien puede pensar que en este lugar se puede vivir dignamente según los parámetros de acceso a la cultura, la educación, la salud o el trabajo del mundo occidental? 

¿Necesitan y desean los habitantes de este barrio ser como los occidentales? 

¿Qué es la felicidad e incluso quien mide la dignidad humana? 

Nada es seguro, nadie sabría medir la felicidad sin tener en cuenta las mochilas que cada uno transportamos según nuestra propia civilización.

Cartel del 125 Aniversario del Barça

Este es el cartel que ha presentado el FC Barcelona para celebrar su 125 aniversario. Es de Miquel Barceló. Y está recibiendo numerosas y tremendas críticas, negativas como sucede siempre, por su expresionismo. 

El Arte es expresión, no es nada más. Y aquí sin duda se ve qué se quiere decir. A partir de ese momento surge el grafismo de Barceló. 

Muy conocido además, que incluso está dentro de catedrales. No engaña ni el cartel ni Barceló. Si fuera de otra manera es posible que sí engañaría.

Se quejan de múltiples detalles, pero si se deseaba una obra clara, sin expresión artística propia, se podría haber recurrido a una fotografía de una persona vestida de azulgrana. Y no era el caso.

Y se nos olvida algo fundamental. Es un CARTEL, nada más que un cartel anunciador.

Mohammad Sabaaneh y el dolor de la guerra

Las guerras además de odio generan Arte. Por desgracia es una manera de expresión y cada persona necesita hablar a gritos como mejor sabe.

El artista palestino Mohammad Sabaaneh, en su libro "30 segundos en Gaza", nos muestra dolores dibujados, dramas que necesita mostrar desde el dibujo, y en esta obra vemos a una madre a la que "sacan abrazada a su hijo de los escombros de su casa".

A partir del dibujo, nada más se puede decir. El dolor y la estupidez humana van de la mano, pues somos tan imbéciles que no sabemos parar un dolor sin tamaño medible que ademas no sirve para nada y que se va contagiando de más dolor. Todos tenemos la culpa.

Manuel Outumuro, un fotógrafo clásico muy moderno

El fotógrafo gallego Manuel Outumuro vuelve a las revistas y periódicos de España para mostrarnos algunas de sus creaciones. Diseñador gráfico también, se le nota su oficio en los encuadres, en las distribuciones de los espacios, en esa manera especial de calibrar el todo, la suma de los espacios que ve el espectador.

He elegido una imagen que él titula "La costurera" como ejemplo de surrealismo, y a su vez una imagen de 1993 que dejo abajo, de esos trabajos de moda que hizo buscando un punto de vista nada clásico, aunque se asemejen a imágenes callejeras de mitad del siglo XX. 

¿Quien dijo que los años 50 del Siglo XX son ya clásicos?

Gislebertus, escultor francés del siglo XII

El artista escultor Gisleberto o Gislebertus fue un ejemplo de bien trabajo escultórico en los primeros años del siglo XII, sobre todo por los trabajos que podemos contemplar en la Catedral de Autun en Francia. Un artista románico que supo crear figuras deformes o surrealistas, para crear composiciones más agradables.

En esta obra vemos arriba el llamado Juicio Final que hizo para la Iglesia de San Lázaro que luego se convirtió en la catedral de la localidad de Autun, en donde su mano personal se nota claramente con algunas deformaciones de aquel románico para encajar simétricamente las figuras, trabajadas en alto relieve, unas esculturas que se consideran de las más famosas obras del Arte medieval.

Entre los detalles más conocidos de la decoración de esta iglesia está Eva que vemos abajo, que estaba en una puerta ya desaparecida mostrando a una Eva pecadora (esta tapada en parte por unos vegetales) y desnuda, mientras era expulsada del Paraíso. 

Está considerada la obra escultórica como el mejor desnudo femenino medieval, del románico en Europa.

El Perro semihundido de Goya entre las Pinturas Negras

De esta maravillosa y muy curiosa obra de Francisco de Goya no conocemos casi nada o mucho menos de lo que deberíamos. Formó parte de las Pinturas Negras de Goya pintadas entre 1820 y 1823 en su casa "La quinta del sordo" que estaba junto al río Manzanares en las afueras de Madrid. 

Pero en realidad aunque ya estaba enmarcada en esta posición y encuadre, no sabemos si formó parte de una obra mayor o si simplemente era así. Creemos que es posible que se hayan perdido partes de la obra, entre ellos posiblemente unos pájaros que volaban en la escena y que era hacia aquellos a los que dirigía la mirada el perro.

Fueron las Pinturas Negras de Goya un total de catorce obras pintadas directamente sobre la pared seca, no al fresco, utilizando óleo y otros pigmentos y de las que tenemos algunas imagen de su conjunto, pero todo se derribó en el año 1909 no sin antes intentar sacar las pinturas y salvarlas. Goya adquirió la Quinta del Sordo para poder alejarse del bullicio de la ciudad y dedicarse a actividades más bucólicas y personales.

Sabemos que este perro estaba en una pared lateral del salón junto a una escena de brujas, y se encontraba a la derecha de la puerta de entrada a la sala. Ha tenido varios nombre, y en un principio se tituló "Un perro luchando contra la corriente" y ahora se conoce como "Perro semihundido". 

El barón Fréderic Émile d’Erlanger, que compró la propiedad  de "La Quinta del Sordo" en 1873 (periodo de la imagen que vemos en BN), y decidió despegar todas las obras de los muros y trasladarlas a lienzo, cometido que ejecutó el restaurador del Museo del Prado: Salvador Martínez Cubells. 

Las Pinturas Negras fueron expuestas con escaso reconocimiento en la Exposición Universal de París de 1878, antes de ser legadas definitivamente al Museo del Prado en el año 1881.

Goya pintó todas estas obras en la más estricta privacidad, para sí mismo y como reflejo de sus sentimientos más íntimos, en una edad ya muy alta y cercana a su fallecimiento, mostrando una visión pesimista y fantasmagórica de España, que a esas alturas de su vida se le antojaba una pesadilla. Se cree que debajo existían otras obras de paisajes mucho más coloristas que quedaron tapadas por estas Pinturas Negras.

Abajo podemos ver una fotografía realizada en la misma pared de "La Quinta del Sordo" antes de ser despegadas las obras, por el conocido fotógrafo Juan Laurent, que tituló "Cabeza de perro".

Felicitamos a Annie Leibovitz con una fotografía suya

Hoy muestro una fotografía, una imagen, hecha por la fotógrafa norteamericana Annie Leibovitz que cumple 75 años hoy, el 2 de octubre de 2024. Una manera de felicitarla desde muy lejos.

Vemos a la primera dama de Ucrania Olena Zelenska y al presidente de ese país, Volodymyr Zelenskyy, en Kiev, en el mes de julio del 2022.

Es una fotografía que parece normal, pero dentro tiene esos detalles que solo son capaces provocar los artistas. El ambiente con claros giros hacia los colores verdes. La suma seriedad de él y la fortaleza de ella. Las manos entrelazadas mostrando unidad. 

El anillo de unión y por ello de calma y tranquilidad, de compromiso. El tipo de luz ambiente que en los personajes viene desde la derecha pero en el conjunto es suave para disimular la fortaleza de la lámpara del fondo.

Pero añadiría más. La ropa de los dos personajes es un símbolo, un mensaje. Como lo es el libro o conjuntos de papeles de la mesa de escritorio, demostrando que en esos momentos estaba haciendo un trabajo que ha dejado para dejarse fotografiar. No es necesario que sea eso real.

¿Le sobra algo? Para mi si. No entiendo muy bien las fotografías de ellos, anteriores, encima del sofá. Pero tendrán su lectura, de eso no me cabe duda. No están allí por casualidad.

¿Qué supone aceptar la IA como inevitable?

Yo ya no podré ver todo el desarrollo de la IA en el futuro cercano, mis 68 años me lo impedirán. Ojalá no. Pero escucho con serias dudas las críticas que está recibiendo, como si fuera posible parar lo que ya ha llegado, ejercitando meras opiniones en contra. La IA es muy fuerte y sabe aguantar las críticas.

La IA ha llegado como otros decenas o centenares de inventos, tecnológicos o no, que movieron mercados enteros de todo tipo de actividades. También en el Arte.

Yo era escanista, que es un oficio que os suena a imposible. En mis tiempos a los buenos escanistas se les fichaba entre fotomecánicas de diversas ciudades. Los sueldos eran muy altos para el tiempo que se movía esa rareza, que hoy suena a imposible.

Cuando un día en Alemania me dijeron que había llegado "La democratización del Color" yo venía de haber comprado un escaner de cuatro metros de largo. Aquellos 30 millones de entonces se fueron convirtiendo en nada en pocos meses, si acaso uno o dos años.

Hoy no hay escanistas.

En Salamanca han gritado los diseñadores con la exposición "Sobre fondo azul. Una historia del Cielo de Salamanca" hecha toda ella con IA. Es un palo, lo sé, pero es inevitable.

La IA ha llegado para cambiar drásticamente algunos oficios. Y simplemente tenemos que estar atentos para aprender, para saber usarla en nuestro beneficios profesional, para hacer cambios en nuestros productos artísticos. De alguna manera también la fotografía parecía acabar con la pintura, y esta simplemente se transformó.

Hoy veía como ya se puede hablar con la IA, con ChatGPT como si fuera una persona más, que te responde con la voz que tú decides, con el tono que has elegido, que te puede acompañar en tus diálogos de cualquier tipo, y eso que está en la prehistórica. En pocos meses podremos hacer el amor o el sexo con esta máquina. ¿Meses?

¿Será lo mismo? NO. No será igual. 

Pero hoy la soledad no elegida ni deseada nos ataca, y como no somos capaces de resolverla, una máquina puede ser un sustituto mínimo pero válido.

En el Arte no será igual como hasta ahora, pero seamos sinceros, pagar millones por unos trazos rojos sobre una madera amarilla tampoco tenía sentido lógico. 

Así que sí, contra cada acción, sale una reacción. Y a veces esas reacciones son tan malas como las acciones.

Nota.: Como es lógico esta imagen está creada con IA, con el programa Adobe Firefly.